【律动乐器】传承与创新(3D全景声京剧电影霸王别姬评论集) 编者:单跃进 正版书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社有限公司

ISBN：9787552312638

商品编码：29867558288

丛书名： 传承与创新 3D全景声京剧电影霸王别姬评论集

开本：16开

出版时间：2016-12-01

 

基本信息

商品名称：	传承与创新(3D全景声京剧电影霸王别姬评论集)
作者：	编者:单跃进	开本：	16开
定价：	98	页数：	236
现价：	见顶部	出版时间	2016-12-01
ISBN号：	9787552312638	印刷时间：	2016-12-01
出版社：	上海音乐	版次：	1
商品类型：	图书	印次：	1

内容提要 京剧电影《霸王别姬》是国家“拍摄京剧经典大戏电影工程”首批试点剧目之一，也是中国D全景声电影。2014年，该电影在北京获得了第三届中国立体(3D)影视作品高奖——“3D电影故事片佳奖”榜首。2015年，在美国洛杉矶获得了由3D与先进影像协会颁发的3D电影奖项“金·卢米埃尔奖”。2016年，在中国香港获得“华鼎奖”(中国观众满意度调查)“佳3D影片大奖”。2014年5月30日，受美国杜比剧院(美国奥斯卡奖颁奖剧院)的邀请，京剧电影《霸王别姬》成功举行了海外首映。这也是中国电影在杜比剧院首映。经典名剧《霸王别姬》被搬上银幕并非，但此次采用新的高清技术，同时拍摄3D与2D版，在传统戏曲的基础上结合逼真的立体影像技术与现代的全景声技术，在大银幕上全新展现了京剧的视听之美。3D全景声京剧电影《霸王别姬》上映后，引起海内外广泛关注和好评。单跃进主编的《传承与创新(3D全景声京剧电影霸王别姬评论集)》收录专家、学者、评论家、媒体人、青年观众、戏迷等各界人士的专业评论和观后感六十余篇，以及经典唱段谱和录音、电影剧照故事、主要演员剧照等丰富内容，再现电影之精彩，诠释“电影”与“京剧”在写实与虚拟、视觉与听觉上的结合，向全世界弘扬中国京剧文化的独特魅力。  

 

 

目录 序一／张宏森序二／中国电影家协会壹·评论传承与弘扬中华美学精神的成功实践／仲呈祥创作，总是需要创造／任仲伦活生生的逼真／赵丽宏《霸王别姬》：始于创新止于克制／石川映现中华传统文化及美学精神的当代价值／胡晓军新视听创造新文化／高小健表演美舞台美声音美画面美／朱大建戴副眼镜看京戏／戴平换个视角，与时间来一场美丽的邂逅／戴钟伟京剧艺术的吐故纳新／尹鸿一次“摩登”的艺术探索／吴为忠依据当代传播优势传承京剧经典剧目／刘宇辉让传统经典插上现代技术的翅膀／荣广润3D全景声京剧电影《霸王别姬》迈出成功的一步／张关正3D全景声京剧电影《霸王别姬》的“深”与“浅”／翁思再国粹也先锋／刘海波京剧艺术电影的崭新突破／简平谱写中国戏曲电影的新篇章／喻荣军传承京剧经典名作书写戏曲电影辉煌／王丽萍视听的全新收获／周进华一点感受／潘耀明新时代京剧电影的传承和创新／谭建国传统艺术的发展新途径／哲夫高校戏曲艺术教育新思路／朱云杰观3D全景声京剧电影《霸王别姬》有感／孔令斯贰·观感(按姓氏笔画)王立明／王汝刚／王好为／毛时安／艾伦／卢燕／吉姆·查宾吕凉／朱海／刘志霞／麦克·安东诺维奇／杨光／杨斌李杨／吴睿睿／陈辰／陈佩斯／陈崎嵘／沙晓岚／欧阳夏丹罗家英／周英华／赵洪／赵书成／袁德旺／诸迪／曹可凡曹景行／葛颖／椎名保／蒯彬／詹姆±清华大学教师／清华大学学生／中国戏剧学院青年学生／北京戏迷观众天津戏迷观众／旅美华裔戏迷观众／北京青年观众／天津青年观众叁·手记京剧为本电影为用——3D全景声京剧电影《霸王别姬》导演创作谈／滕俊杰肆·主演“无双谱”，绘就霸王多重性格／尚长荣“夜深沉”，唱出虞姬内心痛楚／史依弘伍·剧照陆·唱腔  

 

乐韵流光：跨越时空的音乐叙事 本书收录了二十篇精选乐评文章，聚焦于中国及世界范围内，在不同历史时期、不同文化背景下涌现出的、具有里程碑意义的音乐作品与现象。 它并非对单一艺术形式的深入剖析，而是一部横跨古典、民族、爵士乃至电子音乐的广袤乐海的航行日志，旨在探讨音乐作为人类情感载体和文化符号的永恒魅力及其演变轨迹。 第一辑：东方之声的千年回响 (Traditional Echoes of the East) 本辑精选五篇深度评论，集中探讨中国传统音乐在当代语境下的生命力与传承挑战。 1. 丝竹遗韵的现代转译：从江南丝竹到电子采样 文章细腻分析了二十世纪八十年代以来，以“江南丝竹”为代表的中国民间器乐在西方音乐思潮冲击下面临的“去语境化”困境。评论家考察了多位作曲家如何尝试将传统五声音阶的韵味与现代和声语言、乃至电子音乐的节奏结构进行嫁接。重点分析了某一著名乐团在海外巡演中对传统曲目《欢乐歌》的改编版本，指出其在保持核心旋律辨识度的同时，如何通过引入延迟效果和低音律动，试图捕捉年轻听众的注意力。评论深入探讨了这种“转译”的边界：何时它构成了创新的对话，何时又可能消解了原作深厚的文化内涵。 2. 古琴的寂静哲学与当代审美重构 针对当代古琴演奏领域中出现的“唯技术论”倾向，本篇发起了一场对演奏精神性的回归呼唤。通过对多位已故宗师级琴师的录音进行对比分析，文章指出，真正动人的古琴演奏，其价值不在于指法的精密无误，而在于对“减字谱”所蕴含的虚实、留白、气息的精确掌控。文章详细阐述了“散音”、“泛音”、“按音”之间微妙的张力如何构建出中国哲学中“天人合一”的意境，并提出当代古琴教育亟需重新强调“听觉修养”而非单纯的技巧训练。 3. 戏曲板腔体系的结构美学：以梆子腔为例 本篇摒弃了对戏曲题材或表演的感性描述，转而采用音乐结构分析的视角，拆解了北方梆子腔（如豫剧、河北梆子）中“板式”的内在逻辑。文章将板式视为一种具有高度组织性的“节奏模块系统”，讨论了“慢板”、“流水板”、“二六板”等基本板式在速度、节拍重音、旋律发展上的系统差异。特别关注了如何在非传统剧场空间（如音乐厅）中，用交响化的配器手法来凸显板式之间的结构转折，以增强其音乐形式的冲击力。 4. 少数民族复调音乐的“垂直叙事” 精选云南、贵州地区几种少数民族歌舞音乐的复调结构进行田野研究式的评论。作者详细描述了这些复调音乐如何区别于西方传统的三部或四部和声体系，更多依赖于旋律线之间的“交织”与“对话”，而非基于和弦的垂直堆叠。通过对某苗族“酒歌”的分析，揭示了其复调如何随着饮酒氛围的加深而自然生成，展现了一种即兴性与集体性并存的音乐生态。 5. 民族管弦乐的“交响化”困境与突围 探讨了新中国成立以来民族管弦乐队在吸收西方交响乐结构后所面临的挑战。文章认为，许多作品在追求宏大叙事时，往往陷入了“为交响而交响”的窠臼，未能有效挖掘民族乐器（如二胡、琵琶、唢呐）自身音色和演奏技巧的潜能。评论集选了三部成功的范例，分析它们如何在保持民族乐器个性音色的前提下，构建出符合现代听众审美的张力结构，尤其关注了对“拉弦组”和“弹拨组”的创新性配器手法。 --- 第二辑：全球视野下的音乐实验 (Global Soundscapes and Experimentation) 本辑汇集七篇评论，关注二十世纪中叶至今，爵士乐、现代古典音乐以及电子音乐领域中具有颠覆性意义的创新实践。 6. 自由爵士的“去中心化”革命：从科尔特莱恩到阿米尔 本文将自由爵士的兴起视为对传统“中心和弦”结构的彻底反叛。评论家详细剖析了约翰·科尔特莱恩后期作品中，即兴旋律线如何摆脱固定的调性和节奏框架，形成一种近乎“频谱分析”式的音乐表达。随后，文章将目光投向了八十年代后期的欧洲自由即兴场景，讨论了音乐家如何进一步引入环境音、噪音元素，使表演空间本身成为乐器的一部分，完成了从“音乐表演”到“声场介入”的转变。 7. 极简主义音乐的“时间雕塑”：赖利与玻璃的重复美学 聚焦于斯蒂夫·赖利（Steve Reich）和菲利普·玻璃（Philip Glass）的早期作品。本篇着重分析了“相位技巧”（Phasing Technique）的内在机制，阐释了两个或多个完全相同的音乐动机，在极其缓慢的速率差异下，如何逐渐产生复杂的、非人为可控的干涉和“节拍幻象”。评论强调，极简主义的魅力在于其对时间感的彻底重塑，将听众从叙事性的时间流程中解放出来，进入一个纯粹、持续的“当下”。 8. 电子音乐的“黑箱”时代：合成器音色的语法重构 此篇探究了模拟与早期数字合成器如何从模仿传统乐器，转变为创造“不可名状”的音色。文章以Moog合成器和Buchla系统的发展为脉络，讨论了调制振荡器（VCO）、低频振荡器（LFO）等基础模块，如何组合出一种全新的音乐“语法”。评论特别分析了早期太空音乐和实验电子乐中，对噪音（Noise）和滤波（Filter Sweep）的精妙运用，如何构建出既冰冷又充满潜能的未来感。 9. 二十世纪中叶的序列主义：严谨与人性的辩证 对十二音体系和总体序列主义（Total Serialism）的学术性反思。文章认为，勋伯格的体系虽然为音乐带来了前所未有的逻辑严密性，但其后继者如巴贝托克等，在试图将序列化扩展到力度、时值、音色等所有维度时，往往导致了音乐表面的过度饱和与听觉上的“信息过载”。评论试图在这些高度结构化的作品中，寻找作曲家无意中留下的、关于人类情感的“逻辑裂缝”。 10. 跨文化采样：世界音乐与嘻哈节奏的碰撞 分析了嘻哈音乐（Hip-Hop）黄金年代中，如何大量运用从非洲、拉丁美洲乃至亚洲传统音乐中提取的采样片段。本篇并非简单地罗列采样来源，而是探讨采样者如何通过速度调整、切片（Chopping）和循环（Looping），赋予这些异域音响新的节奏驱动力，使其服务于都市的叙事，成为一种“全球化的民间口头传统”。 11. 大提琴的后浪漫主义探索：在炫技与内省之间 聚焦于二十世纪下半叶几位大提琴演奏大师在独奏曲目上的突破。评论对比了传统的炫技作品，以及一些更偏向内心独白、大量使用倍音（Harmonics）和弓根技法的现代作品。分析了这些作品如何将大提琴的音域推向极致，同时又要求演奏者具备极高的内省能力，以应对作品中模糊的、非明确标记的情感指示。 12. 音乐剧的“声乐交响化”趋势 探讨了当代百老汇和西区音乐剧，在追求电影化视听体验的过程中，对声乐线条和管弦配器的要求。文章指出，当代音乐剧的Aria不再是独立演唱的咏叹调，而是与复杂的群戏、快速的场景切换紧密绑定的“功能性旋律”。通过分析几部近年成功的作品，论述了如何通过精确的对位和强烈的和声色彩，将传统的美声唱法融入到戏剧性的节奏冲突中。 --- 第三辑：媒介与聆听的未来 (Media, Technology, and Future Listening) 本辑收录八篇前瞻性评论，关注音乐技术进步对创作、传播和听众体验带来的深刻变革。 13. 杜比全景声（Dolby Atmos）在音乐混音中的空间语法 针对新兴的三维沉浸式音频技术，本文深入分析了其如何改变音乐的“声场布局”。评论家详细描述了传统立体声的“左右”概念，如何被扩展为“天空声部”和“地基声部”。文章通过分析几张高规格发行的专辑混音，揭示了混音师如何利用垂直空间来分离和定位乐器，例如将鼓组的镲片放置在听众头顶上方，从而在不增加音量的情况下，显著提升声音的清晰度和空间感。 14. 算法推荐机制对音乐品味的“驯化”效应 这是一篇社会学视角的评论，探讨流媒体平台的算法推荐系统如何悄然塑造全球听众的审美取向。文章认为，算法倾向于强化用户已有的偏好，导致音乐消费趋向于“安全区”和“相似性”。评论对比了二十年前通过电台发现新音乐的“偶遇”体验，与当前被精准推送的“路径化”体验之间的差异，并对这种“个性化茧房”的文化后果表示担忧。 15. 现场感在数字时代的“失真”与“重构” 探讨了高保真录音技术（如Hi-Res Audio）的普及，对音乐现场体验的冲击。文章认为，录音棚的“完美”往往是剔除了现场噪音、观众呼吸声和空间混响的“人工产物”。评论通过对比同一乐队在大型体育场和小型录音室的现场录音，论证了那些被技术“净化”掉的“不完美”元素，恰恰是构建真实音乐现场感的关键要素。 16. 音乐中的“数据可视化”：从声波图到互动界面 本篇关注音乐与信息技术的交叉点，探讨作曲家如何利用数据流作为创作灵感。文章介绍了将天气数据、交通流量甚至社交媒体情绪指数转化为声音参数的技术路径。评论的重点在于，当音乐不再仅仅是听觉的享受，而是成为一种可以被“读取”和“交互”的数据可视化载体时，其本体意义发生了何种变化。 17. 虚拟现实（VR）音乐会的声场设计挑战 前瞻性地分析了在VR环境中进行沉浸式音乐体验的独特声学挑战。不同于全景声是在固定听众位置上构建声场，VR音乐会要求声场必须能够随着用户头部的转动而实时、精确地保持声源的相对位置。文章讨论了空间音频引擎（Spatial Audio Engine）在处理这种动态交互时的延迟与定位精度问题。 18. 独立音乐人的“去中心化”发行策略：Web3与NFT的初步影响 审视了区块链技术在音乐发行领域的萌芽阶段的影响。文章分析了通过代币化（Tokenization）发行音乐版权或独家内容，如何使独立音乐人绕过传统唱片公司的中介。评论侧重于讨论这种模式对音乐人收入结构的重塑，以及它对“音乐所有权”概念的哲学性挑战。 19. 电影配乐的“次声波”利用：潜意识的情感操控 此篇专门分析了电影配乐中，如何巧妙地运用低于人耳听觉阈值（约20Hz以下）的次声波频率。文章通过对几部经典惊悚片配乐的频谱分析，揭示了这些低频震动如何在生理层面上引发听众的焦虑感和不安感，说明了声音设计已深入到生物本能层面。 20. 音乐考古学：通过修复古代乐器录音重建声音历史 介绍了一批音乐学家和声学工程师，如何利用现代数字信号处理技术，对早期留存的、质量极差的蜡筒或早期磁带录音进行修复和增强。评论展示了这些“声音考古”工作如何帮助我们听见那些失传已久的乐器音色或早已绝迹的演奏风格，为理解音乐史提供了新的直接证据。

评分☆☆☆☆☆

从信息密度和知识体系构建的角度来看，这本书无疑是下了一番大功夫的。它提供的背景资料和历史脉络梳理得井井有条，即便是初次接触相关领域的读者，也能迅速建立起对整个艺术流派发展史的宏观认知。更难得的是，作者在梳理这些庞杂的史实时，并没有采用平铺直叙的流水账方式，而是以一种编年史的叙事结构，将不同时期、不同流派的代表人物和关键事件有机地串联起来，形成了一个完整的知识网络。这种结构化的呈现方式，极大地降低了学习门槛，使得知识的吸收变得高效且系统化。读完之后，你会感觉脑海中对某一艺术领域的认知结构被重新搭建了一遍，这对于构建扎实的理论基础至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种古典与现代交织的韵味，从书脊的烫金工艺就能窥见一斑。纸张的质感也挑选得十分考究，拿在手里沉甸甸的，翻阅时的触感非常舒适，这无疑为阅读体验增添了不少分数。我特别欣赏封面那一抹深邃的京剧红，它不仅仅是一种色彩的选择，更像是一种情绪的铺陈，让人在尚未翻开扉页时，就已经感受到一种历史的厚重感和艺术的张力。装帧的细节处理得极为精妙，即便是书签的位置，也似乎经过反复斟酌，体现了出版方对书籍本身作为“物”的尊重的态度。这种对物理形态的重视，让我觉得这不仅仅是一本记录文字的载体，更像是一件值得珍藏的艺术品。它在现代出版工艺的加持下，成功地将传统文化中那种讲究排场、注重仪式感的审美情趣延续了下来，让人爱不释手，非常适合作为礼物赠予对传统艺术有深厚感情的朋友。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我惊喜的地方，在于它并非是那种孤芳自赏的纯学术探讨，而是非常注重与当代观众的对话。它巧妙地搭建了一座连接古典艺术精华与现代审美品位的桥梁，使得那些可能对传统戏曲持疏离态度的年轻读者，也能从中找到共鸣点和切入的角度。作者在论述中大量引用的现代视角和跨学科的理论支撑，极大地拓宽了传统艺术评论的边界，让人耳目一新。这种“古为今用，洋为中用”的思维模式，让原本沉重的文化遗产焕发出新的生命力，它没有为了迎合潮流而放弃深度，反而通过现代的阐释工具，更清晰地展现了传统艺术的永恒价值。可以说，这本书成功地实现了在传承严肃性的同时，兼顾了大众可接受度的平衡艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格非常具有个人特色，它带着一种近乎于散文诗般的浪漫色彩，但这种浪漫并非空中楼阁，而是建立在极其坚实的研究基础之上的。作者似乎总能在最冷静的分析之后，突然释放出一段充满激情的文字颂歌，描绘艺术的魅力如何震撼人心。这种情感的喷薄与理性的剖析之间的完美交替，使得阅读过程充满了情绪的起伏和惊喜。尤其是对那些经典片段的复盘，作者的笔触细腻到仿佛带着观众的情绪一同回溯到高潮瞬间，让人不禁联想到自己曾经在剧场中体验到的那种醍醐灌顶的震撼感。这种兼具温度与深度的写作，成功地将一本理论书籍转化为了一次充满激情的艺术朝圣之旅，让人在学习知识的同时，也收获了一次精神上的洗礼。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像是进行了一次沉浸式的剧场漫步，作者的文字功力深厚，笔触细腻且富有画面感，即便是描述那些需要极高专业素养才能理解的行当规矩和舞台调度，也处理得游刃有余，丝毫没有晦涩难懂之感。我尤其欣赏作者在捕捉演员情绪转折时的那种精准度，仿佛能透过文字看到他们眼中光影的变幻，听到舞台上水袖拂动的微小声响。那种对舞台艺术内在逻辑的深刻洞察力，绝非是浅尝辄止的爱好者能够达到的，字里行间透露出的是常年浸淫在艺术环境中的长期观察与思考。行文节奏的把控也十分到位，叙事时如行云流水，需要深入剖析时则戛然而止，给予读者足够的思考空间，这种张弛有度的叙述技巧，极大地提升了阅读的节奏感和愉悦度。