【律动乐器】西方文明中的音乐 正版 保罗亨利朗著 广西师范大学出版西方音乐史书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549548637

商品编码：29867500587

丛书名： 西方文明中的音乐

出版时间：2014-06-01

编辑推荐

《西方文明中的音乐》是美国诺顿出版社长期以来的畅销书，其内容之精当是目前**已经出版的音乐史图书中首屈一指的作品，且文字漂亮、架构精妙，是不可多的经典之作。作者将音乐置于“大文化”背景中，用独特的诠释性批评和富于感召力的文字考察了音乐如何参与、改变和塑造西方文化面貌的历史进程。

内容介绍

《西方文明中的音乐》是美国诺顿出版社长期以来的畅销书，其内容之精当是目前**已经出版的音乐史图书中首屈一指的作品，且文字漂亮、架构精妙，是不可多的经典之作。作者将音乐置于“大文化”背景中，用独特的诠释性批评和富于感召力的文字考察了音乐如何参与、改变和塑造西方文化面貌的历史进程。

 

目录

中译者序 引言   一章 古希腊 第二章 拜占庭 第三章 罗马 第四章 基督教早期教父时期 第五章 格里高利艺术与它的影响范围 第六章 格里高利艺术的进一步扩散 第七章 哥特风格 第八章 新艺术 第九章 文艺复兴 第十章 巴洛克 第十一章 晚期巴洛克 第十二章 洛可可—华丽风格—情感风格 第十三章 古典时期 第十四章 18世纪音乐的边缘及其实践 第十五章 古典主义与浪漫主义的交汇 第十六章 浪漫主义 第十七章 从浪漫主义到现实主义 第十八章 反潮流 第十九章 19世纪音乐的边缘及其实践 第二十章 通往现代之路 索引

 

 

 

 

 

作者介绍

保罗·亨利·朗所著的《西方文明中的音乐(精)》是美国诺顿出版社长期以来的畅销书，其内容之精当是目前**已经出版的音乐史图书中首屈一指的作品，且文字漂亮、架构精妙，是不可多的经典之作。作者将音乐置于“大文化”背景中，用独特的诠释性批评和富于感召力的文字考察了音乐如何参与、改变和塑造西方文化面貌的历史进程。六十年来，该书不仅巳成为音乐史学领域的大师级经典论著，而且也被证明对文化史研究做出了突出贡献。原著于1941年在纽约出版，随即被公认是美国音乐学走向成熟的标志性里程碑著作。六十年来，《西方文明中的音乐》不仅已成为音乐史学领域的大师级经典论著，而且也被证明对文化史的研究做出了突出贡献。就单个学者所著的单卷本音乐通史而论，至少在英语世界中，至今尚无任何著作在体现史家的“才、学、识”方面堪与（西方文明中的音乐）相比。该书中译本亦获得**翻译界一致好评。

 

 

 

西方音乐史：从古希腊到20世纪的恢宏画卷 引言：音乐与文明的交织 音乐，作为人类情感与精神世界的独特载体，始终与文明的演进紧密相连。它不仅是声音的艺术，更是历史、哲学、宗教和社会变迁的忠实记录者。要理解西方文明的深度与广度，就必须深入探索其音乐传统——从古希腊哲学家对音律的思辨，到中世纪圣咏的虔诚咏唱，再到巴洛克时期的辉煌复调，直至浪漫主义的情感洪流与20世纪的多元探索。 本书旨在勾勒一幅宏大而精细的西方音乐史图景，力求展现不同历史时期音乐风格的演变脉络、主要作曲家的创作思想及其作品的时代意义。我们不将音乐视为孤立的艺术现象，而是将其置于广阔的社会、文化和技术背景下进行考察，探寻音乐如何反映、塑造并超越其所处的时代精神。 第一部分：起源与萌芽——古希腊、罗马及其过渡 西方音乐的根源可以追溯到古希腊的哲学思辨。彼时，音乐（mousikē）是与诗歌、舞蹈紧密结合的综合艺术，承载着“模仿自然”与“陶冶性情”的伦理功能。毕达哥拉斯学派对音程的数学化解释，奠定了西方音乐理论的基石。柏拉图在《理想国》中对“德行音乐”的推崇，深刻影响了后世对音乐的道德评判。然而，古希腊的音乐实践本身留存的实物极少，我们更多地依赖文献记载来重构其对调式（Modes）的认识。 罗马帝国继承了希腊的音乐遗产，并在实用层面（如军事号角、公共仪式）有所发展，但其自身的创造性贡献相对有限。随着帝国的衰落与基督教的兴起，音乐的重心开始从世俗转向宗教。 第二部分：中世纪的曙光——宗教主导下的音乐发展 (约 450年 – 1450年) 中世纪是西方音乐史上一个漫长而关键的转型期。教会成为音乐的主要赞助者和保护者。早期的音乐以单音音乐（Monophony）为主，其中最具代表性的是格里高利圣咏（Gregorian Chant）。这种无伴奏的、仪式性的歌唱，以其平稳流畅的旋律线和严谨的文本对位，构成了西方音乐的基础语汇。 大约在九世纪后，对声音厚度的探索开启了复调（Polyphony）的先河。从早期的奥尔加农（Organum）到十二世纪巴黎圣母院乐派（Notre Dame School，如列奥宁和佩罗坦）的精确记谱与节奏的引入，标志着西方音乐进入了对多声部织体结构化的关键阶段。 中世纪晚期，世俗音乐也逐渐抬头。吟游诗人（Troubadours/Trouvères）在法国南部和北部歌颂爱情、骑士精神，他们的音乐虽然不如宗教音乐体系完备，却为后来的世俗音乐注入了活力。奥尔加农的精确性逐渐被更具韵律感和情感表达的乐曲所取代，为文艺复兴的到来铺平了道路。 第三部分：和谐的觉醒——文艺复兴时期的繁荣 (约 1450年 – 1600年) 文艺复兴（Renaissance）的核心是人文主义精神的回归与对人自身价值的肯定。在音乐上，这表现为对文本清晰度的重视、对和声的精细控制以及对人类情感的细腻描摹。 佛兰德斯画派（Franco-Flemish School）的作曲家，如若斯坎、帕莱斯特里那（Palestrina）和拉索（Lassus），将复调艺术推向了巅峰。他们发展了模仿手法（Imitation），使得声部间的对话既独立又统一，织体达到了近乎完美的平衡感。弥撒曲与经文歌是主要的宗教音乐形式。 世俗音乐方面，牧歌（Madrigal）的兴盛是文艺复兴时期最引人注目的现象。意大利牧歌以其对诗歌意境的“文字描绘”（Word Painting）而著称，音乐直接服务于文本的情感色彩，体现了人文主义对个人情感体验的关注。 第四部分：情感的爆发与秩序的建立——巴洛克时期 (约 1600年 – 1750年) 巴洛克（Baroque）时代是西方音乐史上一次剧烈的风格转型。为了摆脱文艺复兴晚期复调的复杂与晦涩，早期作曲家们寻求一种更直接、更富戏剧性的表达方式。 歌剧的诞生（约1600年，佛罗伦萨的“新艺术同好会”）是这一时期的标志性事件。卡契尼、蒙特威尔第等人确立了宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的结构，强调旋律对文本情感的直接表达。 音乐语言趋于稳定：数字低音（Basso Continuo）的普遍使用，为和声进行提供了坚实的“骨架”；调性体系（Tonal System）的最终确立，使和声语言更具方向感和张力。 这一时期，器乐的地位急剧上升。协奏曲（Concerto）、奏鸣曲（Sonata）和组曲（Suite）成为重要的体裁。科雷利、维瓦尔第奠定了协奏曲的规范。到了巴洛克晚期，巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）将这一时期的所有技术与风格推向了集大成的顶点。巴赫对复调技巧的精妙掌握，尤其是在赋格曲（Fugue）中的运用，至今仍是音乐理论的典范。亨德尔则在歌剧和清唱剧（Oratorio）领域展现了宏大叙事的辉煌。 第五部分：清晰与平衡——古典主义时期 (约 1750年 – 1820年) 随着启蒙运动的思潮兴起，音乐风格转向追求清晰、平衡、对称与自然。巴洛克时期的复杂装饰被简化，取而代之的是清晰的旋律线条和更具逻辑性的结构组织。 奏鸣曲式（Sonata Form）成为古典主义音乐（尤其是交响曲、协奏曲和室内乐）的骨架。海顿被称为“交响曲之父”，他确立了四乐章交响曲的范式。莫扎特则在歌剧和协奏曲中将旋律的优美与结构的严谨完美结合。 贝多芬的出现标志着古典主义向浪漫主义的过渡。他继承了古典时期的结构规范，但通过扩大规模、增加情感强度和打破既有界限，极大地拓展了交响音乐的表现力，为整个十九世纪的音乐发展指明了方向。 第六部分：主观世界的拓展——浪漫主义时期 (约 1820年 – 1910年) 浪漫主义音乐的核心是个体情感的极致表达、对想象力的崇拜以及对自然、民间传说和异国情调的迷恋。 作曲家们热衷于扩大和声词汇，使用更具色彩性的音响，并对传统调性进行更大程度的探索与模糊化。 体裁的演变： 奏鸣曲式的重要性相对下降，幻想曲、即兴曲等自由形式的小品盛行。艺术歌曲（Lied，舒伯特、舒曼）的蓬勃发展，体现了诗歌与音乐的深度融合。 交响诗的兴起： 李斯特首创的交响诗（Symphonic Poem），将叙事性与器乐表现力相结合，彻底打破了古典交响曲的束缚。 民族主义音乐： 在德奥音乐主导的背景下，如捷克（德沃夏克、斯美塔那）、俄罗斯（“五人强力集团”）的作曲家开始在作品中融入本国的民间旋律和民族传说，丰富了西方音乐的版图。 后浪漫主义的巨匠： 瓦格纳通过其“主导动机”（Leitmotif）和对歌剧“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，将德奥歌剧推向了前所未有的戏剧张力与和声复杂性，为20世纪的音乐变革埋下了伏笔。 第七部分：破碎与重构——二十世纪的音乐革命 (约 1900年至今) 二十世纪的西方世界经历了两次世界大战和科技的飞速发展，音乐也随之经历了最为剧烈的风格分裂与创新。对“美”的传统观念受到挑战，作曲家们开始系统性地探索一切可能的听觉材料。 印象主义与表现主义： 德彪西的印象主义（Impressionism）以其对音色和气氛的微妙处理，模糊了传统的旋律与和声边界。紧随其后，勋伯格（Schoenberg）领导的第二维也纳乐派，通过无调性（Atonality）表达了深刻的内心焦虑（表现主义）。 序列主义与十二音体系： 为对抗无调性的随机性，勋伯格发展出十二音技法（Twelve-Tone Technique），旨在对所有十二个音高进行公平的组织。 新古典主义与原始主义： 斯特拉文斯基在《春之祭》中以强烈的节奏冲击和原始的音乐语言震撼了世界，随后他转向了追求结构清晰的新古典主义。 战后探索： 战后，电子音乐、偶然音乐（John Cage）、以及后来的极简主义（Minimalism）等流派相继出现。作曲家们不再仅仅关注音高与和声，而是将节奏、音色、空间甚至时间本身纳入音乐创作的范畴，使得西方音乐的疆界被极大地拓展。 结语：永恒的对话 西方音乐史是一部持续不断的对话史——是与古老传统的对话，是与时代精神的对话，更是作曲家自身内心世界的对话。从神圣的赞美诗到喧嚣的电子音景，音乐始终以其独特的方式反映着人类对秩序、情感、真理和美的永恒追寻。理解这段历史，就是理解西方文明如何通过声音的演变来记录其精神的跌宕起伏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和印刷质量真是让人眼前一亮。拿到手里就能感觉到分量，纸张摸上去很有质感，不是那种廉价的纸张，阅读起来非常舒适。尤其是那些乐谱的插图，细节处理得非常到位，线条清晰，墨色饱满，即便是不太专业的读者也能感受到出版方在细节上的用心。我常常喜欢在周末的午后，泡上一杯茶，捧着它慢慢翻阅，那种实体书独有的油墨香气，配合着文字的沉淀感，是电子书完全无法替代的体验。而且，边角处理得很圆润，拿在手里很久也不会觉得硌手，这对于一个喜欢深度阅读的人来说，是非常重要的体验。这本书的设计不仅仅是内容的载体，本身也是一件值得收藏的艺术品，体现了出版机构对经典的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事风格真是太引人入胜了，完全打破了我对传统音乐史书籍的刻板印象。它没有堆砌晦涩难懂的专业术语，而是像一位经验丰富的导游，带着读者漫步在西方音乐漫长的历史长河中。作者的文字充满了一种灵动和激情，仿佛能听到巴洛克时期宏伟的管风琴声，也能感受到浪漫主义时期交响乐团激昂的情绪。这种讲故事的方式，让我这个非科班出身的人也能轻松跟上节奏，理解不同历史时期音乐风格演变背后的社会文化动因。每当读到一个重要的转折点，作者总能精准地把握住那个时代的脉搏，将音乐的革新与时代的变革紧密地联系起来，读完后感觉对整个西方文化史都有了一个更立体的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度确实令人称赞，它成功地在学术的严谨性和大众的可读性之间找到了一个完美的平衡点。它不是那种只聚焦于少数几个“巨匠”的传记式写作，而是将目光投向了整个音乐生态系统——包括赞助人、乐团组织结构、观众的品味变化乃至音乐理论的学术争论。当我读到关于中世纪教会音乐和世俗音乐并存的章节时，我意识到音乐史远比我想象的要复杂和有趣，它与权力结构和民间生活息息相关。作者的论证逻辑清晰，资料翔实，每一次观点提出都有坚实的史料支撑，读起来让人感到非常踏实和信服，绝非泛泛而谈。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏书中对乐器发展脉络的梳理，那部分内容简直是一场视觉和知识的双重盛宴。从早期简陋的弦乐器到后来精密的键盘乐器，作者描绘的不仅仅是工具的进化，更像是人类情感表达能力不断拓展的缩影。书中对各种乐器发声原理和音色特点的描述，既有科学的严谨性，又不失文学的美感。比如，它对比了羽管键琴和钢琴在触键感和音量变化上的巨大差异，并解释了这种变化如何催生了全新的音乐创作手法。这种深入浅出的讲解，让我这个曾经只听音乐，从未深究其“硬件”的人，茅塞顿开，对古典音乐的欣赏层次瞬间提升了一个维度。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，在阅读这本书之前，我对不同音乐时期之间的界限总是感到模糊不清，比如什么是清晰的“古典主义”，它和“早期浪漫主义”的界限究竟在哪里。然而，这本书通过细致的音乐特征分析，特别是对“形式”和“情感表达”的对比论述，为我构建了一个清晰的知识框架。我尤其喜欢作者在总结章节时，那种提炼核心思想的能力，能够用几句话概括一个时代音乐精神的精髓。它不只是知识的堆砌，更像是一种思维方式的训练，引导读者学会如何带着历史的眼光去聆听任何一段西方音乐作品，去品味那些看似不经意却蕴含深意的结构变化。