正版入门音乐知识普及教程 内心的天籁:通往音乐艺术的十条途径 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 现代出版社

ISBN：9787514337211

商品编码：29867717104

丛书名： 内心的天籁

 

本书重装上市，以120多位世界知名音乐家的访谈为基础撰写，涉及到勇气、激情、创造力、自律、谦逊等人类精神的各个方面。通过历练这些品质从而通往音乐艺术的新境界。本书封面设计更能把握书的内容，也更贴近读者所需。

 

作者简介

巴里?格林，美国加福尼亚人，在辛辛那提交响乐团担任首席低音提琴手28年，后为加福尼亚交响乐团、太阳谷爱达荷夏日交响乐园首席低音提琴手。作为世界低音乐器协会前执行董事，目前他正为旧金同交响乐团教育部的年轻低音提琴家项目做指导。
格林共著有三本有关音乐家心灵、身体和精神方面的书籍。格林和W?提摩西?加尔韦合著的第I本书《你的音乐潜能》阐述了如何克服精神压力进行表演，以及如何通过意识、全情投入和信任等集中注意力的技巧来进行学习。格林另编有7本《你的音乐潜能》练习本，内容涉及键盘、嗓音、乐器和合唱团等四个方面。这是格林的第二本著作。受到戴维?达林——“音乐为人民”音乐机构的创始人的启迪，格林写出了新著作《让音乐焕发生命！》。它探索了如何通过身体的呼吸、脉动和运动技巧来输送创造力和灵感。更多关于格林的教学和出版物的资料，请登录个人网站

 

 

 

 

目录

序言——马克·斯特赖克《底特律自由新闻报》音乐评论家
前奏通往真正艺术性的十条途径
第I章 交流：无声的旋律
二重奏、室内乐、流行小乐队及指挥家
第二章 勇气：选择高速公路
圆号和打击乐器
第三章 自律：意志之路
长笛、双簧管、单簧管及巴松管
第四章 乐趣：音乐中的乐趣
长号、火号和低音提琴
第五章 激情：爱的力量
大提琴
第六章 忍耐：从中间者的角度看
中提琴及管理者 音乐家
第七章 专注：进入忘我境界
独奏乐器：小提琴、钢琴、古典吉他及竖琴
第八章 自信：从大胆尝试到完整性
小号
第九章 自我与谦逊：从名声到艺术性
歌剧、爵士及剧院歌手
第十章 创造力：灵魂之旅
作曲家和即兴音乐家
终曲：在激励中前进
教师、合唱团、逆境
尾声：致谢词

 

 

 

编辑推荐

音乐大师现身说法，让排练过度的表演者，重新发现激情表达的喜悦。
任何学音乐和音乐表演者都离不开技术以外内心的历练。

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《大师之声：古典音乐欣赏的深度之旅》 书籍信息： 书名： 大师之声：古典音乐欣赏的深度之旅 作者： [此处留空，或使用一个虚构的资深乐评人名字，例如：艾略特·范德堡] 出版社： 聆韵文化 出版日期： 2024年秋季 页数： 580页 装帧： 精装，附赠高保真音质二维码链接 --- 内容提要： 《大师之声：古典音乐欣赏的深度之旅》并非一本面向初学者的基础知识手册，它是一部献给所有渴望超越“背景音乐”层面，真正深入理解古典音乐灵魂的听众的深度指南。本书旨在构建一座桥梁，连接听众与二十世纪中叶至今，那些塑造了现代听觉景观的伟大指挥家、演奏家及其对经典曲目的革命性诠释。 本书的核心在于“诠释学”与“历史语境”的交织。我们摒弃了枯燥的音乐史年表和标准的乐理术语堆砌，转而聚焦于“人”——那些手握指挥棒、拨动琴弦的艺术家们，是如何解读和重塑巴赫、莫扎特、贝多芬乃至马勒和肖斯塔科维奇的宏大叙事的。 第一部分：指挥的炼金术——解读诠释的哲学 本部分深入探讨了指挥艺术的复杂性，将其视为一种高度个人化的哲学表达。我们不会详述如何阅读总谱，而是专注于“声音的塑形”。 第一章：沉默的权力：指挥家的无声语言 分析了指挥手势背后的心理学和美学意图。重点研究了赫伯特·冯·卡拉扬（Herbert von Karajan）对“无缝流动性”的追求，与富尔特文格勒（Wilhelm Furtwängler）在危机时刻对作品结构“有机生长”的偏执。我们将探讨他们如何通过微小的身体动作，决定了铜管组的侵略性是如闪电般突兀，还是如熔岩般缓慢涌动。 第二章：速度的悖论与时间感的重构 速度标记（Tempo Marking）是音乐的骨架，但大师们往往是“违背”骨架的建筑师。我们将对比古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的交响曲在不同指挥家手中的时间感知：阿巴多（Claudio Abbado）倾向于现代的清晰与透彻，而伯恩斯坦（Leonard Bernstein）则倾向于情绪的爆发与即兴的狂热。读者将学习如何辨识指挥家对“慢板”的理解是宁静冥想，还是紧张的延宕。 第三章：音色的化学反应：乐团的调色板 本章专注于乐团声响的化学构成。我们不会简单地罗列乐器家族，而是分析特定指挥家如何要求不同声部之间的平衡关系。例如，莱纳（Fritz Reiner）对芝加哥交响乐团音色的极端要求，创造出一种近乎雕塑般清晰、棱角分明的音响，这与卡洛斯·克莱伯（Carlos Kleiber）对维也纳爱乐乐团那种温暖、略带颗粒感的“呼吸感”形成了鲜明对比。 第二部分：经典重访——特定作品的“决定性瞬间” 本部分聚焦于少数几部被反复录制、但也因此产生巨大分歧的“试金石”作品，旨在展示诠释的巨大张力。 第四章：贝多芬的“命运之锤”：第五交响曲的两种激情 深入剖析了贝多芬第五交响曲的开篇动机，它在托斯卡尼尼（Arturo Toscanini）的演绎中是坚不可摧的理性宣告，而在塞尔（George Szell）的诠释中则更像是精准的逻辑推导。我们将分析录音中的呼吸间隔、重音的提前或延迟如何彻底改变了“命运敲门”的含义。 第五章：德彪西的“水之乐章”：印象派的模糊与清晰 探讨了如何捕捉德彪西音乐中那种“暗示性”而非“说明性”的本质。对比普列维奇（Simon Rattle）对《海》的现代解构式清晰度，与德布斯（Pierre Boulez）在早期录音中对结构层面的强调，以及卡萨德叙（Jean Martin Sarrautte）对法国老派“柔软感”的坚守。读者将学会如何区分“雾气”与“光影”。 第六章：室内乐的私密对话：弦乐四重奏的亲密性 室内乐要求极高的合作默契和个性间的平衡。本章避开主流的韦尔纳和阿玛迪斯四重奏的常规讨论，转而研究那些更具内省气质的组合，例如匈牙利四重奏（Hungarian Quartet）在二十世纪中期的录音，他们如何处理巴托克的对位与节奏的复杂性，展示了一种近乎本能、充满民间气息的自由度。 第三部分：演奏家的独白——乐器与灵魂的共振 本部分聚焦于独奏乐器的声音特质，以及顶级演奏家如何将乐器视为自身声音的延伸。 第七章：钢琴的无限：从鲁宾斯坦到阿格里奇 钢琴不仅是发出声音的工具，它承载着对触键力量和延音踏板使用的独特哲学。本章对比了阿图尔·鲁宾斯坦（Arthur Rubinstein）对肖邦夜曲中那种天鹅绒般的、富于歌唱性的“歌唱线条”，与玛莎·阿格里奇（Martha Argerich）在拉赫玛尼诺夫协奏曲中展现的，那种近乎暴力美学的、不计后果的爆发力。我们探究踏板是如何被用来“模糊”或“固定”听觉空间的。 第八章：小提琴的“泣诉”：颤音的生命力 颤音（Vibrato）是小提琴声音的“脉搏”。不同流派对颤音速度和宽度的偏好，定义了时代的审美。我们将分析海菲兹（Jascha Heifetz）那种精准、快速且窄频的颤音如何服务于技术上的完美主义，与大卫·奥伊斯特拉赫（David Oistrakh）那种更宽广、更具人性化波动感的颤音如何赋予旋律以深沉的叙事感。 结语：听觉的自我觉醒 本书的最终目标是训练读者的耳朵成为一个主动的、批判性的参与者。听音乐不再是被动接受，而是主动参与到大师们对既有文本的再创造过程中。通过对这些细微差异的辨识，听众将能够真正欣赏到：同一首乐曲，在不同伟大灵魂手中，可以拥有无限的可能性。它引导读者建立起自己对“完美诠释”的个人标准，从而真正拥有自己的古典音乐世界。 本书特点： 拒绝平庸： 专注于顶尖演奏家鲜为人知的录音版本和非主流的艺术观点。 深入分析： 侧重于声音的质地、节奏的微调和结构的处理，而非作曲家的生平。 高阶导向： 适合已具备基本乐理知识，渴望进入古典音乐鉴赏“专业领域”的听众。 实战应用： 每一章都提供了具体的对比聆听建议，帮助读者在实际听音中识别大师间的微妙差异。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我对于这种“入门”级的读物通常抱有审慎的态度，因为很多声称是“普及”的书籍，最终都会在某些专业术语上栽跟头，要么过于简化导致失真，要么就是挂羊头卖狗肉。然而，这本教材给我的感受是，它在“严谨性”和“易懂性”之间找到了一个近乎完美的平衡点。我对比了它在讲解节奏型态时所用的图示，非常清晰，即便是完全没有接触过任何乐器的人，也能通过图像直观地理解到“切分音”是如何打破常规律动的。更值得称赞的是，作者在讨论到不同乐器的音色特性时，没有停留在描述性的语言上，而是巧妙地引导读者去想象声音在三维空间中的形态，这对于培养听觉想象力是至关重要的。这本书的价值不仅仅在于传授知识，更在于它培养了一种对声音的敏感度，让人开始留意生活中的每一个声响细节，从汽车鸣笛到风吹过树叶的声音，一切似乎都染上了一层音乐的底色。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑让我感到非常流畅，它没有固守传统的音乐史框架，而是采用了主题式的划分。比如，它会用一个章节专门探讨“速度”在不同音乐风格中的表现力，从巴赫的严谨对位到德彪西的自由流动，这种对比式的学习方法效率极高。我特别喜欢其中设计的一个自我检验环节，它不是传统的选择题或填空题，而是要求读者去“聆听”并“描述”一段给定的音乐片段，这迫使你必须将书本上的理论知识应用到实际的听觉体验中去。这种“做中学”的模式非常有效。在我阅读过程中，我甚至暂停了几次，打开了网络音乐播放器，去寻找书中提及的那些经典曲目进行对照分析，每一次对照都加深了我对前面所学概念的理解。这本书成功地搭建了一座从“听众”到“鉴赏者”的桥梁，让人觉得音乐不再是高不可攀的殿堂艺术，而是人人都可以参与的深度交流。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个咖啡馆里开始阅读这本教材的，当时正值下午茶时间，背景音乐是那种轻柔的爵士乐。这本书的行文风格，说实话，比我预期的要“散漫”一些，但这种“散漫”恰恰是它的魅力所在。它不像传统的教材那样，上来就给你扔一堆术语让你死记硬背，而是像一位资深乐迷在和你娓娓道来他毕生的心得。我特别喜欢其中穿插的一些小故事，比如某位伟大作曲家在创作某个片段时的心路历程，这些轶闻趣事极大地丰富了冰冷的乐谱背后的情感脉络。读到关于和声部分时，作者用到了一个非常生动的比喻——将和弦比作家庭成员之间的关系，有主导的、有依附的、有冲突的，这一下子就让原本抽象的和声概念具象化了。虽然篇幅不薄，但阅读过程中几乎没有产生“阅读疲劳”，反而让人有一种意犹未尽的感觉，总想翻到下一页看看这次他又会揭示音乐世界的哪个小秘密。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我最大的感受是作者的那种对音乐近乎偏执的热爱，这种情感通过文字是会传染的。这本书的文字风格极具感染力，常常使用一些富有画面感的词汇来描述音乐的流动。例如，在描述一个特定调式的色彩时，他会说那是“暮色中林间小道散发出的潮湿而安宁的气息”。这种描述手法，极大地拓宽了我的音乐词汇库。而且，全书几乎没有出现那种让人望而生畏的冗长脚注或复杂的数学公式，所有的知识点都被巧妙地融入到叙述性的段落之中，读起来非常“润物细无声”。对于我这种渴望快速掌握核心概念，但又害怕被理论淹没的读者来说，这本书简直是一股清流。它更像是一本高品位的音乐哲学随笔，只是恰好以普及教程的形式呈现出来，让人在享受阅读乐趣的同时，不知不觉间就建立了起扎实的音乐认知框架。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计确实是吸引眼球的，那种深邃的蓝色调配上流动的音符线条，给人一种既古典又现代的感觉。我拿到手的时候，首先注意到的是它纸张的质感，摸上去很舒服，不是那种廉价的光滑感，而是带有一点点粗粝的纹理，让人愿意长时间翻阅。内容上，我特别欣赏作者在开篇对于“音乐体验”的阐述，他没有急于灌输枯燥的乐理知识，而是先引导读者去思考，我们是如何与音乐产生连接的，这种从哲学层面切入的方式，非常有效地消除了初学者面对晦涩理论时的恐惧感。比如，他谈到不同文化背景下，旋律的意义是如何被重塑的，这让我这个原本对古典乐抱有距离感的人，一下子找到了共鸣点。整本书的排版也做得极为用心，无论是五线谱的呈现还是文字段落的间距，都保持了一种恰到好处的呼吸感，让阅读过程本身就变成了一种享受，而不是负担。我想，对于那些希望真正“理解”音乐，而非仅仅是“学习”音乐的入门者来说，这本书绝对提供了一个极佳的起点。