拉丁语声乐作品集(2女高音歌曲**全国高等音乐学院美声专业教材) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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张建一 编

图书标签:

• 声乐
• 拉丁语
• 女高音
• 教材
• 美声
• 音乐教育
• 高等教育
• 艺术类
• 歌曲
• 专业教材

店铺： 新瑞图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552314557

商品编码：29904075825

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：拉丁语声乐作品集(2女高音歌曲**全国高等音乐学院美声专业教材)
• 作者：编者:张建一
• 定价：58
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552314557

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：136

歌剧的辉煌与人声的赞歌：一部深入探究十九世纪意大利美声学派的声乐艺术史与技巧指南 本书旨在填补当前声乐教学领域中，对十九世纪意大利歌剧黄金时代，特别是罗西尼、贝利尼和多尼采蒂三位大师作品的系统性、实践性与理论性研究深度不足的空白。 本书并非传统的作品选集或技巧练习册，而是一部融合了艺术史、风格分析、声乐生理学与审美哲学的综合性专著，旨在为高等音乐院校的美声专业师生提供一个理解和驾驭“美声”（Bel Canto）艺术的全新视角。 第一部分：美声的黄金时代——历史、哲学与社会语境 本部分将追溯“美声”概念的演变，从巴洛克时期的早期萌芽，到十八世纪末的成熟，最终聚焦于十九世纪上半叶，即意大利浪漫主义歌剧的鼎盛时期。 1. 时代的脉搏与歌剧的诞生： 我们将详细考察这一时期意大利社会、政治（如复兴运动 Risorgimento 的影响）和文化氛围对歌剧创作的深刻塑造。探讨剧院制度、观众期待与作曲家之间的复杂互动关系。 2. 罗西尼的优雅与技巧的革命： 深入分析乔阿基诺·罗西尼（Gioachino Rossini）如何通过其作品，特别是对花腔技巧（Coloratura）的创新性使用，重新定义了男高音与女高音的演唱标准。重点研究其作品中对呼吸支持、气流控制与装饰音的精准性要求，并探讨其对“天鹅绒般的连贯性”的追求。 3. 贝利尼的抒情与永恒的旋律： 考察文森佐·贝利尼（Vincenzo Bellini）如何将美声的抒情性推向极致。分析其“长旋律”（Canzone）的结构特点，以及对声区过渡（Passaggio）处理的细腻要求。本章将特别关注其对女高音“柔板”（Adagio）的处理，如何要求歌者展现出近乎声乐神性的气息承载力与情感深度。 4. 多尼采蒂的戏剧性与情感的张力： 探讨伽埃塔诺·多尼采蒂（Gaetano Donizetti）如何将罗西尼的技巧与贝利尼的抒情性相融合，并注入更强烈的戏剧冲突。分析《拉美莫尔的露琪亚》等作品中，对“狂喜与绝望”瞬间的声乐再现，以及对中声区（Mezza Voce）力度控制的极端要求。 第二部分：超越音符——美声的生理学、发声原理与技术解构 本部分将完全脱离具体作品的束缚，专注于美声演唱者在生理和技术层面必须掌握的核心要素。这部分内容旨在提供一套严谨的、基于现代声乐科学的发声训练框架。 1. 呼吸的建筑学： 阐释理想的歌唱呼吸支撑系统——“低位呼吸”与“稳定气流”的生物力学模型。详细分析不同声乐体裁（如咏叹调、宣叙调、重奏）对气息速度、压力和容量的动态需求，并提供强化横膈膜和肋骨活动的专项练习。 2. 声带的平衡与共鸣的优化： 探讨如何实现声带的均匀闭合与适度拉伸，这是达成“圆润音色”（Squillo）的基础。深入解析“头声区”（Passaggio Superiore）的科学管理，如何避免声带的过度紧张或分离，确保高音区的穿透力与中低音区的丰满度得到统一。 3. 花腔技巧的理性回归： 摒弃将花腔视为单纯炫技的观念，将其视为对音准、节奏和灵活性的极端考验。详细拆解颤音（Trillo）、琶音（Arpeggio）和快速音群（Scalework）的训练路径，强调从气息到发音器官的“同步启动”机制，而非肌肉的独立蛮干。 4. 元音的纯净与共鸣腔的调谐： 讨论意大利语元音（Vocali）的标准化发音原则，以及如何在不同音区保持元音的“声学形态一致性”。介绍“面罩共鸣”（Maschera）的实际感知与引导方法，确保音色在剧院环境中具有自然的聚焦和投射力。 第三部分：表演的艺术——文本、诠释与舞台呈现 声乐演唱是声音与戏剧的结合。本部分聚焦于如何将严谨的技术转化为具有说服力的舞台艺术。 1. 语言的音乐性： 详细分析意大利语的语音结构、重音规律及其与旋律线条的耦合关系。探讨清晰的意大利语发音如何反过来辅助声带的放松与共鸣的建立，避免因追求“圆润”而牺牲清晰度。 2. 宣叙调（Recitativo）的叙事动力： 宣叙调是戏剧的骨架。本章探讨如何区分“具象宣叙调”（Recitativo Secco）的节奏自由与“连贯宣叙调”（Recitativo Accompagnato）的音乐结构，并掌握在快速对白中保持声乐音准与戏剧张力的技巧。 3. 装饰音的审美规范： 针对十九世纪初期的装饰音（Improvvisazione e Abbellimenti）进行系统的考据与实践。区分作曲家明确标记的装饰音与允许演唱者自由发挥的部分。强调装饰音的设计必须服务于角色的情感逻辑，而非孤立的技巧展示。 4. 角色分析与情绪地图： 提供一套系统性的角色解构方法，指导学生如何通过文本分析、音乐动机追踪和历史背景研究，构建角色的“情绪地图”。探讨如何利用力度（Piano/Forte）、速度（Tempo）和音色（Timbro）的变化，精确描绘人物内心从平静到爆发的全过程。 结语：现代的继承者 本书最后将探讨十九世纪美声传统如何影响了二十世纪初期的威尔第和普契尼，以及这种“纯粹声乐艺术”在当代全球歌剧舞台上面临的挑战与继承的责任。强调技术为艺术服务，工具的精良是为了承载更深邃的人文关怀与戏剧表达。

评分☆☆☆☆☆

作为一名经验相对丰富的声乐教师，我常常为市面上教材的“同质化”感到苦恼。然而，这本《拉丁语声乐作品集》彻底打破了这种沉闷的局面。最让我眼前一亮的，是它对于文本处理的严谨态度。它不仅仅提供了清晰的拉丁语原文和对应的现代语言翻译，更重要的是，它在歌词的韵律和重音处理上似乎也做了额外的标记——当然，这些标记非常微妙，需要学习者有相当的音乐理论基础才能完全领会其精妙之处。这种处理方式，充分体现了对原始文本和音乐呼吸的尊重。此外，对于一些古老的或发音规则较为复杂的拉丁语词汇，书中似乎隐藏着一些“行话”式的处理建议，虽然没有直白地写成“怎么发音”的教程，但通过特定的断句或连音符号的呈现方式，资深的歌者能从中窥见编者对准确发音的匠心独运。这使得这本书不仅是一本演唱指南，更像是一本关于早期教会音乐语言实践的“密码本”。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一个下午的时间，才将这本书的目录和前言部分仔细研读完毕。我必须说，编者的选曲眼光极为独到，他们似乎没有遵循任何主流的、大众化的教材路线，而是深入挖掘了那些虽然经典但鲜少被现代课堂直接引入的拉丁语声乐瑰宝。这种“反套路”的选择，恰恰是最高水平的学习者所需要的——去拓宽视野，接触那些真正能够锤炼技巧和审美深度的作品。光是看到那些作曲家的名字，我就知道这本书绝非等闲之辈。每一首作品的编排都显得深思熟虑，似乎是根据声部音域、技术难度和历史时期进行了精妙的平衡布局，而不是简单地将作品堆砌在一起。我特别欣赏它在每首曲目前附带的背景介绍，那些文字简洁有力，却能精准地勾勒出作品诞生的时代风貌和教会背景，这让演唱者不仅仅是“唱”一首歌，更是“理解”和“扮演”那段历史。这种深度的导读，极大地提升了排练和诠释作品的层次感，让演唱者能够更真实地再现当时的音乐精神，这比单纯的音准和技巧训练要高明得多。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初购买这本书时，主要的目的是为了寻找一些新鲜的曲目来丰富我的舞台曲目库，但我很快发现，它的价值在于构建了一种全新的演唱思维框架。它强迫学习者跳出用现代美声技巧去“套用”早期音乐的思维定势，而是引导我们去感受和理解早期教会音乐特有的气息流动和音色构建逻辑。阅读过程中，我发现编者对“清晰度”的追求达到了近乎偏执的程度，无论是和声的独立性还是旋律的线条感，都得到了前所未有的重视。这本书仿佛在向我们宣告：拉丁语声乐的魅力，不在于炫技，而在于对神圣文本的虔诚诠释与对声乐线条的纯净打磨。它要求演唱者必须具备极高的自控力和对音乐文本的敬畏心，才能真正驾驭这些作品。这本书不仅会成为我们专业领域未来几年内的重要参考书，更会成为衡量一个演唱者音乐成熟度的试金石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是太迷人了！那种古典的字体排版，配上深沉的背景色，一眼就能感受到浓厚的艺术气息。我第一次在书店看到它的时候，就被那种沉稳、内敛的质感吸引住了。它不像市面上那些花里胡哨的教材，这本书的风格非常统一和专业，给人的感觉就是——这是一本真正有内涵、有分量的学术资料。内页的纸张质量也挑不出毛病，印刷清晰度极高，即便是那些复杂的声乐记谱和歌词翻译，也看得一清二楚，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。而且，装订也非常结实，翻阅起来很顺畅，完全不用担心书会散架。这种对细节的极致追求，让我对这本书的内容本身就充满了期待，它似乎在用自己的外观向读者宣告：“我不是普通的练习册，我是真正的艺术宝库。” 每次翻开它，都会有一种进入专业殿堂的仪式感，这对于一个声乐学习者来说，是非常重要的心理暗示。封面上的那种低调的奢华，恰到好处地平衡了学术的严谨和艺术的优美，让人爱不释手，忍不住想立刻开始研究里面的每一页内容。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性，远超出了一个“教材”的范畴，我更愿意称之为一本“声乐实践工具箱”。我注意到，在一些难度较高的段落旁，编辑者似乎巧妙地加入了针对特定技术难点的提示性符号。这些符号并非五线谱上的标准术语，而是更偏向于演奏指导层面的“暗语”，比如对某个长音如何进行气息支撑的暗示，或是对某个复杂对位如何保持清晰度的建议。对于学生而言，这就像是有一位经验丰富的导师在旁边耳提面命，指点迷津。我曾尝试用它来指导一些高阶学生，发现他们能非常快速地抓住作品的情感核心，这绝对归功于这本书在技术指导和艺术表达之间搭建的无缝衔接。它没有用大段的文字去说教，而是通过精准的排版和符号化的提示，将复杂的指导融入到音乐的阅读体验中，这是一种极其高明的教学法，体现了编者深厚的实践经验和对不同学习阶段学生的体贴入微。