世界民族音乐文化音乐理论教材 乐理教程 饶文心著入门乐理书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807511052

商品编码：29867528175

丛书名： 世界民族音乐文化

开本：16开

出版时间：2007-10-01

目录 写在前面
第I章 一衣带水一脉相承——东亚音乐文化圈
1.移花接木博采众长——日本的邦乐
2.阿里郎的思念——朝鲜半岛传统音乐
3.马背上的传说——蒙古传统音乐
4.人间百态歌舞百戏——越南传统音乐
第二章 喜马拉雅的乳汁——南亚音乐文化圈
5.色彩斑斓的编花织毯——印度古典音乐
6.婉约曲折如泣如诉——北印度斯坦古典声乐
7.赤子的乡恋——诗人音乐家泰戈尔
8.东方音乐的使者——印度古典音乐大师拉维·香卡
9.与神祗的对话——巴基斯坦夸瓦里歌唱
10.苦修行辗转人生求解脱遁世轮回——孟加拉保乌尔歌唱
11.神的颂歌——尼泊尔传统音乐
第三章 多重文明浸润的盆地——东南亚音乐文化圈
12.玉螺一吹椎髻耸铜鼓千击文身踊——缅甸传统音乐
13.千年佘韵古乐今声——柬埔寨传统音乐
14.黄袍佛国梵音——泰国传统音乐
15.色彩迷离意象重叠——印度尼西亚爪哇甘美兰音乐
16.世外桃源艺术净土——印度尼西亚巴厘岛传统乐舞
第四章 绿洲珍宝——中亚音乐文化圈
17.游牧之歌——哈萨克斯坦冬不拉弹唱
18.丝路驼铃歌舞管弦——乌兹别克斯坦传统音乐
19.兴都库什山脉的馈赠——阿富汗传统音乐
第五章 东流西渐——西亚北非音乐文化圈
20.诡异绮丽远奥繁缛——伊朗古典音乐
21.两河流域的奇葩——伊拉克传统音乐
22.安纳托利亚高原的新月——土耳其传统乐舞
23.金字塔下的辉煌——埃及传统乐舞
第六章 贫瘠与丰饶的土地——黑人非洲音乐文化圈
24.撒哈拉沙漠以南——黑人非洲乐舞
25.生命的呐喊——布隆迪圣鼓表演
26.雨林深处的精灵——俾格米人的乐舞
27.好望角的和风——祖鲁人的歌唱
第七章 爱琴海的滥觞——欧洲音乐文化圈
28.白桦林中的歌舞——俄罗斯民间音乐
29.东方的血脉——匈牙利民间音乐
30.悠扬的排箫深情的多依娜——罗马尼亚民间音乐
31.巴尔干的玫瑰——神秘的保加利亚女声合唱
32.赫利孔山上的缪斯——希腊民间音乐
33.地中海的阳光——意大利民间歌舞
34.空灵悠远遗世独立——爱尔兰民间歌舞
35.别有深情一万重——葡萄牙民族之魂“法朵”
36.深沉悲歌激情宣泄——西班牙弗拉门戈歌舞
37.浪迹天涯歌舞人生——吉卜赛人的音乐
……
第八章 人种博物馆——拉丁美洲音乐文化圈
第九章 文化熔炉——北美洲音乐文化圈
第十章 蔚监色的韵律——大洋洲音乐文化圈
参考书目
后记 内容推荐 每一个民族的音乐文化都有着它独特而不可替代的价值。世界民族音乐瑰艳奇伟、弦歌绸缪。倘若你不满足于先前的音乐知识结构，渴望了解中国民族音乐和欧洲专业创作音乐以外的多元音乐文化的世界，《世界民族音乐文化》将带领你去经历一次神奇的音乐之旅，所到之处的风土人情和音乐文化的珍奇瑰宝定会开阔你的音乐视野，一充实你的精神世界，对你的演唱演奏，乃至创作教学不无裨益。尊重、理解、学习和共享人类所有音乐文化，是新世纪的呼唤，是我们音乐文化与教育追求的目标。本书不仅是了解世界音乐文化的导读，而且也是一本实用的世界民族音乐教材。本书概念准确、脉络明晰、图文并茂，描述生动而严谨。聚学术性、系统性、可读性于一本。配合各篇章推荐的欣赏视听资料，将让你获得前所未有的音乐体验和人文解读。

 

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西方音乐史纲：从古希腊到二十一世纪的演变与回响 图书简介 本书是一部全面而深入的西方音乐史专著，旨在为音乐学、艺术史专业学生以及对西方音乐文化有浓厚兴趣的读者，提供一部兼具学术深度与可读性的参考指南。全书跨越两千多年的历史长河，清晰地勾勒出西方音乐从萌芽、发展、鼎盛直至当代多元化探索的完整脉络。我们拒绝将音乐史视为孤立的事件堆砌，而是将其置于广阔的社会、哲学、宗教和技术背景中进行考察，揭示音乐形式、风格与时代精神之间的内在联系。 第一部分：古典的奠基与中世纪的咏叹（公元前500年 – 1400年） 本部分伊始，我们将追溯音乐的源头——古希腊的“缪斯”传统。详细探讨毕达哥拉斯的音律理论如何为西方音乐的理性基础奠定基石，以及柏拉图、亚里士多德关于音乐伦理学和情感效用的经典论述。我们不仅关注理论，更着重分析音乐在古代社会仪式、戏剧中的实际功能。 随后，叙事焦点转向基督教的兴起与中世纪的宗教音乐统治。格里高利圣咏的形成与规范化是本章核心。我们将细致剖析单音音乐（Monophony）的结构特征，如调式系统（Church Modes）的运用及其对后世和声的影响。对九世纪卡洛林文艺复兴时期记谱法（如纽姆记谱法）的演变进行细致梳理，这是人类文明史上对声音进行精确记录的里程碑。 进入盛期和晚期中世纪，复调音乐（Polyphony）的诞生是革命性的事件。重点阐述巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）在奥尔加农（Organum）中的创新，特别是早期对固定音高的追求如何催生了严格的对位法思维。同时，我们不会忽视中世纪世俗音乐的活力，如游吟诗人（Troubadour/Trouvère）和经师（Minnesinger）的作品，它们以更贴近生活的题材和更灵活的结构，为文艺复兴的到来埋下了伏笔。 第二部分：文艺复兴的和谐与巴洛克的激情（1400年 – 1750年） 文艺复兴时期，人文主义思潮重塑了艺术的重心。本部分探讨音乐如何从纯粹服务于宗教的工具，转变为表达个体情感和世俗情怀的媒介。重点分析了佛兰德学派的技巧性对位与弥撒曲的精细化。我们将详细解析以若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）为代表的作曲家如何实现歌词与音乐的完美融合，以及世俗音乐如香颂（Chanson）和牧歌（Madrigal）的蓬勃发展，后者对早期戏剧性与和声色彩的探索至关重要。 对位法的顶峰——巴赫（J.S. Bach）——将是本部分的高潮。我们深入剖析巴洛克时期的核心特征：强烈的对比、对位技巧的精妙运用、以及“激情的理论”（Doctrine of Affections）。详细解读巴赫的《平均律键盘曲集》在调性系统确立中的历史地位，以及他对赋格曲（Fugue）结构形式的完美构建。同时，对亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）进行考察，分析其戏剧性叙事能力与宏大合唱的震撼效果。在器乐领域，协奏曲（Concerto）的成熟、奏鸣曲（Sonata）形式的萌芽，以及歌剧（Opera）作为一种综合艺术的诞生及其早期发展（如蒙特威尔第的作品）都将获得充分的讨论。 第三部分：古典主义的平衡与浪漫主义的自由（1750年 – 1900年） 18世纪中叶，对巴洛克晚期复杂性的反动促成了“敏感风格”的出现，并最终导向古典主义（Classical Era）的清晰、平衡与形式的典范。本部分将维也纳古典乐派——海顿（Haydn）、莫扎特（Mozart）和贝多芬（Beethoven）——作为核心。详细讲解奏鸣曲式（Sonata Form）作为音乐结构核心的建立及其逻辑性，交响曲、四重奏和钢琴奏鸣曲等体裁如何达到古典美学的最高境界。 进入浪漫主义时期（Romantic Era），音乐的主题转向个体情感的极端表达、对自然与超自然的迷恋，以及对民族身份的探索。本部分着重分析李斯特（Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）如何解放了器乐的叙事功能，以及肖邦（Chopin）如何将钢琴这一乐器推向表达的极致。歌剧领域，威尔第（Verdi）的意大利美声传统与瓦格纳（Wagner）的德意志“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）概念构成了浪漫主义的两大高峰，两者在戏剧张力、和声拓展和乐团规模上的差异与共鸣被详尽比较。 晚期浪漫主义的张力，如马勒（Mahler）对人类存在的深刻追问和理查·施特劳斯（R. Strauss）对管弦乐音色潜力的挖掘，将引导读者进入20世纪的门槛。 第四部分：现代性的冲击与音乐的多元未来（20世纪至今） 20世纪的音乐史是一部关于“反叛”与“重构”的历史。本部分从印象派（Debussy）对传统和声功能和固定节奏感的瓦解开始，深入探讨了“二次维也纳乐派”——勋伯格（Schoenberg）、贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）——如何通过十二音体系（Dodecaphony）彻底颠覆了西方两千年以来的调性基础。 我们将系统梳理“野性主义”的原始冲动（如斯特拉文斯基的《春之祭》），以及对民族主义音乐的继承与发展。在战后，音乐的探索转向了更激进的方向：序列音乐（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇），以及电子音乐的崛起。本书对这些前沿观念的介绍力求清晰，帮助读者理解这些看似抽象的音乐实践背后的哲学动因。 最后，本书将目光投向后现代与当代音乐的格局，讨论极简主义（Minimalism，如菲利普·格拉斯、史蒂夫·赖奇）如何通过重复与细微变化重获听众，以及当代跨界合作、技术融合的趋势，展示西方音乐文化在信息时代中仍在持续演变的生命力。 本书特色： 1. 宏观叙事与微观分析结合： 不仅梳理历史脉络，更选取了关键作品进行深入的结构和风格分析。 2. 文化语境嵌入： 强调音乐与哲学、政治、宗教之间的相互作用，使音乐史学习更具厚度。 3. 图文并茂： 配备大量乐谱片段、历史图像与时代相关文献节选，增强直观理解。 4. 清晰的时代划分： 结构严谨，层次分明，便于自学者梳理复杂的时间线索。 本书致力于提供一个全面、深刻且富有洞察力的西方音乐文明地图，帮助读者真正聆听到历史的回响。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我过去对乐理的理解总是停留在机械记忆音高、节奏和和弦的层面，感觉像是在背诵一本晦涩难懂的字典。然而，这本书真正打开了我的思路，它不仅仅是在教“是什么”，更在于解析“为什么”。作者似乎有一种魔力，能够将那些原本高高在上的音乐理论，用一种非常生活化、非常贴近我们日常听觉经验的方式来解读。比如，它在讲解调式转换时，不仅仅是给出公式，而是结合了不同地域、不同民族音乐的听觉感受进行对比分析，让我第一次真切地感受到音乐理论背后的文化土壤和情感脉络。这种由表及里、由现象到本质的探究方式，极大地激发了我主动思考的欲望。阅读过程中，我经常会停下来，试着用书中介绍的方法去分析我平时听的一些世界音乐片段，那种“豁然开朗”的感觉，是任何死记硬背都无法替代的，它真正做到了将理论融入实践，让乐理学习成了一场充满发现的旅程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏掌握得恰到好处，它似乎非常懂得初学者的心理波动。开篇部分并没有急于抛出艰深的概念，而是采用了循序渐进的铺垫，仿佛是在搭建一个稳固的地基。每一部分的知识点都设置了清晰的逻辑链条，前后呼应，让人感觉每学完一小节，都像是完成了一次小小的登顶，充满了成就感。更值得称赞的是，作者在处理一些跨文化音乐理论的差异时，表现出了极高的包容性和客观性，并没有用单一的西方标准去衡量所有音乐体系，而是尊重了不同文化的音乐逻辑。这对于我们拓宽国际视野，理解多元化的音乐表达至关重要。我尤其喜欢它在介绍一些相对少见的节奏型和音高系统时，那种严谨又不失温度的笔触，让人感觉自己正在与一位博学的老者进行一次深入的、充满启迪的对话，而不是被动地接收信息。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种质朴中透着典雅的气质，一下子就把我带入了一种对音乐文化深度探索的期待之中。拿到手后，我迫不及待地翻阅起来，首先映入眼帘的是清晰的排版和适中的字号，阅读起来非常舒适，长时间沉浸其中也不会感到视觉疲劳。纸张的质感也相当不错，拿在手里沉甸甸的，感觉就是一本用心制作的教材。内页的插图和图表设计得非常直观，那些复杂的乐理概念，通过视觉化的呈现，瞬间变得生动起来，不再是枯燥的文字堆砌。特别是对于初学者来说，这种友好的视觉引导简直是福音，它让抽象的理论知识找到了落地的载体。我特别欣赏作者在细节上的处理，比如章节之间的过渡非常自然流畅，不会让人有突兀感，仿佛是在跟随一位经验丰富的向导，一步步走入音乐的殿堂，这种流畅感极大地提升了阅读的愉悦度，也让我对后续的学习内容充满了好奇与信心。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐理论有一定基础的学习者，我原本担心这本书对我而言会过于基础，但事实证明，我的担忧是多余的。它巧妙地平衡了入门的友好性和知识的深度。即使是已经掌握了基础和声学概念的人，也能从它对不同民族音乐中和声处理手法的比较分析中，获得新的视角和启发。特别是对于想了解世界音乐和声体系特点的读者来说，书中提供的参考资料和案例分析非常翔实有力，提供了不同于传统学院派教材的、更广阔的视野。它成功地搭建了一座桥梁，连接了学院派的严谨训练和民族音乐的活泼实践，使得理论学习不再是脱离实际的空中楼阁。总的来说，这本书的价值在于其深度和广度的完美结合，让人在巩固旧知的同时，不断发现新的探索领域，是一部值得反复研读的力作。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书在语言运用上展现出一种独特的魅力，它既保持了教材应有的严谨和准确性，又巧妙地融入了一种富有启发性的文学色彩。许多段落的描述，读起来简直像是在欣赏一篇优秀的散文，文字流畅、意境深远，极大地缓解了学习硬知识可能带来的枯燥感。比如在阐释复调织体如何构建空间感时，作者使用的比喻生动形象，将原本二维的乐谱转化为了三维的听觉画面，让人在脑海中构建起一个宏大而精密的音乐建筑群。这种高质量的文本表达，对于培养学习者的音乐审美和想象力有着潜移默化的积极作用。它不仅仅是一本工具书，更像是一本引导我们进入音乐世界深处的心灵指南，教会我们如何用更敏感、更具洞察力的耳朵去倾听这个世界的声音。