正版中国音乐学院基本乐科考级教程3-4级 社会艺术水平考级全国通用教材 音乐专业素养基础课考级教材

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店铺: 东润堂图书专营店
出版社: 中国青年出版社
ISBN:9787500658726
商品编码:29966037443
丛书名: 乐理知识考级书籍

具体描述









乐理基础的进阶之路:探寻音乐世界的深度与广度 一部超越考级框架的音乐素养指南 本书旨在为所有对音乐理论有系统学习需求的学习者提供一个扎实、全面且富有启发性的知识框架。它并非仅仅聚焦于某一特定机构或级别的考核标准,而是着眼于培养学习者独立思考、深入理解和实际运用音乐基础知识的能力。我们相信,真正的音乐素养建立在对核心概念的深刻洞察之上,而非仅仅是技巧的机械模仿。 目标读者: 具备一定基础,寻求系统深化乐理知识的音乐学生、器乐或声乐教师、音乐爱好者,以及计划进行更高级别专业音乐训练的人士。 --- 第一部分:和声的精妙构建——从基础到复杂织体 本部分将带领读者穿越传统和声学的核心领域,但其深度和广度远超标准考级所要求的范围,重点在于理解“为什么”而非仅仅“怎么做”。 一、调式与音阶的拓宽视野 我们首先超越大、小调体系,深入探讨中世纪调式(如多利亚、弗里吉亚、利迪亚等)在浪漫主义音乐中的复兴与变异。分析如何利用这些调式色彩来创造特定的情感氛围,并研究它们在德彪西、拉威尔等印象派作曲家作品中的实际运用案例。 重点内容: 十二音体系的初步探讨;非传统调式(如全音阶、五声音阶)在民族音乐和现代创作中的语汇。 二、功能和声的逻辑深化 本书对三和弦、七和弦的分析将深入到其功能性张力与解决的内在逻辑。重点将放在副属和弦(Secondary Dominants)的复杂链式应用,以及等音和弦(Enharmonic Equivalents)在远关系转调中的桥梁作用。 进阶和弦分析: 探讨增六和弦(意大利、法国、德国式)的构成原理、解决倾向,以及它们如何服务于戏剧性的和声推进。分析在巴赫赋格与贝多芬奏鸣曲中,这些和弦是如何被匠心独运地使用的。 非功能性和声的萌芽: 初步引入印象派和声的特点,如平行和弦的运用,以及如何打破传统功能关系的束缚。 三、旋律与织体分析 单纯的垂直和声分析是不够的,本部分强调旋律线条与和声背景的互动。 对位法的启蒙: 引入基础的对位概念,如两条独立旋律线如何共存并形成和谐的整体。通过分析巴赫的二部创意曲,理解旋律的独立性和穿插性,这对于理解复调音乐至关重要。 声部进行的高级原则: 详细讨论声部进行中的平行五、八度的“例外”与“目的性使用”,以及如何通过声部进行实现和声色彩的微妙变化。 --- 第二部分:节奏、节拍与音乐形式的结构之美 本部分着重于时间维度上的组织规律,培养对音乐宏观结构的感知力。 一、节奏的复杂化处理 超越简单的二拍、三拍划分,深入研究不规则节拍(如5/4, 7/8)的内部结构划分和听觉感受。 复节奏与复拍性的分析: 详细解析不同层面的节奏同时出现的情况(如3对4,2对3),以及这些节奏手法在斯克里亚宾、斯特拉文斯基等现代作曲家作品中的表现。 速度标记的细微差别: 对意大利语速度术语进行精确的辨析和历史考证,理解细微的速度变化(如Accelerando, Ritardando, Rubato)如何影响音乐的表情。 二、曲式结构的全景考察 本书将结构分析提升到理论高度,不仅识别曲式,更要理解其创作动机。 奏鸣曲式深度解析: 不止于呈示部、展开部、再现部。详细分析主题的动机发展、转调的逻辑链、以及展开部内部的“小曲式”结构。对比古典主义时期(海顿、莫扎特)与晚期浪漫主义(勃拉姆斯)在处理奏鸣曲结构上的差异与发展。 回旋曲与自由曲式: 研究回旋曲的A段与插部的对比手法,并对幻想曲、叙事曲等自由曲式进行结构上的“解构”与“重组”分析。 --- 第三部分:配器基础与二十世纪以来的音乐新语汇 本部分拓宽了学习者的视野,使其能够接触到超越传统钢琴或室内乐范畴的音乐语言。 一、管弦乐队配器的入门洞察 虽然这不是一本专业的配器法教材,但它提供了理解不同乐器音色特性的基础知识,对于理解交响音乐至关重要。 音域与音色匹配: 分析弦乐、木管、铜管、打击乐各自的音域优势、演奏技巧(如拨奏、颤音、泛音)如何影响音乐表情。 织体密度的控制: 探讨如何通过增减乐器声部数量和使用不同音区,来达到轻盈、厚重、透明或浑浊的织体效果。 二、二十世纪音乐的理论革新 本部分是对现代音乐理论的导览,引导学习者理解“不协和”背后的规律。 无调性与十二音体系: 详细解释勋伯格十二音列的构建规则、音列的变换(横向移动、倒影、逆行),以及这些技术如何提供新的组织原则。 音色与噪音的纳入: 探讨在20世纪中叶后,音乐不再仅仅围绕音高和节奏展开。研究使用“噪音元素”和特定的演奏技法(如摇奏、指定打击乐器)如何成为音乐语汇的一部分。 --- 总结:构建全面的音乐思维 本书的最终目标是帮助学习者建立一个自洽、灵活且富有历史深度的音乐理论体系。它要求学习者不仅能“看懂”五线谱上的标记,更能“听出”标记背后的作曲家意图,并能将所学知识应用于自身的演奏、分析或创作实践中。通过对更复杂和声、深入曲式结构以及现代音乐语汇的探索,我们力求将乐理学习从应试工具,转化为通往更高层次音乐理解的坚实阶梯。

用户评价

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这本书的封面设计着实吸引人,色彩搭配得当,字体选用也颇具匠心,初翻时便能感受到编者在装帧上的用心。我本来是抱着试试看的心态买的,毕竟市面上的考级教材汗牛充栋,选起来实在费神。打开内页,首先映入眼帘的是清晰的印刷质量,这一点对于需要反复翻阅和做标记的教材来说至关重要。纸张的质地也相当不错,即便是用铅笔书写痕迹也不会太深而影响下一页的阅读。从整体的排版来看,内容组织得井井有条,逻辑性很强,让人感觉学习路径非常明确。尤其是对于初学者来说,这种直观的版式设计极大地降低了学习的畏难情绪。我特别留意了教材中对于基本乐理知识的呈现方式,感觉它在力求严谨性的同时,也兼顾了读者的接受度,没有一味地堆砌枯燥的术语,而是巧妙地融入了图示和实例,使得抽象的概念变得具体可感。这种将理论与实践相结合的编排思路,无疑是教材成功的关键要素之一,让人对后续的学习内容充满了期待。

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与其他几本我手头有的同级别教材相比,这本《中国音乐学院基本乐科考级教程》在习题设置的梯度上处理得非常得当。初期习题难度较低,旨在巩固基础概念,让学习者建立信心;随着章节深入,习题的复杂度和综合性显著增强,开始要求读者将不同知识点融会贯通,才能得出正确答案。这种层层递进的设计,完美契合了考级体系对知识掌握的递进要求。更值得称赞的是,它在一些关键的难点章节后,附带了“易错点解析”专栏,这些短小的文字往往直击病灶,用非常精炼的语言指出了学习者最容易犯的错误类型,相当于一位经验丰富老师的“经验之谈”,这比单独对照答案去反思要高效得多。对于自学者而言,这种预判性的指导简直是雪中送炭。我甚至发现它在某些偏向于音乐史或常识的拓展知识点上,也做了恰到好处的补充,虽然不是考级核心内容,但极大地拓宽了读者的知识面,体现了编者对普及音乐教育的责任感。

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这本书的配套资源(虽然我这里只有主教材)所透露出的整体学术氛围,是其高品质的侧面证明。从其对乐理基础知识的深度挖掘和讲解的细致程度上,可以推断出编撰团队在学术背景上的深厚积淀。我尤其欣赏其中对于音乐情感表达与技术规范之间关系的探讨,它没有将乐理视为冰冷的规则,而是视为理解和再现音乐美感的工具。例如,在讲解力度记号(如渐强、渐弱)的运用时,教材会结合不同作曲家作品的风格倾向进行对比分析,引导读者理解力度变化背后的“意图”,而非仅仅是机械地执行力度标记。这种对音乐“灵魂”的关注,使得学习过程充满了启发性。它成功地在“应试”的功利性需求与“求知”的艺术性追求之间,找到了一个绝佳的平衡点,使人愿意沉浸其中,细细品味每一个音符背后的逻辑和美学价值。这本书无疑是近期音乐学习材料中的一股清流。

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试读了其中关于音程和和弦分析的部分后,我深刻体会到了这套教材在教学法上的独到之处。它并非简单地罗列规则,而是着重于培养读者的“乐感”和“分析能力”,这一点是很多传统教材所缺失的。例如,它在讲解如何快速识别大三和弦与小三和弦时,提供了一套系统性的“听觉训练辅助工具”,这点非常实用,能有效帮助考生在实际考试中迅速做出判断,而不是仅仅依赖死记硬背的公式。此外,教材对于节奏型的讲解也十分细致,通过不同时值音符的组合演示,模拟了真实演奏中可能遇到的复杂节拍,这对于提升演奏的准确性和音乐表现力有着直接的帮助。我个人认为,一个优秀的考级教材,其价值不仅在于帮助通过考试,更在于能否为后续深入学习音乐打下坚实的基础。这套书在这方面做得尤为出色,它似乎在每一个章节的末尾,都埋藏了一颗“未来种子”,引导读者思考“为什么是这样”而非仅仅“是什么”。对于希望真正理解音乐内涵的读者来说,这种深层次的引导是极其宝贵的。

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作为一名长期关注音乐教育动态的爱好者,我对这套教材所体现出的“全国通用”定位深表认同。它的内容取材和术语规范,显然是参照了国内最主流的音乐院校标准制定的,这确保了无论在哪个地区的考级点应试,所学知识都能得到充分的认可。在实际使用过程中,我发现教材的“社会艺术水平考级”指向性非常明确,它不仅仅停留在理论层面,而是紧密结合了考级对演奏、视唱练耳等具体技能的要求进行知识点组织。比如,在讲解调性转换时,它会同步给出快速移调的口诀和练习方法,这种“学练结合”的模式,极大地提高了学习效率,避免了理论学习与实际操作脱节的问题。我个人认为,对于那些目标明确,希望通过系统学习达到考级水平的学员来说,这本教材几乎是一本“地图册”,它清晰地标示了通关的路径和每一个里程碑,让学习过程充满了确定性和掌控感,这一点让人非常信赖。

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