正版 現代鋼琴演奏技巧教材 鋼琴演奏教程 鋼琴彈奏書籍 上海音樂 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 海源閣圖書專營店

齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787552305500

商品編碼：29867393119

叢書名： 現代鋼琴演奏技巧

價格 ￥81.00 套餐價 67.50元 彈琴三大寶：哈農拜厄599

 

目錄

萊默爾一吉澤金鋼琴教學法導讀
第-編
序
第三版序
一、我的鋼琴教學法的基礎
二、實例講解
1．勒伯特一施塔剋的《練習麯》
2．J．S．巴赫的《C大調創意麯》
3．J．s．巴赫的《c大調三部創意麯》
4．貝多芬的《f小調奏鳴麯》作品2之l
三、自然的音樂錶現
四、關於練琴
五、關於專門性技巧的練習
1．練習麯
2．音階
3．分解和弦
4．和弦
5．顫音
6．動作的平穩
附錄：貝多芬《f小調奏鳴麯》作品2之一
第二編
節奏、力度、踏闆及鋼琴演奏的其他問題
一、J．S．巴赫《法國組麯》中《阿勒芒德舞麯》的讀譜記憶指導
巴赫《法國組麯》中的《阿勒芒德舞麯》
二、用頭腦掌握鋼琴演奏的技巧
三、節奏
1．教學提示
2．二連音、四連音等其他連音
3．弱起
4．切分音
5．速度
四、力度
五、觸鍵方式
1．自由落鍵方式
2．擲與擊、起落方式
3．滾動方式
4．貼鍵方式
5．運用觸鍵方式的基本要點
6．演奏姿勢
7．連奏
8．非連奏、半連奏、斷奏
9．技術練習中的觸鍵方式運用
10．八度、六度和三度
11．對位演奏及分句時的觸鍵
六、分句
1．樂譜中的分旬標記
2．音樂錶現中的分句
七、踏闆
1．為聚閤聲音而運用踏闆
2．為獲得手指無法達到的連接效果而運用踏闆
3．為突齣不同和弦的色彩特徵而運用踏闆
譯後記

 

在器樂演奏中，如果演奏者在樂譜中一遇到較難的技巧，便強調演奏技巧的科學處理，這樣很容易導緻技巧練習與鋼琴演奏整體過程的分離。卡爾·萊默爾、瓦爾特·吉澤金編著的《現代鋼琴演奏技巧(原版引進)》詳述當代鋼琴演奏技巧，具有時代感和實用性，可為廣大鋼琴愛好者提供參考。此次有重大修改，作為修訂版再版。

 

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好的，這是一份關於其他圖書的詳細介紹，旨在避開您提到的《正版 現代鋼琴演奏技巧教材 鋼琴演奏教程 鋼琴彈奏書籍 上海音樂》的內容。 --- 經典鋼琴藝術的傳承與革新：一部跨越時代的演奏指南 《鋼琴演奏的藝術與心智：從巴洛剋到浪漫主義的深度探析》 圖書簡介 本書並非一部側重於“現代”或“技巧速成”的教程，而是一部深入探討鋼琴演奏曆史脈絡、風格演變以及演奏傢心智構建的權威著作。它將帶領讀者穿越時空，重新審視鋼琴藝術自其誕生之初到高峰期的核心精神與實踐方法。 第一部分：曆史語境下的鍵盤音樂演變 本部分聚焦於鋼琴藝術的“根基”——從羽管鍵樂器時代到現代三角鋼琴確立前的關鍵過渡期。我們詳細考察瞭早期的鍵盤作品，如巴赫的賦格與組麯，強調瞭那個時代對“觸鍵的清晰度”、“音色的均衡性”以及“對位法的邏輯性”的極端要求。 巴洛剋時期的觸鍵哲學： 探討瞭巴赫和斯卡拉蒂作品中對平均律的理解以及“指法即思想”的演奏理念。書中細緻分析瞭在缺乏現代踏闆和均勻音色的樂器上，如何通過手指的獨立性與重量轉移來塑造鏇律綫條，這是純粹的技巧磨練，而非一味追求力度變化。 古典主義的結構美學： 深入剖析瞭莫紮特和海頓作品中對清晰度、比例感和裝飾音的規範處理。書中不僅提供瞭大量的樂譜分析，更結閤當時的樂器特性（如維也納式鋼琴），解釋瞭何為“優雅的錶達”和“結構的分離”。我們特彆設置瞭章節，講解如何平衡主鏇律與伴奏聲部的關係，避免陷入“平均用力”的陷阱。 早期浪漫主義的內在張力： 轉嚮貝多芬，我們探討瞭從古典到浪漫的巨大飛躍。這不是簡單的“增加力度”，而是對情感深度和戲劇性衝突的精確控製。本書詳述瞭貝多芬後期作品中踏闆使用的革命性意義，以及如何運用對比手法來凸顯其作品中蘊含的英雄主義與悲劇色彩。 第二部分：演奏傢的心智構建與詮釋深度 本書的核心價值在於對“演奏者如何思考”的深度剖析。它旨在培養的是擁有獨立思考和曆史責任感的音樂傢，而非僅是技巧的執行者。 風格學的精確應用： 風格學不僅僅是知道哪個時期用什麼速度，更是理解該時期作麯傢對“裝飾”、“力度記號”和“樂句處理”的約定俗成。書中通過對比不同曆史時期的肖邦練習麯版本，展示瞭風格理解的偏差如何導緻對原作精神的扭麯。我們提供瞭詳細的練習方法，用以訓練聽覺辨識能力，使其能準確捕捉到不同時代音響的“色彩指紋”。 技術與音樂的辯證統一： 我們拒絕將技術視為脫離音樂的孤立訓練。本書提供的技術練習，其目標永遠是服務於特定的音樂形態。例如，在練習快速琶音時，重點不在於手指的“速度上限”，而在於琶音在特定和聲進行中應保持的“音色均勻性”和“清晰的邊緣感”。針對復調作品，我們強調瞭“聲部獨立聽覺”的培養，即演奏者必須能像指揮傢一樣，在腦海中清晰地聽到並控製每一個獨立聲部的走嚮。 詮釋的自由與邊界： 如何在尊重原作文本（Urtext）的基礎上，注入個人的情感體驗？本書提供瞭嚴謹的框架，引導學習者區分“必要的個人化處理”與“隨意的個人發揮”。我們通過分析多位偉大鋼琴傢對同一作品（如舒曼的《幻想麯》）的不同處理，闡釋瞭詮釋的深度源於對作品結構、曆史背景以及作麯傢生平的全麵掌握。 第三部分：鋼琴音樂的文學性與哲學意蘊 本部分提升瞭閱讀層次，探討鋼琴藝術如何成為哲學思考和文學敘事的載體。 標題音樂的解讀： 專注於李斯特和穆索爾斯基等作麯傢的作品，探討如何將聽覺轉化為視覺和敘事。書中要求演奏者在彈奏前，必須對所依據的文學原型（如但丁、普希金）有深入的閱讀理解，確保技術上的炫技服務於故事的推進和人物的塑造。 聲音的“形而上學”： 探討瞭鋼琴音響的衰減特性如何象徵時間與存在。我們鼓勵讀者將每次觸鍵視為一個“微小的生命”，其從産生到消逝的過程，都是音樂錶達不可或缺的一部分。這要求演奏者對每一個音符的“收尾”和“呼吸”給予與“開始”同等的關注。 讀者對象 本書適閤有一定基礎的鋼琴學習者、音樂專業學生、鋼琴教師，以及任何渴望超越單純指法訓練，追求深刻藝術理解的鍵盤音樂愛好者。它提供的是一種沉思式的學習路徑，旨在培養一位能夠與曆史對話、用思想駕馭鍵盤的成熟演奏傢。 --- 《管弦樂配器法與鋼琴轉寫藝術：從宏大到縴細的聲學轉換》 圖書簡介 本書聚焦於鋼琴作為一種多聲部樂器的特殊地位，特彆是它在處理管弦樂隊復雜織體時的獨特挑戰與機遇。它完全不涉及現代鋼琴演奏技巧的日常訓練，而是將鋼琴視為一種“縮微管弦樂隊”的工具。 第一部分：管弦配器的基本原則與鋼琴的映射 本部分首先為讀者構建瞭一個堅實的管弦樂聲部概念框架，並教授如何將其精確地“翻譯”到鋼琴鍵盤上。 聲部分離與平衡： 我們詳細解析瞭木管、銅管、弦樂和打擊樂聲部的音域、音色特性以及它們在樂隊中的功能。不同於單列的鋼琴譜，本書著重訓練讀者在閱讀總譜時，能即時在腦海中構建齣不同樂器組的音響層次。 鋼琴上的“色彩模擬”： 探討瞭如何利用鋼琴的音區（高、中、低）和觸鍵力度（從ppp到fff）來模擬不同的管弦樂器音色。例如，使用斷奏和不同的音色處理來模仿木管樂器的氣息感，或通過和弦的密集度來再現銅管組的輝煌感。這是一種聲音的聯想訓練，而非簡單的指法練習。 踏闆作為“延音的調控器”： 在管弦樂轉寫中，踏闆不再是簡單地延長音高，而是模擬“混響”和“和聲的交織”。本書提供瞭關於如何使用踏闆來模仿交響樂廳中的空間感和不同聲部間的微妙重疊。 第二部分：經典轉寫案例的精細剖析 本部分通過大量曆史上的經典轉寫範例（例如，李斯特改編的貝多芬交響麯片段，或拉赫瑪尼諾夫的管弦樂改編作品），進行結構化的拆解分析。 結構還原與清晰化： 鋼琴演奏者在麵對復雜的管弦樂織體時，最大的挑戰是如何在有限的十指內保持結構清晰。書中提供瞭專業的“聲部篩選”和“重要性標記”方法，確保在轉寫過程中，主要的鏇律綫條（通常來自小提琴或獨奏木管）不會被鋼琴的中聲部厚重感所淹沒。 和聲的密度管理： 管弦樂隊的和聲往往通過不同樂器的疊加而自然形成，而在鋼琴上則需要精確地計算和弦的“空隙”和“厚度”。我們教授如何根據原配器的意圖，決定哪些和聲音符可以被省略、哪些必須保留，以避免鋼琴音響的“泥濘化”。 第三部分：為獨奏而改編的藝術實踐 本部分轉嚮實踐，指導有誌於將管弦樂作品改編為鋼琴獨奏或雙鋼琴作品的讀者。 節奏與速度的彈性處理： 管弦樂的節奏往往受製於指揮的引導，而鋼琴演奏則需要內化這種彈性。本書指導如何將樂隊中由呼吸、弓法決定的細微速度變化，巧妙地融入到鋼琴的指法和踏闆控製中。 從作麯傢到演奏傢的思維切換： 強調成功的轉寫是“二次創作”而非“機械復刻”。它要求演奏者不僅要“聽懂”管弦樂的每一層，更要懂得如何用鍵盤的物理限製去創造齣新的、同樣富有說服力的聽覺效果。 適用讀者 本書特彆適閤對配器法有興趣的進階鋼琴學習者、對交響樂有深入研究的音樂學專業人士，以及希望拓寬視野，將鋼琴演奏提升到“聲學工程師”層麵的音樂傢。它關注的是宏觀的聲學結構與微觀的鍵盤映射之間的復雜關係。

評分☆☆☆☆☆

我拿到這本《指尖下的宇宙：從生理到審美的跨界探索》時，原本以為又是一本老生常談的技術手冊，沒想到它徹底顛覆瞭我的固有認知。這本書的視角極其宏大，它沒有局限於鍵盤本身，而是將鋼琴演奏置於一個更廣闊的生理學、運動學乃至神經科學的框架下進行探討。作者花瞭大量篇幅來分析人體肌肉群在不同演奏姿態下的能量消耗和效率問題，這對於我這種常年與肩頸僵硬作鬥爭的業餘愛好者來說，簡直是及時雨。書中詳細繪製瞭解剖圖，清晰地展示瞭如何利用手臂的重量而非單純的手指力量來驅動琴鍵，這使得我在嘗試一些需要爆發力的李斯特練習麯時，終於感覺不是在“搏鬥”，而是在“駕馭”。更讓我驚嘆的是，它竟然引入瞭心理學中關於“心流”狀態的理論，指導我們如何在練習中屏蔽外界乾擾，進入那種時間感消失、演奏與自我融為一體的極緻專注狀態。這種跨學科的融閤，讓技術訓練不再是枯燥的機械重復，而變成瞭一場對自身潛能的深度挖掘。讀完它，我不再僅僅關注“彈得對不對”，更開始思考“我如何更自然、更高效地完成這個動作”。它提供的是一種哲學層麵的指導，關於如何與自己的身體達成最和諧的共識，去創造美。

評分☆☆☆☆☆

我非常喜歡《鋼琴演奏者的心路曆程：如何從“彈好”到“錶達”》這種充滿個人色彩和反思的作品。這本書不像那種官方教材，它更像是一本深夜咖啡館裏，一位資深音樂傢與你促膝長談的記錄。作者坦誠地分享瞭自己職業生涯中遇到的各種心理障礙和藝術上的迷惘，比如如何剋服舞颱焦慮，如何在詮釋一首經典作品時，既尊重原作精神，又能注入自己獨特的生命體驗。書中對於“個性化錶達”的討論尤為深刻。他提齣瞭一個觀點：完美的技巧隻是入門票，真正的藝術在於你選擇用多少“不完美”來服務於你想要傳遞的情感核心。例如，在處理肖邦夜麯時，作者建議我們不必刻意追求音色的絕對均勻，而是要允許在某些錶達張力最大的地方，齣現略帶沙啞或顫動的音色，以模擬人類聲音的脆弱性。這種對“人味”的強調，極大地解放瞭我的演奏思維。它讓我意識到，鋼琴傢不應是機械的復製者，而應是音樂的“轉譯者”。這本書讀起來非常流暢溫暖，它給予我的，不僅僅是演奏上的啓發，更是一種麵對藝術道路上挫摺時的精神支持。

評分☆☆☆☆☆

這本《音色雕塑的藝術：對鋼琴物理特性的深度挖掘》絕對是為那些追求極緻音質的“發燒友”準備的寶典。它將注意力完全聚焦在鋼琴這個樂器本身的物理屬性上，探討瞭如何通過對機械結構（如琴弦的張力、擊弦角度、製音器的運作）的理解，來精細地控製我們聽到的每一個音的“顔色”。作者對“泛音列”的解釋細緻入微，他教導讀者如何通過不同力度的觸鍵，來激發或抑製特定泛音的顯現，從而創造齣截然不同的音色質感——比如從“木質的溫暖”到“金屬的銳利”。書中有一段關於如何處理雙八度音程的描述，作者建議采用一種非對稱的指法壓力分布，讓一個音稍微靠前或靠後齣現，以模擬兩個不同材質的打擊麵帶來的微小時間差，從而讓和聲聽起來更飽滿而非扁平。這種對微觀層麵的把控，對於演奏德彪西或拉赫瑪尼諾夫這類對音色要求極高的作品時，起到瞭立竿見影的效果。這本書的圖錶和物理模型非常專業，雖然有些地方需要反復閱讀纔能完全消化，但一旦領悟，你對鋼琴這件樂器的敬畏感和掌控欲都會大大增強。它教會我，音色不是天生的，而是演奏者精心“雕刻”齣來的結果。

評分☆☆☆☆☆

這本《音樂的魔法：觸鍵與心靈的對話》真是一本讓人醍醐灌頂的佳作。作者似乎擁有一種神奇的能力，能夠將那些晦澀難懂的鋼琴演奏原理，轉化成我們每個學習者都能立刻領會並實踐的直觀感受。書中對於手指觸鍵時力度變化的描述尤其精彩，他不是簡單地告訴你“要用力”或者“要輕柔”，而是用瞭一連串充滿畫麵感的比喻，比如將手指想象成羽毛的尖端，去“拂過”琴鍵的錶麵，而不是“砸嚮”它。這種細膩的觀察和錶達，徹底改變瞭我過去那種“一按到底”的僵硬手感。我記得有一章專門講如何處理連奏，作者提齣瞭一種“呼吸式”的指法概念，要求演奏者在按下一個音後，手指要像在水下潛行一樣，保持一種動態的、微微嚮內的張力，直到下一個音的産生。這讓我在練習巴赫的賦格時，那些原本模糊不清的聲部綫條，瞬間變得清晰、獨立且富有歌唱性。這本書沒有堆砌復雜的樂理術語，而是像一位經驗豐富的老師在你耳邊低語，告訴你如何傾聽自己的手指和琴弦發齣的真實聲音。它的價值不在於教你彈奏某首特定的麯子，而在於為你打造瞭一套獨一無二的“聽覺係統”，讓你學會如何真正地“聽見”自己的演奏，並進行即時、精準的修正。這本書，我已經推薦給瞭所有我認識的、正在為瓶頸期睏擾的琴友。

評分☆☆☆☆☆

說實話，這本書《節奏的骨架與鏇律的血肉：結構分析在演奏中的應用》對我來說，簡直像是一份高級樂譜解讀說明書。我一直以來都比較偏重感性的演奏，對於結構分析不太上心，總覺得那樣會把音樂彈得太“理性”而失去靈魂。然而，這本書巧妙地證明瞭，對結構的深刻理解，纔是釋放更深層次情感錶現力的前提。它通過大量莫紮特和貝多芬奏鳴麯的範例，一步步拆解瞭主題的呈示、發展、再現以及樂章的平衡布局。作者的論證邏輯極其嚴密，他展示瞭，當你理解瞭某段鏇律為何在此處進行轉調，或者某個小節為何突然插入一個對比動機時，你彈奏時的“意圖”就會變得無比明確。比如，當你知道一個看似簡單的經過句，實際上是為即將到來的高潮做情感鋪墊時，你會自然而然地在指尖醞釀齣一種前驅的力量感，而不是機械地把它當成一個過場。這本書的敘事風格非常剋製，帶著一種學者特有的精確性，但又不失對音樂熱愛的激情。它讓我明白瞭，技術是工具，而結構分析則是使用工具的藍圖，沒有藍圖，再好的工具也隻能蓋齣歪七扭八的房子。