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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115421302

商品编码：29867589904

丛书名： 从零起步 跟我学弹吉他

开本：16开

出版时间：2016-09-01

内容介绍

吉他作为一种表现力很强的乐器，一直被音乐爱好者所喜爱。近年来，随着人们物质生活水平及文化生活水平的提高，越来越多的人在工作、学习之余开始学习吉他弹唱，但是他们的练习时间非常有限，而且除此外还要掌握一些基础的乐理知识，这些都是人们在学习乐器过程中会遇到的问题。考虑到人们学习乐器的需要，我们特意编写了这本能提高人们学习乐趣的吉他弹唱教程?—《吉他弹唱实用教程》。
这本吉他教程按照人们对乐理的认知规律，由简到难、循序渐进地来编排内容。全书共分11章，第1~2章介绍了吉他的基础知识，包括吉他的选购、六线谱的认识、持琴姿势的讲解、右手拨弦与左手按弦的方法等；第3~4章则介绍了弹奏吉他前需要具备的一些乐理知识和初级训练，包括右手拨弦和左手按弦的练习、节奏训练、手指发力的训练；第5~8章则侧重于吉他的和弦弹奏技法，包括Am、Em、C、G、F、Dm等；第9~10章则讲到了吉他弹奏的进阶技巧训练；第11章则安排了校园歌曲、唯美情歌、抒情民谣和流行金曲等20首经典老歌来作为读者的弹奏练习曲目。
本书内容专为“菜鸟级”吉他爱好者定制，无论你是毫无乐理知识的新手，还是热爱吉他却没有时间学习的爱好者，都可以从本书中掌握到超实用的吉他弹唱技巧，让你在短时间内从菜鸟变成吉他弹唱的高手，从而体会到：原来六线谱不再那么枯燥，原来吉他那么有趣！

深入探索古典音乐的殿堂：西方音乐史与名家解析 本书聚焦于西方古典音乐的演进脉络、核心流派及其代表人物的深刻剖析，旨在为音乐爱好者提供一套系统、详尽且富有洞察力的理论与历史指南。 本书不涉及流行音乐、现代电子音乐的制作技术，亦不包含任何关于吉他演奏技法或弹唱入门的实用指导内容。 第一部分：西方音乐的萌芽与奠基（中世纪与文艺复兴） 一、中世纪的圣咏与世俗之音 (c. 476 – c. 1450) 格里高利圣咏的结构与功能： 详细阐述了单一旋律（Monophony）在早期教会音乐中的统治地位，分析其文本与音乐的紧密结合，以及不同调式（如教会调式）的特征。 记谱法的演变： 追溯从纽姆谱（Neumes）到五线谱出现的漫长历程，探讨这种技术进步如何解放了音乐的复杂性。 奥尔加农的诞生与复调的初现： 深入分析早期复调音乐（Polyphony），特别是巴黎圣母院乐派（如列奥南、佩罗坦）如何通过平行、自由对位等手法，构建了多声部的初步框架。 世俗音乐的记录与影响： 考察游吟诗人（Troubadour/Trouvère）和中世纪行吟诗人（Minnesänger）的作品，探讨其对民间旋律和叙事文学的保存价值。 二、文艺复兴的和谐与人文主义光辉 (c. 1450 – c. 1600) “人本主义”对音乐观念的重塑： 探讨彼特拉克式的语言复兴如何影响作曲家对文本清晰度和情感表达的追求。 完美的复调艺术——错曲对位法： 详细解析帕莱斯特里那（Palestrina）的“纯净”风格，研究其如何平衡声部独立性与整体和谐，及其在特伦特会议后对教会音乐规范化的影响。 尼德兰乐派的统治地位： 重点分析杜法伊（Dufay）、雅克·德斯普雷（Desprez）等人在“更替式复调”和“模仿技术”方面的开创性贡献，以及其对欧洲音乐语汇的标准化影响。 世俗音乐形式的成熟： 考察牧歌（Madrigal）在意大利和英国的发展，分析其对文本“绘景”（Word Painting）手法的运用，以及对音色变化的探索。 乐器家族的建立与早期键盘音乐： 简述维吉纳琴（Virginal）等早期键盘乐器的发展，并分析舞曲集（Dance Suites）的初步形态。 --- 第二部分：巴洛克与古典主义的结构与激情 (c. 1600 – c. 1820) 三、巴洛克的戏剧性与宏大叙事 (c. 1600 – c. 1750) 歌剧的诞生与“巴洛克之声”的形成： 追溯蒙特威尔第（Monteverdi）在曼图亚的工作，解析“第二实践”（Seconda Prattica）的核心理念，以及通奏低音（Basso Continuo）如何成为巴洛克音乐的驱动力。 器乐形式的规范化： 深入研究大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲的结构，分析快-慢-快三个乐章的范式确立。 赋格（Fugue）的逻辑巅峰： 详尽解析巴赫（J.S. Bach）的对位技艺，以《平均律键盘曲集》和《赋格的艺术》为例，展示其如何将复杂的结构组织推向极致。 咏叹调与宣叙调的张力： 分析巴洛克歌剧中的“束腔”（Da Capo Aria）结构，以及其在情感表达上的程式化倾向。 晚期巴洛克的风格转向： 探讨亨德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）如何结合歌剧的宏大场面与宗教叙事，并分析维瓦尔第（Vivaldi）在协奏曲写作中的革新。 四、古典主义的清晰、平衡与理性 (c. 1750 – c. 1820) “第一实践”的回归与启蒙思想的影响： 分析早期古典乐派（如巴赫之子）如何开始偏离巴洛克的繁复装饰，转向更清晰、更具旋律性的风格。 奏鸣曲式的确立与发展： 详细剖析呈示部、发展部、再现部的内在逻辑与功能，探讨其如何成为古典主义交响乐和室内乐的基石。 维也纳古典乐派的“三巨头”： 海顿（Haydn）： 被誉为“交响曲之父”，分析其如何规范了四乐章结构，并在弦乐四重奏中确立了对话的艺术。 莫扎特（Mozart）： 研究其在歌剧（如《费加罗的婚礼》）中对人物心理深度的刻画，以及其钢琴协奏曲中旋律的优雅与乐队配合的精妙平衡。 贝多芬（Beethoven）的过渡： 重点分析其早期如何继承古典传统，中期（如“英雄”交响曲）如何通过扩展发展部和引入戏剧性冲突，预示了浪漫主义的到来。 --- 第三部分：浪漫主义的个体表达与跨界探索 (c. 1820 – c. 1900) 五、浪漫主义的自我觉醒与情感的无限延伸 主观性与“自由体”的兴起： 探讨李斯特（Liszt）和肖邦（Chopin）如何将键盘乐器推向技术与情感表达的极限，以及即兴创作的元素如何渗透到结构严谨的作品中。 标题音乐（Program Music）的崛起： 深入分析柏辽兹（Berlioz）的《幻想交响曲》在利用管弦乐法讲述复杂叙事方面的成就，以及李斯特的交响诗如何彻底改变了器乐的叙事模式。 德语艺术歌曲（Lied）的巅峰： 详述舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何通过钢琴伴奏（而非仅仅是伴奏）与人声共同构建一个完整的情感世界，特别是对诗歌意境的音乐化处理。 晚期浪漫主义的宏大化与民族主义： 考察瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）理论及其对歌剧（乐剧）的革新，以及德彪西之前，勃拉姆斯（Brahms）对绝对音乐（Absolute Music）的坚守与发展。 民族乐派的兴起： 分析柴可夫斯基、德沃夏克等作曲家如何从民间音乐、民族史诗中汲取灵感，在保持欧洲主流和声体系的同时，构建具有地域特色的音乐语言。 --- 第四部分：现代主义的冲击与风格的碎片化 (c. 1900 – 至今) 六、打破传统与声音的重构 印象主义的色彩与氛围： 重点解析德彪西（Debussy）如何运用全音阶、五声音阶和复杂和声色彩，营造模糊、瞬间的听觉印象，挑战传统功能和声的逻辑。 表现主义与十二音体系： 详尽解释勋伯格（Schoenberg）如何因功能和声的“耗尽”而转向无调性，并最终确立了“十二音体系”的严密规则，以及贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）在应用中的不同路径。 原始主义与节奏的回归： 分析斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》如何以强烈的非对称节奏和尖锐的音色组合，引发了音乐史上的革命性震荡。 新古典主义的复古与提纯： 探讨在两次世界大战背景下，作曲家们如何从浪漫主义的过度情感中抽离，重新审视巴赫和莫扎特时期的清晰形式与客观性。 战后实验音乐的探索： 介绍电子音乐的早期发展（如科隆工作室），以及斯托克豪森（Stockhausen）等人在空间化音乐和序列化技术上的前沿尝试。 本书的特点： 本书侧重于音乐的结构分析、历史背景、哲学思辨，以及对作曲家个人创作手法的深入理论解读。全书的论述基调严谨、学术性强，所有分析均基于对乐谱和历史文献的考证，确保了历史观点的准确性和深度，是严肃音乐研究者和进阶学习者的理想读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简洁明了，色彩搭配也比较舒服，让人一看就知道是给入门者准备的。我本来对手册类的书籍总有点抵触，总觉得那些枯燥的理论会让我望而却步，但这本书的排版和插图设计确实挺用心的。它没有那种密密麻麻的文字堆砌，而是用了很多清晰的图示来解释指法和和弦的按法，这一点对于我这种完全没有音乐基础的人来说简直是救星。我特别喜欢它在介绍基础乐理时采用的类比方法，把抽象的概念转化成了日常生活中能理解的事物，比如用“盖房子的砖头”来比喻音符和节奏，一下子就抓住了重点。而且，书里似乎还附带了一个二维码，扫码就能听配套的示范音频，这对于初学者校准自己的弹奏节奏和音准来说太重要了，毕竟光看谱子自己瞎摸索很容易走偏。我感觉作者在内容编排上花了很多心思，努力去降低学习的门槛，让吉他这个看似高冷的乐器变得亲切起来。它不像有些教程上来就堆砌复杂的乐理知识，而是循序渐进，每一步都有明确的练习目标，让人感觉每学完一个小节都有小小的成就感。

评分☆☆☆☆☆

我入手这本教材主要是因为之前尝试过几个网上的免费教程，结果发现他们大多只教你几个和弦，然后就直接让你挑战一些难度系数很高的曲子，搞得我信心受挫。这本书给我的感觉是，它真正考虑到了“从零开始”意味着什么。我记得有一章专门讲了如何正确持琴和拨弦的手型问题，甚至细致到手指关节的弯曲角度，这些细节在很多快餐式的教学资料里是完全被忽略的。通过这本书的指导，我发现我之前一直用错了力道，难怪按弦总是按不实。更让我惊喜的是，它似乎非常注重“手感”的培养，练习的进度设置得非常科学，先是简单的单音练习，然后才是和弦转换，每一步都留出了足够的时间让你去巩固。我记得有一段关于扫弦节奏的讲解，作者没有用复杂的节拍器术语，而是用了一种听起来很自然的口诀来辅助记忆，我跟着那个口诀练习了几次，竟然能弹出那种“律动感”了，这在以前是完全不敢想象的。总的来说，它提供了一个非常扎实的地基，让你知道每一步都是在为接下来的学习做准备。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到满意的是，这本书似乎内置了一个“自检”和“纠错”的机制。它不仅仅是教你怎么做，更重要的是告诉你“不要怎么做”以及当你弹错时，应该如何快速定位问题所在。比如，在讲解和弦转换时，它会特意列出几种常见的错误按法以及它们导致的声音效果，让我可以提前规避这些陷阱。而且，在每一章的末尾，它通常都会有一个小小的“自测环节”，让你把本章学到的技巧综合运用一下，看看是否真正掌握了。这种反馈机制在自学过程中尤为宝贵，因为没有老师随时纠正，我们很容易沉浸在自己觉得“差不多了”的错觉中。通过这些章节末尾的练习和总结，我能更清晰地认识到自己的薄弱环节，从而有针对性地进行强化训练。这种结构设计让学习过程不再是单向的信息灌输，而更像是一场有方向、有反馈的自我指导。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买书的时候最担心的是曲谱的实用性。很多教程里给的曲子要么是太老掉牙的儿歌，要么就是完全不符合现代流行音乐的审美，学起来提不起劲。但这本教材似乎很有眼光，它精选的范例曲目（尽管我目前只接触到最基础的部分）听起来都挺耳熟的，而且编排上明显考虑到了初学者的能力范围。它不是直接照搬原曲的复杂指法，而是巧妙地做了简化处理，保留了歌曲的精髓，同时确保初学者能够用最基础的和弦和扫弦方式来完成演奏。我记得其中有一首流行歌的简化版，原曲可能需要复杂的指弹技巧，但在这里，它被巧妙地转化成了基础的扫弦伴奏，让我第一次在朋友面前尝试弹唱时，虽然不完美，但听起来已经像那么回事了，这极大地满足了我的虚荣心和学习动力。这种“踮起脚尖能够得着”的曲目选择，比那些遥不可及的“大师曲目”要有效得多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和纸张手感也值得一提。作为一本经常需要翻阅和使用的教材，耐用性非常重要。这本书的纸张看起来比较厚实，不是那种一翻就容易撕烂的轻薄纸，而且内页的油墨印刷质量很高，即便是那些复杂的六线谱和指板图，看起来也清晰锐利，没有模糊不清的现象。我经常把它摊开放在谱架上练习，书本的平整度保持得不错，不会因为刚打开而拱起来，导致我看不清中间的标记。这一点对于长时间练习者来说很重要，频繁地调整书本会分散注意力。另外，这本书的尺寸设计也比较适中，不是那种笨重的开本，方便我随身带着，在咖啡馆或者等车的时候也能随时拿出来看看指法图，复习一下刚刚学过的和弦指型。整体来看，它在硬件上的投入，确实提升了整个学习体验的质感。