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龙音 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807517313

商品编码：29867525052

丛书名： 琵琶考级名家演奏与指导(附光盘2)龙音名家名

开本：8开

出版时间：2011-04-01

 

基本信息

书名:琵琶考级名家演奏与指导(2)附CD二张

：65.00元

售价：35.8元,便宜29.2元,折扣55

作者:龙音编辑委员会

出版社：上海音乐出版社

出版日期：2011-04-01

ISBN：9787807517313

字数：

页码：128

版次：1

装帧：平装

开本：8开

商品重量：0.440kg

目录

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1．改进操
2．野蜂飞舞
3．平沙落雁
4．查尔达斯舞曲
5．歌舞引
6．渭水情
7．春雨
8．塞上曲
9．思春
10．霸王卸甲
11．春蚕
12．江南三月
13．老童
14．童年
15．陈 隋
16．海青拿天鹅
17．红色娘子军随想曲
18．十面埋伏
乐曲简介与演奏提示

 

琵琶考级名家演奏与指导

 

目录

---

 

1．改进操
2．野蜂飞舞
3．平沙落雁
4．查尔达斯舞曲
5．歌舞引
6．渭水情
7．春雨
8．塞上曲
9．思春
10．霸王卸甲
11．春蚕
12．江南三月
13．老童
14．童年
15．陈 隋
16．海青拿天鹅
17．红色娘子军随想曲
18．十面埋伏
乐曲简介与演奏提示

 

13．老童
14．童年
15．陈 隋
16．海青拿天鹅
17．红色娘子军随想曲
18．十面埋伏
乐曲简介与演奏提示

 

乐海拾贝：中国传统乐器精选集萃 第一卷：古筝艺术的传承与创新 引言： 本册精选集专注于中国传统音乐的瑰宝之一——古筝。古筝，这位历史悠久的弦乐器，以其清丽脱俗的音色和深厚的文化底蕴，在中国音乐史上占据着不可替代的地位。本书旨在为广大古筝学习者、演奏者以及音乐爱好者提供一个全面、深入的学习与欣赏平台，涵盖了从基础技法到高级演奏的各个层面，并融入了当代演奏理念的探讨。 第一章：古筝的形制与历史溯源 1.1 古筝的演变历程： 追溯古筝自战国时期“筝”的雏形，历经唐宋元明，直至清末民初的形制变化。重点探讨不同历史时期对古筝结构（如面板、岳山、琴钉）的影响及其对音色的塑造作用。 1.2 流派纷呈的格局： 详细介绍中国主要古筝流派的形成背景、代表人物及核心技法特征。重点剖析山东筝派的刚劲有力、客家筝派的粗犷豪迈、川派筝的细腻婉转，以及潮州筝派的丰富装饰音处理。对当代新筝的电子化、改良化趋势进行简要介绍，突出其在现代音乐语境下的探索。 1.3 乐器构造与维护： 对现代演奏用古筝的构造进行解剖式讲解，包括琴弦的材质选择（尼龙钢丝或聚氨酯包丝）、音窗的设计原理。提供日常养护的实用建议，如湿度控制、调音技巧以及琴码的正确放置标准。 第二章：基础功训练与指法精要 2.1 正确的坐姿与持筝： 强调稳定性和放松原则。详细图解正确的坐姿、手臂悬空与靠搭的平衡点，以及头部与琴身的相对位置，确保气韵贯通。 2.2 基本指法详解： 全面解析“轮指”（即轮指的类型、速度与均匀性控制）、“抹”、“挑”、“勾”、“撮”、“琶音”等基础指法的发力点与触弦角度。特别针对轮指的持久性训练，提供阶梯式练习方案。 2.3 右手技巧的深化： 深入探讨右手技巧中的“按”、“滑”、“颤音”的力度控制与情感表达。讲解如何通过指甲的形状和厚度来优化音色，实现从轻柔如丝到铿锵有力的音色转换。 2.4 左手技法的核心： 详述左手按、滑、揉（揉弦）的技法标准。揉弦的“大起大落”与“细微波动”的区别，以及如何通过不同的揉弦方式来模仿人声或管弦乐器的效果。强调左手对音准和乐句连贯性的决定性作用。 第三章：乐曲学习与演奏实践 3.1 初级曲目导读： 以《渔舟唱晚》、《上板》等入门曲目为例，解析其结构、调性特点及演奏难点。侧重于节奏的准确性和旋律线的清晰化处理。 3.2 中级曲目解析——体现地域风格： 选取代表性中级曲目，如《蕉窗夜雨》（偏向细腻抒情）和《战台风》（考验右手爆发力）。详细分析曲目中蕴含的地域文化背景，指导学习者如何通过演奏手法来“讲故事”。 3.3 高级曲目技术攻关： 针对如《寒鸦戏水》、《将军令》等高难度曲目，进行拆解分析。重点突破快速轮指的密集段落、复杂的和弦扫弦处理，以及跨把位演奏的流畅性。 3.4 音乐表现力与诠释： 讨论如何超越机械地完成指法，将个人情感融入乐曲。讲解“气口”、“休止符的价值”、“强弱对比”在古筝演奏中的戏剧性运用。强调不同演奏版本之间的细微差别及个人化的艺术处理空间。 第四章：古筝的现代发展与教学理念 4.1 新筝作品的赏析： 介绍当代作曲家为古筝创作的新作品，这些作品往往挑战传统演奏技巧，融入了更多的现代和声概念与结构布局。分析其对传统技法的拓展与重构。 4.2 演奏中的听觉训练： 强调“听”的重要性。如何训练耳朵分辨音色中的杂音、如何校准自己演奏的音准与群体演奏的和谐性。探讨听觉反馈在自我纠错中的作用。 4.3 舞台表现与心理准备： 为演奏者提供舞台经验指导，包括赛前准备、克服紧张情绪的方法，以及如何通过肢体语言和眼神交流来提升舞台感染力。 结语： 古筝艺术博大精深，本集旨在为学习者搭建坚实的阶梯，引领他们从指法入门，逐步领悟中国传统音乐的精髓与魅力。我们鼓励学习者在尊重传统的基础上，勇敢探索属于自己的演奏风格。 二胡演奏技法精粹与曲目赏析 引言： 二胡，作为中国民族乐队中最具表现力的弓弦乐器之一，以其近乎人声的音色和深沉的情感张力，深受听众喜爱。本书集结了二胡演奏的系统性教学内容，旨在为二胡学习者提供一套科学、严谨的训练体系，涵盖了从基础运弓到复杂乐曲处理的全过程。 第一部分：二胡的构造、历史与流派 1.1 二胡的解剖与材料学： 细致解析二胡的六大组成部分——琴杆、琴筒、蒙皮（蛇皮）、琴弦、音窗及弓杆。重点讨论不同木材（如紫檀、老红木）对音色产生的决定性影响，以及蛇皮张力对发音清晰度的调节。 1.2 历史沿革与文化语境： 追溯二胡（或其前身“奚琴”）的起源，分析其如何在不同历史时期被文人雅士和民间艺人所接受和发展。探讨二胡在戏曲伴奏、说唱音乐中的核心作用。 1.3 主要演奏流派的风格特征： 深度剖析“江南丝竹派”的细腻婉转、“北方派”的苍劲有力与强奏技巧，以及以“阿炳”（华彦钧）为代表的民间艺人风格对现代演奏的影响。分析不同流派在运弓速度、揉弦幅度上的差异。 第二部分：基础功的夯实与弓法的核心 2.1 正确的持琴与持弓姿势： 强调身体与乐器的自然结合，避免僵硬。详细图解持弓时“轻”、“稳”、“准”的原则，特别是右手小臂与手腕的配合，确保弓子运动轨迹的直线化。 2.2 运弓技术的精细化训练： 这是二胡演奏的灵魂。本书将运弓分解为：长弓（气息的连贯性）、分弓（节奏的清晰度）、快弓（速度与均匀性）、顿弓（力量的集中与爆发）。提供大量的“空弦练习”范例，要求学生严格控制弓速与弓压的比例关系。 2.3 揉弦技法的千变万化： 揉弦（打音）是赋予二胡“歌唱性”的关键。详细区分指位揉弦（手腕为主）与弦位揉弦（手指为主）的应用场景。解析不同揉弦速度、幅度和音色对表达悲、喜、怒、哀等情感的精确控制。 2.4 按弦与换把的流畅性： 左手按弦需精准到位，强调指尖的立度和力度。重点训练换把时的“移位”技巧，如何利用滑音或空弦自然过渡，避免换把噪音。 第三部分：乐曲学习与技巧拓展 3.1 入门曲目中的“歌唱性”培养： 以《赛马》、《一枝花》等曲目为例，指导初学者如何在简单的旋律中找到二胡的“味道”，注重慢练中对音准的内化。 3.2 中高级曲目的结构分析： 选取如《江河水》、《病中吟》、《二泉映月》等代表作。深入剖析这些曲目的结构布局（呈示部、发展部、再现部），指导演奏者如何根据乐曲的情感递进设计运弓力度和揉弦变化。 3.3 弓法与揉弦的复合技巧应用： 针对高难度乐段，如快速的跳弓、复杂的装饰音群（如颤指、拨弦的模拟），提供专门的练习方法，确保技术动作的独立性和配合的协调性。 3.4 二胡的音色控制与动态处理： 探讨二胡演奏中的“颗粒感”、“沙音”的运用。如何通过调整弓毛的接触面积和弓杆的倾斜角度，实现从极弱（pp）到极强（ff）的平滑过渡，增强音乐的层次感和立体感。 第四部分：二胡的现代应用与展望 4.1 二胡的独奏与协奏： 简要介绍二胡协奏曲的地位和重要性，分析二胡在与交响乐队合作时，如何保持自身音色的穿透力，并与管弦乐进行对话。 4.2 教学法探讨： 为二胡教师提供教学思路，强调因材施教，尤其是在处理学生在拉奏过程中遇到的“僵硬感”、“音色不佳”等共性问题时，应采用的针对性纠正方法。 结语： 二胡是一门需要用生命去感悟的艺术。本书期望能成为您手中可靠的“技术指南”，助您在探索二胡深邃的情感世界中，迈出坚实而富有成效的每一步。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和排版来看，这本教材显然是为教学场景设计的，纸张质量不错，字体大小适中，但内容组织上的逻辑跳跃性让我这个自学者感到有些吃力。它一会儿讲调性指法，一会儿又突然插入一段关于“评弹传统”的历史背景介绍，然后紧接着又是对某一个特定演奏家的特定习惯的标注。这种“信息堆砌”式的编排，虽然内容详实，但缺乏一个清晰的主线索来引导读者逐步深入。我花了很多时间去整理和梳理这些信息，试图找出不同知识点之间的内在联系。例如，在讲解揉弦技巧时，作者频繁引用了不同时期、不同地域的演奏家作为参照，这本意是想拓宽视野，但对于初学者来说，一下子接触到太多不同的“标准答案”，反而会造成选择困难和迷茫。我更希望看到的是一个循序渐进、由浅入深的学习路径，比如先统一一种核心的、最易被接受的风格，等掌握稳定后再去探索其他变体。这本书更像是把一个资料库原封不动地搬了过来，需要读者自己去完成大量的知识整合工作，这对于工作之余想安静学琴的人来说，负担不小。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的初衷是想找一本能够贯穿我未来几年学习历程的“百科全书”，能够在我技术进步的同时，持续提供理论和曲目深度的支撑。然而，这本书给我的感觉更像是一个阶段性的“通关秘籍”。它在前三分之二的篇幅里，对考级曲目进行了近乎“解剖式”的分析，从历史背景到指法细节，再到考核要点，面面俱到，让人不得不佩服其内容的扎实程度。但一旦进入到最高级别或者那些非考级曲目的讲解时，内容突然变得非常简略和草率，仿佛完成了最重要的任务后，后续内容只是例行公事地填充了一下篇幅。例如，对一些难度极高的快速技巧段落，书中只是一笔带过，建议“多加练习”，并没有给出真正突破瓶颈的有效策略或新的练习思路。这让我不禁怀疑，作者的重点和兴趣点似乎真的就停在了“教会你通过考试”这个目标上。对于一个追求技术全面发展，并希望能够触及到更高艺术境界的演奏者来说，这本书的后劲明显不足，更像是一个为特定目的而生的优秀工具书，而非一部可以伴随终生的音乐经典著作。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的实用性在某些方面做得非常到位，比如它对曲目中一些特殊记号的解释，绝对是市面上其他教材无法比拟的。很多不常用的指法符号，它都会配上图示和文字说明，解释得非常详尽，甚至连不同版本乐谱之间记号的微小差异都有所提及，这显示出编者在资料收集上的深度和细致程度。然而，这份详尽的背后，却隐藏着一个巨大的遗憾：它过分依赖文本和静态图示来传达音乐的精髓。琵琶是听觉艺术，技巧的掌握很大程度上依赖于“听”和“模仿”。这本书几乎完全没有提供可供下载或在线播放的音频支持，所有的力度、速度、音色变化，都需要读者自己去脑补，或者去市场上寻找其他资源来佐证。比如书中描述某个段落需要“如泣如诉”的音色，但如果读者不知道“如泣如诉”在琵琶上具体听起来是什么感觉，光看文字描述是苍白无力的。这种“有理论无听觉支撑”的结构，让这本书的指导价值大打折扣，更像是一本高级的参考手册，而不是一本可以全程陪伴学习的教程。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻感受到一股扑面而来的“学院派”气息，那种严谨到近乎教条的编排方式，让我这个业余爱好者有点喘不过气来。它似乎预设了读者已经掌握了最基础的持谱和调音方法，直接就跳到了技术细节的剖析。尤其是关于快速轮指和扫弦的部分，作者用了大量的篇幅去解释机械运动的原理，配图也多是僵硬的分解图，看着图谱练习，总觉得少了点音乐的灵动。我试着跟着书中的提示练习了几个技巧段落，发现如果完全按照书上的力度和速度要求来，我的手腕很快就会感到酸痛和僵硬，这让我怀疑，这种过度量化的练习方式是否真的有利于长期发展，还是仅仅为了应付短期的考试检验。更让我感到困惑的是，书中对一些传统曲目的处理方式非常保守，几乎没有提供任何创新的或现代的改编思路。比如对一些地方戏曲的模仿性段落，讲解得非常到位，但对于如何将琵琶的特质融入到现代音乐语境中，或者如何与室内乐进行配合，这本书完全没有涉猎。这使得它读起来更像是一份完备的“说明书”，而不是一本激发演奏灵感的“心法秘籍”。对于那些追求演奏个性化的音乐人来说，这份说明书可能过于厚重和不合时下需求了。

评分☆☆☆☆☆

最近入手了一本关于琵琶演奏的书籍，本来是想找点乐理知识和技巧提升的干货，结果发现它更像是一本为特定考试准备的指南。内容组织上，感觉完全是围绕着考级大纲来的，每个曲目都标注了对应的级别，讲解的侧重点也在于如何满足考级的评分标准，比如哪个揉弦要更细腻，哪个滑音要更到位。对于我这种已经有一定基础，更想在艺术表现力上深挖的演奏者来说，这本书略显刻板。它确实细致地分析了几个经典曲目，从指法到音色都有明确的示范和要求，但鲜有提及不同流派间的风格差异，或者在解读乐曲时加入更多个人化的理解和情感表达。举个例子，对于《十面埋伏》这样的大曲，期望能看到更多关于气势构建和意境营造的深度剖析，而不是仅仅停留在技术动作的规范上。书中的音频资源也大多是标准示范演奏，虽然清晰准确，但缺少那种富有生命力的、带有个人印记的“活”的音乐。总而言之，如果你是一个目标明确、需要一份详尽考级攻略的初学者或中级学习者，这本书或许能给你提供坚实的框架和方向指引，但若想寻求更广阔的音乐视野和艺术自由，恐怕还需要寻找其他更具探索性的读物来补充。它像一把精确的尺子，量得准，但量不出诗意。