当代长笛艺术发展的沿革与反思 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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代美川子 编

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• 长笛艺术
• 当代音乐
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• 音乐表演
• 西方音乐
• 音乐哲学

店铺： 土星图书专营店

出版社： 中国水利水电

ISBN：9787517062448

商品编码：29767295295

开本：32

出版时间：2017-12-01

基本信息

• 商品名称：当代长笛艺术发展的沿革与反思
• 作者：代美川子
• 定价：28
• 出版社：中国水利水电
• ISBN号：9787517062448

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-12-01
• 印刷时间：2017-12-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：148
• 字数：132千字

内容提要

由代美川子著的《当代长笛艺术发展的沿革与反 思》结合作者多年演奏和教学经验，针对长笛教学、 演奏、理论研究 等方面的不足与问题进行分析与阐 述，从而一定程度上为长笛教学与演奏 提供有益的 帮助与促进，进而改进一些不利于长笛发展的现象， 同时也希 望以此让学习者在训练与演奏中向高、精 、尖的方向发展。
    

目录

前言
第一章 长笛发展的历史
第一节 长笛的起源
第二节 长笛形制与艺术的发展
第三节 法国长笛学派对长笛发展的影响
第四节 德奥长笛学派的发展
第二章 长笛教学的一些现状
第三章 长笛演奏中对于音色的把控
第一节 口型、呼吸、音头演奏是长笛音色优美与变化的前提
第二节 长笛演奏力度的变化是长笛音色变化的控制手段
第三节 吐音、连音、颤音、花舌对长笛音色产生的影响
第四节 自然的心理状态与音乐感觉是长笛音色优美的重要因素
第五节 音的共鸣和乐感是优美音色产生的不可缺少的条件
第六节 不同时代、地域对音色的表现的影响
第七节 内心听觉对音色的掌控
第四章 演奏技术是体现长笛优雅魅力的手段
第一节 演奏技术一一体现长笛优雅魅力的手段
第二节 建立统一规范学习体系
第三节 长笛演奏技巧呈现演奏技术的重要性
第五章 呼吸一一长笛流畅自如演奏的保障
第一节 吹奏管乐对女子呼吸系统的影响
第二节 吹奏管乐对女子形体的影响
第三节 女子管乐吹奏者应注意的问题
第四节 气息在不同曲目风格中的体现
第六章 长笛的认知与理解：演奏的实践与作品的积累
第七章 中国长笛音乐作品的创作
第一节 中国长笛音乐作品创作回顾
第二节 中国长笛音乐作品创作分类研究
第三节 现代中国长笛音乐作品的创作方向
第八章 长笛文化与理论的掌握一一长笛演奏变化的基础
第一节 西洋乐发展流派与理论
第九章 长笛的文化与理论
第一节 关于长笛的认知
第二节 音乐、长笛与古希腊神话的渊源
第三节 长笛演奏技巧理论的发展
第四节 长笛演奏中的放松理论
第十章 室内乐及乐队中长笛音色魅力的体现
第一节 室内乐的定义
第二节 长笛在室内乐中的演奏形式
第三节 室内乐演奏中长笛的音色变化
第四节 乐队长笛中的音色
第十一章 长笛乐团的发展与训练
第一节 长笛乐团的起源与现状
第二节 中国长笛乐团发展意义与前景
第十二章 中西长笛对比视角下的发展与融合
第一节 长笛艺术中西方古典音乐创作理论和技术与东方音乐旋律的融合
第二节 长笛艺术中东西方音乐审美理念的融合
第三节 长笛艺术中东西方笛子演奏技术的融合
第十三章 长笛艺术的民族化
第一节 长笛艺术教育中民族元素植入的重要性

跨越时空的音景：从巴洛克到数字时代的管弦乐器革新史 内容简介 本书深入探讨了管弦乐队中核心声部——木管乐器家族——自文艺复兴晚期至今的演变历程，重点聚焦于长笛、双簧管、单簧管和巴松管等主要乐器的材料学进步、机械结构革新及其对音乐美学和演奏技法产生的深刻影响。本书旨在为音乐史研究者、管弦乐演奏家以及对乐器制造技术史感兴趣的读者提供一份详尽且富有洞察力的参考。 第一部分：古典萌芽与手工时代的精工细作（1600-1800） 本部分追溯了木管乐器从早期的简洁构造向复杂化过渡的初期阶段。我们将详细考察文艺复兴时期遗留下来的直笛（Renaissance Flute）与早期横笛（Baroque Transverse Flute）的设计差异。巴洛克时期，特别是17世纪末期，横笛的设计趋于标准化，通常由非洲黑木（Grenadilla）或梨木制成，只有一到两枚按键。这一时期的乐器特征在于其温暖、柔和的音色，以及对演奏者气息控制的极高要求。我们通过分析笛匠如亨里希·哈希曼（Heinrich Hachmann）和理查德·希科尔（Richard Hicken）的早期设计，揭示了当时木材选择和音孔打磨工艺对音准和音量的制约。 同时，双簧乐器也经历了关键性的演变。早期的牧童笛（Shawm）逐渐被更具穿透力但控制力稍逊的双簧管取代。本书详述了早期双簧管的制作工艺，如何通过增加按键数量来弥补音程上的不和谐，以及其在歌剧和室内乐中地位的确立。单簧管的祖先——查姆（Chalumeau）——如何演变为能够覆盖更广音域的“古老单簧管”（Classical Clarinet），这是一个技术与艺术相互推动的典范。例如，丹尼斯·阿诺特（Denis A. d’Alembert）对单簧管早期按键系统的改进，极大地拓宽了莫扎特等作曲家对该乐器的想象空间。 第二部分：工业革命的浪潮与机械设计的飞跃（1800-1900） 进入19世纪，工业革命带来的冶金技术和精密机械加工能力，成为木管乐器结构革新的主要驱动力。本章的焦点集中在两个关键性的突破：勃姆体系的诞生与金属乐器的普及。 勃姆体系的革命： 我们详尽分析了西奥多·勃姆（Theobald Boehm）如何运用其在银匠和机械工程领域的知识，彻底重构了长笛的指法系统。勃姆体系的核心在于使用联动机制（Leverage System），通过少数手指操作多个音孔，极大地提高了演奏的流畅性、准确性和音域覆盖能力。本书不仅分析了勃姆体系如何解决了传统指法中音准和换指困难的问题，还考察了该系统如何从长笛推广到短笛、双簧管、单簧管，乃至巴松管的改良上。 材料的转变与音色的探索： 这一时期，金属乐器开始占据主导地位。长笛从木制转向银制，乃至后来的金制和铂金制。这一转变带来的不仅仅是亮度和穿透力的增强，更引发了对“木质音色”与“金属音色”之美学争论。我们对比了19世纪中期英国、法国和德国制琴流派的差异，特别关注了金属乐器在承受更高气息压力和更快速的机械动作下的结构稳定性问题。 第三部分：20世纪的标准化、跨文化融合与专业化（1900至今） 20世纪，木管乐器在保持核心勃姆结构的基础上，进入了精细化调整和专业化细分的阶段。本部分探讨了全球化对乐器制造和演奏风格的影响。 声学研究的深入与微调： 随着声学理论的发展，制造商开始利用声波分析来优化音孔的位置、大小和形状，以达到更完美的平均律音准。例如，寇尔内特（Kölner）和福雷斯特（Forrest）等现代制作者如何通过计算机辅助设计（CAD）来计算最佳的内孔锥度，以平衡不同音区（低音区、中音区、高音区）的音色统一性。 新材料的试验与特殊用途乐器： 尽管木材和金属仍是主流，但聚合物和复合材料在教学乐器和特定环境下的应用开始受到关注。此外，我们还考察了为适应特定音乐需求而诞生的改良乐器，如低音单簧管（Bass Clarinet）和中音双簧管（Cor Anglais）在结构上的适应性增强，以及它们如何被斯特拉文斯基、德彪西等现代主义作曲家充分发掘。 演奏技法的扩展： 乐器本身的进步，也为演奏家开辟了新的技术疆域。本书讨论了20世纪后半叶以来，扩大音域、倍音使用、空气噪音（Air Sounds）和“扩充技巧”（Extended Techniques）在木管乐器上的实现，这些技巧挑战了传统的美学规范，并成为当代音乐的重要组成部分。 结论：传承与未来的对话 本书最后总结了木管乐器发展史中“形式服从功能，功能驱动形式”的内在逻辑。从早期木匠的经验积累到现代声学工程师的精确计算，管弦乐木管乐器的历史是一部不断追求完美音准、更大音量和更强机械可靠性的历史。它不仅仅是技术史，更是人类对声音表达极限不断探索的文化史。未来的发展或许将更多地与数字化接口、材料科学的突破以及跨学科的合作相关联。

评分☆☆☆☆☆

这部作品以其深邃的洞察力，对我们理解现代音乐的演变过程提供了极为宝贵的视角。它不仅仅是对特定乐器技术进步的罗列，更是一部关于艺术观念如何在时代洪流中被塑造、被挑战的编年史。作者巧妙地穿梭于历史的脉络之中，将技术革新与社会思潮紧密地联系起来，使得原本可能枯燥的技法探讨，焕发出了强烈的时代气息。例如，书中对二十世纪中叶特定作曲家如何摒弃传统调性结构，转而寻求更广阔的音响空间的分析，令人印象深刻。这种分析不是停留在表面现象的描述，而是深入探究了驱动这些变革背后的哲学思辨和社会背景。我们得以清晰地看到，每一次演奏技巧的突破，背后都蕴含着对“何为美”、“何为音乐”的深刻反思。这种宏观与微观相结合的叙事方式，极大地拓宽了我们对音乐史的认知边界，让人在阅读过程中不断产生“原来如此”的豁然开朗之感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功力堪称一流，行文流畅，逻辑严密，读起来有一种被引领着探索未知领域的快感。作者在回顾早期先驱者的探索历程时，那种对前辈们筚路蓝缕的敬意与理解，跃然纸上，使人仿佛置身于那个充满实验精神的时代。特别是在探讨乐器制造材料和设计对音色产生的潜移默化影响时，作者展现了跨学科的视野，将物理学和声学原理融入到对艺术本体的探讨中。这种跨界的融合，极大地丰富了作品的内涵，避免了纯粹的艺术史描述可能导致的单薄。它成功地将“器乐”的物质性与“艺术”的超越性，用一种和谐且有说服力的方式结合起来，让人在惊叹于人类创造力的同时，也对物质基础如何服务于精神表达有了更深的体悟。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏作者在处理复杂理论问题时所展现出的那种沉稳而又不失活泼的文风。面对一些晦涩难懂的现代演奏技法，比如超吹音的控制或是特定泛音列的运用，作者并非简单地堆砌术语，而是通过一系列精心设计的类比和生动的案例，将这些抽象的概念具象化。这种教学相长的叙述策略，使得即便是对该领域了解不深的入门者，也能大致把握其核心要义。更值得称道的是，书中对于不同流派之间相互影响和借鉴关系的梳理，展现出极高的学术严谨性。它没有将任何一种风格描绘成孤立的典范，而是清晰地勾勒出一条相互渗透、螺旋上升的发展轨迹。这种看待艺术演变的动态视角，远比静态的分类法更贴近艺术的真实生命力。读罢全书，感觉自己不仅学到了知识，更重要的是建立了一种批判性思考艺术发展的框架。

评分☆☆☆☆☆

这是一部能让人沉下心来反复研读的佳作。它不仅仅是一部专业参考书，更像是一面镜子，映照出艺术追求永无止境的本质。书中对未来发展趋势的审慎预测，没有流于空泛的想象，而是建立在一系列扎实的对现有局限性的分析之上。作者提出了许多发人深省的问题，例如，在高度依赖电子媒介和数字化处理的今天，我们应如何重新定义“现场感”和“纯粹性”？这些拷问直击当下艺术生态的核心痛点。阅读过程中，我反复停下来思考这些议题，发现它提供的不仅仅是历史的答案，更是面对未来的方法论。它鼓励我们以更开放、更具批判性的眼光去接纳和审视新的艺术形态，而不是固守僵化的传统藩篱。这份深远的启发性，是这部作品最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

全书的结构安排极具匠心，层次分明，信息密度极高却又不显拥挤。作者对不同历史阶段的特征性标记把握得非常精准，仿佛是为每一段发展历程精心挑选了最具代表性的“签名照”。比如，对某时期特定演奏家如何通过个人诠释激活了沉睡已久的曲目，并反过来推动了作曲家创作方向转变的论述，细腻入微，展现出深厚的史料挖掘能力。这种以“人”为轴心，串联起技术、理论和实践的叙事方式，为全书增添了浓厚的人文关怀色彩。它提醒我们，任何伟大的艺术变革，归根结底都是由怀抱热忱的个体所推动的，而非仅仅是抽象的“时代精神”在起作用。这种对个体能动性的肯定，无疑是对当前过于强调宏大叙事的倾向的一种有力平衡。