音乐教室:全国琵琶考级曲目辅导示范七级(3VCD) 琵琶音像制品 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵晓生 编

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• 乐器教学
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• VCD
• 音乐教育
• 民族乐器
• 艺术教育
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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539641218

商品编码：29867526066

丛书名： 肖邦前奏曲赵晓生教学版乐谱系列

开本：8开

出版时间：2012-10-01

 

目录：

片  
1．青莲乐府  
2．月光变奏曲  
3．新翻羽调绿腰  
   第二片  
1．火把节之夜  
2．土耳其进行曲  
   第三片  
1．寒鸦戏水  
2．风戏柳  
3．霍拉舞曲  
4．黎族舞

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音乐的探索与实践：精选曲目解析与演奏指导 本书籍旨在为音乐学习者提供一套系统、深入的音乐学习资源，聚焦于特定音乐体裁的理论构建、演奏技巧的精进以及经典曲目的深度赏析。我们摒弃对任何特定考级曲目的直接讲解，而是致力于构建一个更广阔、更具启发性的音乐视野，帮助学习者理解音乐的本质，提升自身的艺术修养与演奏能力。 第一部分：西方古典音乐的结构与和声基础 本部分将带领读者进入西方古典音乐的宏伟殿堂，探索其严谨的结构和丰富的情感表达。 一、巴洛克时期的对位艺术与赋格思维 我们深入分析巴赫、亨德尔等大师作品中的对位法（Counterpoint）精髓。重点探讨主调与副调的独立行进、模仿技巧的运用以及如何在多声部织体中保持清晰的旋律线条。不同于考级曲目的机械模仿，本书强调理解对位在构建音乐张力与逻辑上的核心作用。我们将解析奏鸣曲式（Sonata Form）早期形态的演变，并结合范例展示如何通过声部间的逻辑关系来推动乐章的发展。 二、古典主义的清晰与平衡：奏鸣曲式深度剖析 本章聚焦于海顿、莫扎特和贝多芬早中期的作品，详细拆解奏鸣曲式的三个核心部分——呈示部、发展部和再现部的内在逻辑。 1. 呈示部（Exposition）： 探讨呈示部中主题材料的对比与功能性划分（主部主题、副部主题、结束部主题）。我们不局限于和声终止的讲解，而是着重分析主题之间的性格对比如何服务于整体叙事。 2. 发展部（Development）： 这是理解音乐思维的关键。我们将分析发展部如何通过模进（Sequences）、转调（Modulation）以及动机分解（Motivic Fragmentation）来制造冲突与解决。书中将提供非指定曲目的实例，展示作曲家如何从简单的动机中构建出复杂的音乐场景。 3. 再现部（Recapitulation）： 讲解再现部在结构上的“回归”与“解决”，以及作曲家如何通过对呈示部材料的细微调整（如副部主题转为同主调）来达成情感上的圆满。 三、浪漫主义的情感洪流与和声色彩的拓展 浪漫主义时期，音乐摆脱了古典主义的框架束缚，转向对个人情感和超自然意境的表达。 和声的革新： 我们研究半音和声（Chromaticism）、远关系转调（Distant Modulation）以及非功能性和声（Non-functional Harmony）在肖邦、舒曼和李斯特作品中的应用。分析如何利用和弦色彩而非严格的功能进行连接，从而营造出朦胧、梦幻或极度紧张的情绪。 标题音乐的叙事性： 探讨交响诗（Symphonic Poem）的结构，理解音乐如何通过音色、节奏和特定的音乐主题来描绘文学、历史或自然景观。 第二部分：民族音乐的地域性与演奏的风格化 本部分将视角转向民族音乐的深厚土壤，探讨不同地域音乐的审美取向及其对演奏技巧的具体要求。我们着重于风格的内化，而非技巧的表面模仿。 一、中国传统音乐的“意境”表达 中国音乐强调“意”、“气”、“韵”。本书将从更宏观的层面探讨这些概念在器乐中的体现。 1. 音律与调式： 考察中国传统七声音阶与五声音阶的内在张力，以及它们在不同地域（如北方、江南）所产生的风格差异。分析宫、商、角、徵、羽的象征意义及其在乐曲中的功能性。 2. 演奏技巧的“文武之分”： 深入解析中国传统乐器演奏中“外家功夫”（技巧）与“内家功夫”（心法）的结合。探讨如“推、拉、揉、按”等核心技法背后的美学追求——如何通过对音高的微妙控制来表达情感的起伏，而非仅仅追求音准的绝对精确。 3. 速度与节奏的弹性： 区别于西方音乐中严格的节拍概念，分析中国音乐中“散板”与“自由节奏”的运用，理解这种弹性（Rubato的中国式表达）如何服务于气息的连贯和情绪的宣泄。 二、亚洲其他主要音乐体系的比较研究 本章将选取日本雅乐、印度古典音乐中的某些元素进行介绍性比较，旨在拓宽学习者的音乐视野，认识到不同文化如何以截然不同的方式处理旋律、节奏和结构。重点关注其对“空”与“静”的处理，这对于理解中国音乐中的“留白”尤为重要。 第三部分：现代音乐理论与创新思维 成功的音乐家不仅是传统的继承者，更是未来的创造者。本部分着眼于20世纪以来音乐语言的变革，激发学习者独立思考和创新能力。 一、20世纪和声的解构与重塑 探讨从德彪西的印象主义到勋伯格的无调性音乐（Atonality）的发展历程。 印象主义的音色探索： 分析全音音阶（Whole-tone Scale）和五声音阶如何打破传统大小调的束缚，以及对音色（Timbre）本身作为音乐材料的重视。 序列主义的逻辑： 简要介绍十二音体系（Twelve-Tone Technique）的基本构建方式，旨在说明作曲家如何用新的逻辑系统来替代传统的功能和声，从而创造出全新的听觉体验。 二、节奏的复杂化与多层性 研究斯特拉文斯基等作曲家如何运用复节奏（Polyrhythm）和节奏的非对称性来构建强烈的动感和不稳定的听觉感受。理解节奏复杂性背后的数学与结构美感。 第四部分：听觉训练与音乐诠释的深化 本书的最终目标是培养一个有深度、有自我理解的音乐学习者，而不仅仅是一个技巧娴熟的演奏者。 一、主动聆听与结构感知 提供一套系统的“主动聆听”方法论。指导读者在不看乐谱的情况下，尝试辨识乐曲中的主题呈示、发展转折、调性中心变化以及乐器配器的功能。这要求学习者将注意力从“我如何演奏”转移到“作曲家是如何思考的”。 二、风格的内化与个性化表达 在掌握了基础的演奏技能和理论框架后，如何形成自己的“声音”？本书鼓励学习者将不同时期的音乐元素进行有意识的融合。例如，如何在演奏传统曲目时，融入浪漫主义的细腻情感处理，或者在运用传统技巧时，参考现代音乐的节奏清晰度。最终，强调技术是为诠释服务的，真正的艺术性在于学习者如何通过自己的理解去“再创造”音乐，而非被动地复述既定版本。 本书提供的是一个探索音乐宇宙的地图，而非单一的终点标记。它要求学习者带着批判性的思维，深入挖掘每一段旋律、每一个和声背后的文化语境和结构意图。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿到手，我简直爱不释手！作为一名业余学习琵琶多年的爱好者，一直渴望能找到一套既能系统梳理考级曲目，又能提供高水平演奏示范的资料。《音乐教室：全国琵琶考级曲目辅导示范七级》这个名字听起来就很专业，果不其然，它完全没有让我失望。首先，VCD的画质和音质都非常清晰，这是观看示范演奏的基础，这一点上它做得非常出色。我特别喜欢它对每一个乐曲的细致拆解，不仅仅是“弹出来”给你看，更重要的是“为什么这么弹”。比如对于某些特定技巧的运用，书中的讲解配合着演奏者的手部特写，简直是教科书级别的清晰度。我过去在处理一些快速轮指或者复杂的揉弦时总觉得不得要领，但看了这套示范后，仿佛茅塞顿开。它似乎能穿透屏幕，将演奏家的气息和意图传达给我。这种深度辅导远超出了我预期的“示范”范畴，更像是一位名师在你身边手把手地指导，让我对七级曲目中的那些难点和艺术处理有了全新的认识。对于时间紧张的现代学习者来说，这种影像资料的直观性是任何文字教材都无法比拟的。我甚至会反复观看某一段落，直到自己指法上的细微差别得到修正为止。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，我一开始对“3VCD”这种介质有点怀旧情绪，但事实证明，这个选择非常明智。三张碟片的结构划分处理得非常合理，没有把所有内容硬塞在一起，导致信息过载。第一张可能侧重于基础技术难点的攻克和慢速示范，第二张深入到乐曲的整体结构和艺术处理，第三张则可能是对整首曲目的完整流畅演奏以及考级注意事项的总结。这种循序渐进的安排，非常符合学习曲线的规律。我尤其关注了其中关于“把位转换”和“左手按音准确性”的讲解部分，它们采用了非常慢速、多角度的拍摄手法，清晰地展示了手指触弦的角度和力度控制。我的老师曾反复强调我的某个把位转换不够干净利落，但因为距离远，总不能每时每刻都得到纠正。有了这套碟片，我相当于为自己请了一位全天候的陪练和导师。通过反复观看示范者如何调整手腕和手臂的姿态来适应不同把位的衔接，我终于找到了那个“松弛而有力”的诀窍。这种细节的捕捉能力，是任何一本厚厚的乐谱书都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经走过初、中级阶段的学习者，我深知考级不仅是技术的比拼，更是心态和临场稳定性的较量。这套七级辅导视频在这一点上也给了我极大的心理建设。在讲解某些高难度段落时，示范演奏者不仅弹奏得完美，更重要的是，他（她）在讲解时透露出一种对曲目完全的掌控感和自信心。这种气场对考级者来说是无形的鼓舞。我记得有一段关于特定快速扫弦的示范，演奏者在讲解中特意提到，速度固然重要，但更不能丢掉颗粒性，并演示了如何通过控制指甲与弦的接触面积来调节音色。这让我意识到，考级评委听到的不仅仅是“快不快”，还有“美不美”。此外，碟片中似乎还穿插了一些关于考级现场常见问题的应对策略，虽然篇幅不多，但点到为止，非常实用。它帮助我将注意力从“我能弹下来吗？”转移到“我能弹得多好？”——这种心态的转变，对突破瓶颈至关重要。

评分☆☆☆☆☆

说实话，市面上那么多琵琶教材和辅导资料，很多都是泛泛而谈，要么侧重于技巧的堆砌，要么就是纯粹的录音示范，缺乏深度解析。而这套七级辅导碟的价值，恰恰在于它找到了一个绝佳的平衡点——既有示范的“形”，更有讲解的“神”。我最欣赏的是它对乐曲风格把握的独到见解。七级曲目往往开始涉及更多地域色彩和复杂的情感表达，不再是单纯的指法训练。比如，对于某首带有浓厚地方色彩的作品，演奏者在示范中展现出的那种处理方式，那种韵味，是我从其他录音中很难捕捉到的细微差别。它没有用太多晦涩的理论术语来搪塞，而是通过直观的“做”和“说”，将不同段落的情绪转折、力度变化的需求交代得明明白白。我将我的演奏录下来和VCD中的示范进行对比，惊喜地发现，很多我自以为弹得不错的地方，在对比后暴露出了情感处理上的欠缺。这套资料不仅仅是教会你如何“弹对音符”，更是教你如何“弹出音乐”，这对于准备考级的学子来说，是至关重要的“升维”体验。

评分☆☆☆☆☆

这套音像制品让我对“示范”的理解提升到了一个新的高度。它提供的不仅仅是标准答案，而是一套解决问题的工具箱。我注意到，在讲解不同曲目时，会根据曲子的不同特点，切换不同的音色控制侧重。比如遇到抒情慢板，讲解的重点会放在揉弦的幅度变化和气息的连贯性上；而遇到武曲或技巧性强的乐章，则会着重分析指尖的发力点和连贯性。这种“因材施教”的讲解方式，体现了制作团队对七级曲目群体的深刻理解。对于我这种已经有一定基础，但想寻求更高艺术表达的“进阶型”学习者来说，这种精细的区分和针对性的指导简直是雪中送炭。我甚至将其中几个关于“左手按音力度控制”的片段，单独提取出来，用作日常练习时的对照标准，效果立竿见影。总而言之，这套VCD是目前市面上能找到的，针对全国考级七级曲目最全面、最深入、且极具实战指导价值的影像辅导材料，强烈推荐给所有为七级挑战而努力的琴友们。