正版入門音樂知識普及教程 內心的天籟:通往音樂藝術的十條途徑 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

簡體網頁||繁體網頁

☆☆☆☆☆

圖書標籤:

• 音樂入門
• 音樂知識
• 音樂普及
• 音樂藝術
• 音樂教程
• 音樂欣賞
• 音樂理論
• 文化藝術
• 興趣愛好
• 藝術修養

店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 現代齣版社

ISBN：9787514337211

商品編碼：29867717104

叢書名： 內心的天籟

 

本書重裝上市，以120多位世界知名音樂傢的訪談為基礎撰寫，涉及到勇氣、激情、創造力、自律、謙遜等人類精神的各個方麵。通過曆練這些品質從而通往音樂藝術的新境界。本書封麵設計更能把握書的內容，也更貼近讀者所需。

 

作者簡介

巴裏?格林，美國加福尼亞人，在辛辛那提交響樂團擔任首席低音提琴手28年，後為加福尼亞交響樂團、太陽榖愛達荷夏日交響樂園首席低音提琴手。作為世界低音樂器協會前執行董事，目前他正為舊金同交響樂團教育部的年輕低音提琴傢項目做指導。
格林共著有三本有關音樂傢心靈、身體和精神方麵的書籍。格林和W?提摩西?加爾韋閤著的第I本書《你的音樂潛能》闡述瞭如何剋服精神壓力進行錶演，以及如何通過意識、全情投入和信任等集中注意力的技巧來進行學習。格林另編有7本《你的音樂潛能》練習本，內容涉及鍵盤、嗓音、樂器和閤唱團等四個方麵。這是格林的第二本著作。受到戴維?達林——“音樂為人民”音樂機構的創始人的啓迪，格林寫齣瞭新著作《讓音樂煥發生命！》。它探索瞭如何通過身體的呼吸、脈動和運動技巧來輸送創造力和靈感。更多關於格林的教學和齣版物的資料，請登錄個人網站

 

 

 

 

目錄

序言——馬剋·斯特賴剋《底特律自由新聞報》音樂評論傢
前奏通往真正藝術性的十條途徑
第I章 交流：無聲的鏇律
二重奏、室內樂、流行小樂隊及指揮傢
第二章 勇氣：選擇高速公路
圓號和打擊樂器
第三章 自律：意誌之路
長笛、雙簧管、單簧管及巴鬆管
第四章 樂趣：音樂中的樂趣
長號、火號和低音提琴
第五章 激情：愛的力量
大提琴
第六章 忍耐：從中間者的角度看
中提琴及管理者 音樂傢
第七章 專注：進入忘我境界
獨奏樂器：小提琴、鋼琴、古典吉他及竪琴
第八章 自信：從大膽嘗試到完整性
小號
第九章 自我與謙遜：從名聲到藝術性
歌劇、爵士及劇院歌手
第十章 創造力：靈魂之旅
作麯傢和即興音樂傢
終麯：在激勵中前進
教師、閤唱團、逆境
尾聲：緻謝詞

 

 

 

編輯推薦

音樂大師現身說法，讓排練過度的錶演者，重新發現激情錶達的喜悅。
任何學音樂和音樂錶演者都離不開技術以外內心的曆練。

編輯推薦

音樂大師現身說法，讓排練過度的錶演者，重新發現激情錶達的喜悅。
任何學音樂和音樂錶演者都離不開技術以外內心的曆練。

《大師之聲：古典音樂欣賞的深度之旅》 書籍信息： 書名： 大師之聲：古典音樂欣賞的深度之旅 作者： [此處留空，或使用一個虛構的資深樂評人名字，例如：艾略特·範德堡] 齣版社： 聆韻文化 齣版日期： 2024年鞦季 頁數： 580頁 裝幀： 精裝，附贈高保真音質二維碼鏈接 --- 內容提要： 《大師之聲：古典音樂欣賞的深度之旅》並非一本麵嚮初學者的基礎知識手冊，它是一部獻給所有渴望超越“背景音樂”層麵，真正深入理解古典音樂靈魂的聽眾的深度指南。本書旨在構建一座橋梁，連接聽眾與二十世紀中葉至今，那些塑造瞭現代聽覺景觀的偉大指揮傢、演奏傢及其對經典麯目的革命性詮釋。 本書的核心在於“詮釋學”與“曆史語境”的交織。我們摒棄瞭枯燥的音樂史年錶和標準的樂理術語堆砌，轉而聚焦於“人”——那些手握指揮棒、撥動琴弦的藝術傢們，是如何解讀和重塑巴赫、莫紮特、貝多芬乃至馬勒和肖斯塔科維奇的宏大敘事的。 第一部分：指揮的煉金術——解讀詮釋的哲學 本部分深入探討瞭指揮藝術的復雜性，將其視為一種高度個人化的哲學錶達。我們不會詳述如何閱讀總譜，而是專注於“聲音的塑形”。 第一章：沉默的權力：指揮傢的無聲語言 分析瞭指揮手勢背後的心理學和美學意圖。重點研究瞭赫伯特·馮·卡拉揚（Herbert von Karajan）對“無縫流動性”的追求，與富爾特文格勒（Wilhelm Furtwängler）在危機時刻對作品結構“有機生長”的偏執。我們將探討他們如何通過微小的身體動作，決定瞭銅管組的侵略性是如閃電般突兀，還是如熔岩般緩慢湧動。 第二章：速度的悖論與時間感的重構 速度標記（Tempo Marking）是音樂的骨架，但大師們往往是“違背”骨架的建築師。我們將對比古斯塔夫·馬勒（Gustav Mahler）的交響麯在不同指揮傢手中的時間感知：阿巴多（Claudio Abbado）傾嚮於現代的清晰與透徹，而伯恩斯坦（Leonard Bernstein）則傾嚮於情緒的爆發與即興的狂熱。讀者將學習如何辨識指揮傢對“慢闆”的理解是寜靜冥想，還是緊張的延宕。 第三章：音色的化學反應：樂團的調色闆 本章專注於樂團聲響的化學構成。我們不會簡單地羅列樂器傢族，而是分析特定指揮傢如何要求不同聲部之間的平衡關係。例如，萊納（Fritz Reiner）對芝加哥交響樂團音色的極端要求，創造齣一種近乎雕塑般清晰、棱角分明的音響，這與卡洛斯·剋萊伯（Carlos Kleiber）對維也納愛樂樂團那種溫暖、略帶顆粒感的“呼吸感”形成瞭鮮明對比。 第二部分：經典重訪——特定作品的“決定性瞬間” 本部分聚焦於少數幾部被反復錄製、但也因此産生巨大分歧的“試金石”作品，旨在展示詮釋的巨大張力。 第四章：貝多芬的“命運之錘”：第五交響麯的兩種激情 深入剖析瞭貝多芬第五交響麯的開篇動機，它在托斯卡尼尼（Arturo Toscanini）的演繹中是堅不可摧的理性宣告，而在塞爾（George Szell）的詮釋中則更像是精準的邏輯推導。我們將分析錄音中的呼吸間隔、重音的提前或延遲如何徹底改變瞭“命運敲門”的含義。 第五章：德彪西的“水之樂章”：印象派的模糊與清晰 探討瞭如何捕捉德彪西音樂中那種“暗示性”而非“說明性”的本質。對比普列維奇（Simon Rattle）對《海》的現代解構式清晰度，與德布斯（Pierre Boulez）在早期錄音中對結構層麵的強調，以及卡薩德敘（Jean Martin Sarrautte）對法國老派“柔軟感”的堅守。讀者將學會如何區分“霧氣”與“光影”。 第六章：室內樂的私密對話：弦樂四重奏的親密性 室內樂要求極高的閤作默契和個性間的平衡。本章避開主流的韋爾納和阿瑪迪斯四重奏的常規討論，轉而研究那些更具內省氣質的組閤，例如匈牙利四重奏（Hungarian Quartet）在二十世紀中期的錄音，他們如何處理巴托剋的對位與節奏的復雜性，展示瞭一種近乎本能、充滿民間氣息的自由度。 第三部分：演奏傢的獨白——樂器與靈魂的共振 本部分聚焦於獨奏樂器的聲音特質，以及頂級演奏傢如何將樂器視為自身聲音的延伸。 第七章：鋼琴的無限：從魯賓斯坦到阿格裏奇 鋼琴不僅是發齣聲音的工具，它承載著對觸鍵力量和延音踏闆使用的獨特哲學。本章對比瞭阿圖爾·魯賓斯坦（Arthur Rubinstein）對肖邦夜麯中那種天鵝絨般的、富於歌唱性的“歌唱綫條”，與瑪莎·阿格裏奇（Martha Argerich）在拉赫瑪尼諾夫協奏麯中展現的，那種近乎暴力美學的、不計後果的爆發力。我們探究踏闆是如何被用來“模糊”或“固定”聽覺空間的。 第八章：小提琴的“泣訴”：顫音的生命力 顫音（Vibrato）是小提琴聲音的“脈搏”。不同流派對顫音速度和寬度的偏好，定義瞭時代的審美。我們將分析海菲茲（Jascha Heifetz）那種精準、快速且窄頻的顫音如何服務於技術上的完美主義，與大衛·奧伊斯特拉赫（David Oistrakh）那種更寬廣、更具人性化波動感的顫音如何賦予鏇律以深沉的敘事感。 結語：聽覺的自我覺醒 本書的最終目標是訓練讀者的耳朵成為一個主動的、批判性的參與者。聽音樂不再是被動接受，而是主動參與到大師們對既有文本的再創造過程中。通過對這些細微差異的辨識，聽眾將能夠真正欣賞到：同一首樂麯，在不同偉大靈魂手中，可以擁有無限的可能性。它引導讀者建立起自己對“完美詮釋”的個人標準，從而真正擁有自己的古典音樂世界。 本書特點： 拒絕平庸： 專注於頂尖演奏傢鮮為人知的錄音版本和非主流的藝術觀點。 深入分析： 側重於聲音的質地、節奏的微調和結構的處理，而非作麯傢的生平。 高階導嚮： 適閤已具備基本樂理知識，渴望進入古典音樂鑒賞“專業領域”的聽眾。 實戰應用： 每一章都提供瞭具體的對比聆聽建議，幫助讀者在實際聽音中識彆大師間的微妙差異。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，我對於這種“入門”級的讀物通常抱有審慎的態度，因為很多聲稱是“普及”的書籍，最終都會在某些專業術語上栽跟頭，要麼過於簡化導緻失真，要麼就是掛羊頭賣狗肉。然而，這本教材給我的感受是，它在“嚴謹性”和“易懂性”之間找到瞭一個近乎完美的平衡點。我對比瞭它在講解節奏型態時所用的圖示，非常清晰，即便是完全沒有接觸過任何樂器的人，也能通過圖像直觀地理解到“切分音”是如何打破常規律動的。更值得稱贊的是，作者在討論到不同樂器的音色特性時，沒有停留在描述性的語言上，而是巧妙地引導讀者去想象聲音在三維空間中的形態，這對於培養聽覺想象力是至關重要的。這本書的價值不僅僅在於傳授知識，更在於它培養瞭一種對聲音的敏感度，讓人開始留意生活中的每一個聲響細節，從汽車鳴笛到風吹過樹葉的聲音，一切似乎都染上瞭一層音樂的底色。

評分☆☆☆☆☆

閱讀過程中，我最大的感受是作者的那種對音樂近乎偏執的熱愛，這種情感通過文字是會傳染的。這本書的文字風格極具感染力，常常使用一些富有畫麵感的詞匯來描述音樂的流動。例如，在描述一個特定調式的色彩時，他會說那是“暮色中林間小道散發齣的潮濕而安寜的氣息”。這種描述手法，極大地拓寬瞭我的音樂詞匯庫。而且，全書幾乎沒有齣現那種讓人望而生畏的冗長腳注或復雜的數學公式，所有的知識點都被巧妙地融入到敘述性的段落之中，讀起來非常“潤物細無聲”。對於我這種渴望快速掌握核心概念，但又害怕被理論淹沒的讀者來說，這本書簡直是一股清流。它更像是一本高品位的音樂哲學隨筆，隻是恰好以普及教程的形式呈現齣來，讓人在享受閱讀樂趣的同時，不知不覺間就建立瞭起紮實的音樂認知框架。

評分☆☆☆☆☆

這本書的編排邏輯讓我感到非常流暢，它沒有固守傳統的音樂史框架，而是采用瞭主題式的劃分。比如，它會用一個章節專門探討“速度”在不同音樂風格中的錶現力，從巴赫的嚴謹對位到德彪西的自由流動，這種對比式的學習方法效率極高。我特彆喜歡其中設計的一個自我檢驗環節，它不是傳統的選擇題或填空題，而是要求讀者去“聆聽”並“描述”一段給定的音樂片段，這迫使你必須將書本上的理論知識應用到實際的聽覺體驗中去。這種“做中學”的模式非常有效。在我閱讀過程中，我甚至暫停瞭幾次，打開瞭網絡音樂播放器，去尋找書中提及的那些經典麯目進行對照分析，每一次對照都加深瞭我對前麵所學概念的理解。這本書成功地搭建瞭一座從“聽眾”到“鑒賞者”的橋梁，讓人覺得音樂不再是高不可攀的殿堂藝術，而是人人都可以參與的深度交流。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計確實是吸引眼球的，那種深邃的藍色調配上流動的音符綫條，給人一種既古典又現代的感覺。我拿到手的時候，首先注意到的是它紙張的質感，摸上去很舒服，不是那種廉價的光滑感，而是帶有一點點粗糲的紋理，讓人願意長時間翻閱。內容上，我特彆欣賞作者在開篇對於“音樂體驗”的闡述，他沒有急於灌輸枯燥的樂理知識，而是先引導讀者去思考，我們是如何與音樂産生連接的，這種從哲學層麵切入的方式，非常有效地消除瞭初學者麵對晦澀理論時的恐懼感。比如，他談到不同文化背景下，鏇律的意義是如何被重塑的，這讓我這個原本對古典樂抱有距離感的人，一下子找到瞭共鳴點。整本書的排版也做得極為用心，無論是五綫譜的呈現還是文字段落的間距，都保持瞭一種恰到好處的呼吸感，讓閱讀過程本身就變成瞭一種享受，而不是負擔。我想，對於那些希望真正“理解”音樂，而非僅僅是“學習”音樂的入門者來說，這本書絕對提供瞭一個極佳的起點。

評分☆☆☆☆☆

我是在一個咖啡館裏開始閱讀這本教材的，當時正值下午茶時間，背景音樂是那種輕柔的爵士樂。這本書的行文風格，說實話，比我預期的要“散漫”一些，但這種“散漫”恰恰是它的魅力所在。它不像傳統的教材那樣，上來就給你扔一堆術語讓你死記硬背，而是像一位資深樂迷在和你娓娓道來他畢生的心得。我特彆喜歡其中穿插的一些小故事，比如某位偉大作麯傢在創作某個片段時的心路曆程，這些軼聞趣事極大地豐富瞭冰冷的樂譜背後的情感脈絡。讀到關於和聲部分時，作者用到瞭一個非常生動的比喻——將和弦比作傢庭成員之間的關係，有主導的、有依附的、有衝突的，這一下子就讓原本抽象的和聲概念具象化瞭。雖然篇幅不薄，但閱讀過程中幾乎沒有産生“閱讀疲勞”，反而讓人有一種意猶未盡的感覺，總想翻到下一頁看看這次他又會揭示音樂世界的哪個小秘密。