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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807519805

商品编码：29867526088

丛书名： 中国当代音乐家访谈录

开本：32开

出版时间：2012-07-01

《中国当代音乐家访谈录》共分“闻香起舞”“挥洒精彩”“情动乐思”“咏声叹韵”“弄弦抚键”5个章节，带领读者步入音乐界50位大家名家的精神世界，章章独具神韵，篇篇耐人寻味，为广大读者打开了洞见音乐大师心路历程的窗户，具有难得的人文价值和史料价值。《中国当代音乐家访谈录》主要内容包括：闻香起舞、挥洒精彩、情动乐思、咏声吧韵、弄弦抚键。

编辑推荐

《中国当代音乐家访谈录》由上海音乐出版社出版。  

鸿蒙初开：西方音乐史纲要 作者：[此处填写一位虚构的资深音乐史学家姓名，例如：林 远 教授] 出版社：[此处填写一家虚构的权威出版社名称，例如：文溯学林出版社] --- 内容简介 《鸿蒙初开：西方音乐史纲要》是一部旨在系统梳理和深度剖析西方音乐自起源至近现代发展脉络的权威性学术著作。本书力求超越传统教科书中对重大事件和人物的简单罗列，而是着眼于音乐风格的演变逻辑、社会文化背景的深刻影响，以及技术革新对审美范式的重塑过程。全书结构严谨，论证详实，适合高等院校音乐学、历史学、艺术学等相关专业的师生，以及所有对西方音乐文明发展史怀抱浓厚兴趣的读者。 本书并非对已知历史的简单重复，它秉持着“在宏大叙事中捕捉微观细节”的原则，致力于构建一个多维度、立体化的音乐历史图景。 第一篇：神圣与世俗的交织——古代至中世纪的音乐探索 本篇追溯西方音乐的源头，从古希腊的音阶理论（如毕达哥拉斯的音程划分）对西方乐律基础的奠定，到古罗马时期音乐实践的衰落与基督教音乐的兴起。重点深入剖析了中世纪早期格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐形态，探讨其仪式性、文本性和地域性差异。 尤其值得一提的是，本书对“记谱法”这一关键技术进步给予了极大的篇幅。我们详细考察了纽姆记谱法（Neumes）如何逐步演化为定点记谱，以及圭多·达雷佐（Guido of Arezzo）在发展四线谱和唱名系统中的革命性贡献，揭示了书写系统对音乐知识传播和复调艺术萌芽的决定性作用。此外，还探讨了世俗音乐，如游吟诗人（Troubadours/Trouvères）歌曲的题材、结构与流传方式，展现了中世纪音乐生态的双重性。 第二篇：技艺的解放与情感的张力——文艺复兴与巴洛克早期 文艺复兴时期，人文主义思潮渗透到音乐领域，本书聚焦于“复调音乐的黄金时代”。我们将细致分析奥兰多·德·拉索（Orlando di Lasso）和帕莱斯特里那（Palestrina）等作曲家如何处理对位法（Counterpoint），以及三尼学会（Council of Trent）对宗教音乐风格改革的影响。 进入巴洛克时代，本书着重阐释了“音乐的激情学说”（Doctrine of Affections）如何指导作曲，以及歌剧（Opera）在佛罗伦萨的诞生与早期发展。我们不再仅仅描述蒙特威尔第（Monteverdi）的早期歌剧，而是深入探究“Recitative”（宣叙调）如何模仿自然语言的节奏和韵律，以及“Aria”（咏叹调）的抒情功能是如何被确立的。本篇对早期协奏曲（Concerto）形式的雏形、通奏低音（Basso Continuo）的演奏实践与美学意义进行了详尽的阐述。 第三篇：秩序的巅峰与情感的喷发——巴洛克盛期至古典主义 此篇是全书的重点之一。巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）的作品被置于其社会环境——无论是路德宗的礼拜实践还是宫廷赞助制度——下进行考察。本书详细剖析了巴赫晚期对位法的集大成之作，如《赋格的艺术》，并将其置于形而上学的思考框架内。 随后，视角转向古典主义的诞生。本书认为，对“清晰性”（Clarity）、“平衡感”（Balance）和“可理解性”（Intelligibility）的追求，是审美从巴洛克繁复转向古典简练的根本动力。我们详细解构了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑及其在交响曲、协奏曲和室内乐中的泛化应用。对海顿（Haydn）的幽默感、莫扎特（Mozart）的旋律天才，以及贝多芬（Beethoven）如何通过对形式的拓展与打破，实现个人意志的表达，进行了深入的个案分析。 第四篇：自由的边界与浪漫的激情——浪漫主义的兴起与扩张 浪漫主义时期，音乐的主体性空前高涨。本书分析了个人情感、民族主义和文学叙事如何成为音乐创作的核心驱动力。舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）如何通过钢琴伴奏与人声的深度融合，构建出一种“家庭音乐会”的亲密美学；而李斯特（Liszt）的交响诗（Symphonic Poem）则标志着标题音乐（Program Music）的成熟。 在本篇中，我们特别关注了“虚拟性”在音乐中的体现——从柏辽兹（Berlioz）的“艺术想象力”到瓦格纳（Wagner）的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理念。书中对李斯特的钢琴技巧发展、肖邦（Chopin）对波兰民间元素的应用，以及晚期浪漫主义（如马勒）中对交响体量和情感深度的极致探索，提供了细致的乐谱分析视角。 第五篇：传统的瓦解与声音的实验——20世纪的多元探索 20世纪的音乐史是“断裂与重塑”的历史。本书摒弃线性叙事，将重点放在关键的技术革新和哲学转向之上。首先，分析了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何通过色彩和模糊性挑战传统和声体系（印象主义）。随后，重点阐述了勋伯格（Schoenberg）的无调性（Atonality）发展以及十二音体系（Twelve-Tone Technique）的逻辑构建，探讨其作为对浪漫主义晚期“和声耗尽”状态的回应。 此外，本书也关注了其他重要的发展方向：如斯特拉文斯基（Stravinsky）的“原始主义”与新古典主义的回归；布列兹（Boulez）等人在序列音乐（Serialism）上的深入实践；以及约翰·凯奇（John Cage）的偶然音乐（Aleatoric Music）对“作曲者意图”的根本性质疑。对于极简主义（Minimalism）的兴起，本书将其视为对后浪漫主义复杂性的反动，并分析了莱克（Reich）和格拉斯（Glass）的复节奏与回归调性的意义。 本书特色 1. 社会学视角融入： 每一阶段的音乐变革都被置于当时的政治气候、经济结构和技术发展（如印刷术、乐器制造的进步）中进行考察。 2. 详尽的乐谱分析图示： 书中配有大量精选乐谱片段的细致分析图表，帮助读者理解复杂的对位、和声进行和结构布局，而非仅停留在概念层面。 3. 跨学科对话： 频繁引用哲学（如康德、尼采）、文学（如歌德、波德莱尔）和视觉艺术的理论，以阐释音乐美学思潮的共通性。 《鸿蒙初开》旨在提供一个既扎实严谨又充满启发性的阅读体验，引领读者真正理解西方音乐是如何从单一的宗教颂歌，演变为今日这个复杂、多元、充满无限可能性的艺术殿堂。

评分☆☆☆☆☆

阅读《中国当代音乐家访谈录》的过程，是一种不断被“激活”的体验。书中的内容像是一面多棱镜，从不同的角度折射出当代音乐创作的复杂性、挑战性与无限可能性。我特别留意了其中几位跨界合作颇多的音乐家，他们谈论如何与其他艺术门类（如舞蹈、电影、装置艺术）进行对话和融合的经验，这对我个人在进行跨学科项目时提供了极大的启发。他们分享的不是现成的公式，而是处理“异质元素相遇”时的思维框架和容忍度。例如，一位电影配乐大师提到，好的配乐不是简单地为画面“配音”，而是要在不干预导演意图的前提下，用声音结构来反哺叙事的情感节奏。这种深层次的思考，远远超越了“音乐技巧”的范畴，触及到了艺术本体论的问题。总而言之，这本书的魅力在于其广度和深度兼具，它不仅是了解当代音乐家群像的绝佳窗口，更是一本关于如何保持艺术创作生命力的思想指南，让我对未来中国音乐的发展方向充满了期待和好奇。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得极其精妙，读起来简直像是在听一场精心编排的音乐会，有慢板的沉思，有快板的激情，还有休止符带来的空间感。它绝不是简单的问答记录堆砌，而是通过巧妙的剪辑和组织，构建了一个宏大的时代图景。我特别喜欢作者安排的那些关于“音乐教育的变迁”的段落。几位德高望重的音乐教育家回忆了他们从上世纪八十年代初改革开放初期，如何积极引进西方先进的音乐理念和技巧，到如今如何反思如何在全球化浪潮中保持中国音乐教育的独特性和核心竞争力。这些对话充满了历史的厚重感，展现了中国音乐界在过去四十年中所经历的疾风骤雨般的变革。让我印象深刻的是，一位作曲家提到，过去我们急于学习“如何写出像欧洲人一样的音乐”，而现在的提问焦点变成了“我们如何在继承了欧洲成熟体系后，发出我们自己独特的声音”。这种思维的转变，本身就是当代中国音乐发展史最生动的注脚。这本书不仅仅是人物志，更是一部浓缩的中国近现代音乐思潮的变迁史。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本《中国当代音乐家访谈录》，首先感受到的是一种扑面而来的“鲜活感”，它完全打破了我对传统音乐传记类书籍的刻板印象。这些访谈的笔触极其细腻，几乎达到了“微观”的程度。作者显然在访谈前做了大量的功课，提问精准而富有穿透力，直指艺术家们在创作生涯中的关键转折点和内心挣扎。例如，书中有一段关于一位先锋派钢琴家的访谈，他坦诚地讲述了早期作品不被主流理解时的那种孤立无援，以及他如何坚持自己的美学判断，最终迎来转机的过程。那种对艺术追求的孤独与坚持，被描绘得淋漓尽致，让人读来热血沸腾，深有共鸣。更让我惊喜的是，很多艺术家在谈到具体作品的配器选择或和声处理时，会不自觉地引用一些非常技术性的术语，但作者的文字功底极佳，总能用最通俗易懂的方式将这些专业概念解释清楚，既满足了专业人士的需求，又照顾到了非科班出身的普通读者。这种平衡的把握，体现了作者极高的专业素养和人文关怀。我甚至在阅读过程中，忍不住查阅了访谈中提到的几部歌剧的剧本，试图在文字和舞台实践之间架起一座桥梁。这本书真正做到了“以人带乐，以乐述史”。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对音乐史略有涉猎的爱好者，我发现这本书的价值远超一般的“名家访谈录”，它更像是一份详尽的口述历史档案。最令人称道的是，作者不仅关注了那些已经功成名就的领军人物，还花了不少笔墨去刻画那些在各自领域默默耕耘、推动音乐生态细微进步的中坚力量。比如，有一段专门采访了一位长期致力于地方戏曲现代化改编的音乐制作人，他讲述了如何在尊重传统曲牌和板眼的同时，巧妙地融入现代录音技术和交响乐的织体，使得那些濒临失传的剧种焕发出了新的生命力。这种对“幕后英雄”的关注，让整个音乐图景显得更加立体和饱满，不再是少数几个明星作曲家独占舞台。而且，这本书在细节处理上极其考究，许多访谈片段都附带了当时采访地点的环境描写，比如在某个老式录音棚里烟雾缭绕的氛围，或是某个大学排练厅里午后阳光洒在乐谱上的景象。这些环境细节，极大地增强了文本的代入感和真实性，让人感觉自己仿佛是坐在他们身边，聆听这些大师们不经意间流露出的真情实感。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国当代音乐家访谈录》简直是音乐爱好者和专业人士的福音！我花了整整一个周末沉浸其中，感觉像是上了一堂生动的、没有围墙的音乐史课。作者的提问角度非常新颖，不再是那种教科书式的、平铺直叙的生平介绍，而是深入到每一位音乐家创作的“源头活水”之中。我尤其欣赏作者对“灵感突现”那一刻的捕捉，那种描述简直是身临其境，仿佛我能透过文字感受到作曲家面对空白乐谱时的挣扎与突破。比如，有一位当代民族管弦乐大师谈到他在创作一首描绘黄土高原的作品时，如何通过聆听一位老乡的即兴哼唱，瞬间找到了整部作品的核心动机，那种跨越媒介的触动，真是太震撼了。此外，书中对不同代际音乐家在面对传统与现代、民族与国际化这三大核心议题时的不同策略和心路历程，进行了细致入微的对比分析。年轻一辈的探索更为激进，充满了实验精神，而老一辈的坚守则体现出一种深沉的文化自信。这种多维度的展现，极大地拓宽了我对“当代中国音乐”这个概念的理解边界，不再是单一刻板的印象，而是呈现出一种百花齐放的壮阔景象。读完后，我立刻想去聆听这些音乐家过去的一些“冷门”作品，去寻找文字中描绘的那些细节和情绪的投射。