表演秀系列(第4级古典乐曲) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

[美] 南希·菲伯尔兰德尔·菲伯尔... 编

图书标签:

• 古典乐
• 钢琴谱
• 儿童钢琴
• 练级曲
• 表演曲
• 古典音乐
• 钢琴教材
• 四级
• 乐谱
• 古典

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103051375

商品编码：29772414205

开本：16

出版时间：2016-06-01

基本信息

• 商品名称：表演秀系列(第4级古典乐曲)
• 作者：编者:(美)南希·菲伯尔//兰德尔·菲伯尔|译者:刘琉
• 定价：33
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103051375

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-06-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：29

内容提要

南希·菲伯尔、兰德尔·菲伯尔编的《表演秀系 列(第4级古典乐曲)》为钢琴之旅系列丛书中的“表 演秀系列”配套曲集。“钢琴之旅”系列教材是人民 音乐出版社和美国海伦德公司共同出资合作的图书出 版项目。该套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6 级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类 型分为“精选曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐” 、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“*喜爱的歌 ”等七本。
    

作者简介

南希·菲伯尔与兰德尔·菲伯尔结合了各自作曲家与演奏家的背景，使众多钢琴教师与学生成为其追随者。这对夫妇组合已出版了超过200种的专业图书，其中就包括在世界范围内广受赞誉的“钢琴之旅”系列出版物。 菲伯尔夫妇认为，学习钢琴不仅是为了个人情感的表达与演奏的成功，*重要的是为了发展孩子的音乐创造性与认知能力。这个理念也全面地体现在菲伯尔夫妇的文章、教材以及教学实践中。

目录

C大调中的I、IV、V7和弦
军队进行曲
《bE大调小号协奏曲》主题
《“惊愕”交响曲》主题
特雷巴克舞曲(俄罗斯舞蹈，选自芭蕾舞剧《胡桃夹子》)
广板(选自《第九交响曲——自新大陆》)
拨弦波尔卡
G大调中的I、IV、V7和弦
笑之歌(选自歌剧《蝙蝠》)
咏叹调(选自《农民康塔塔》)
在树林里的小男人(选自歌剧《汉泽尔与格蕾太尔》)
女人善变(选自歌剧《弄臣》)
丢失了一分钱的愤怒
F大调中的I、IV、V7和弦
** 7首波罗维茨舞曲(选自歌剧《伊戈尔王子》)
序曲(选自歌剧《威廉·退尔》)
南国玫瑰圆舞曲(维也纳华尔兹)
古典音乐名词解释
音乐术语词典

音乐殿堂的奇幻旅程：探索《交响诗的演进与当代诠释》 一本带您深入理解音乐叙事艺术的权威著作 在这本书中，我们将抛开固定的曲式框架，潜入十九世纪浪漫主义运动的核心——交响诗（Symphonic Poem）的世界。本书并非对既有乐谱的简单收录或演奏技巧的指导，而是一次对音乐如何讲述故事、描绘情感、刻画史诗场景的深度哲学探讨与历史梳理。 第一部分：浪漫主义的回响——交响诗的诞生与黄金时代 本章将从古典主义晚期的器乐传统出发，探究音乐家们如何渴望挣脱奏鸣曲式和套曲结构的束缚，转而追求更自由、更具文学性和戏剧性的表达方式。我们将详细分析李斯特（Franz Liszt）作为“交响诗之父”的创新之处，他如何通过“主导动机”（Motive Transformation）的手法，将一个单一的音乐主题转化为具有完整叙事弧线的宏大乐章。 李斯特的开创性贡献： 分析《前奏曲》《缭绕在群山间的思绪》等早期代表作，探讨其结构如何对应特定的哲学或文学文本。 民族乐派的兴起与交响诗的结合： 聚焦于捷克作曲家斯美塔那（Bedřich Smetana）的《我的祖国》组曲。我们不仅会探讨其对捷克民族史诗的描绘，更会分析其中对民间旋律和民间舞蹈节奏的“本土化”处理，如何使交响诗成为一种国家身份的宣言。 德奥学派的集大成： 深入研究理查·施特劳斯（Richard Strauss）的巅峰之作。从早期的《唐璜》到晚期的《查拉图斯特拉如是说》，我们将剖析他如何将音乐的标题性推向极致，运用管弦乐配器法（Orchestration）的革新，描绘出对尼采哲学的复杂回应，以及他对宇宙、自然力量的雄心勃勃的音乐想象。 第二部分：跨越国界的叙事——欧洲各地的交响诗图景 交响诗的影响力迅速扩散至全欧，并根据不同国家的文化土壤，发展出各具特色的表达方式。 法国印象派的色彩斑斓： 探究德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）如何将交响诗的概念引向感官体验。这里的叙事不再是线性的故事，而是对光影、水波、异域风情的瞬间捕捉。重点分析《海》的三个交响乐印象，解析其如何运用调性模糊和管弦乐音色（Timbre）的精妙组合，达到“暗示而非描绘”的艺术效果。 俄国与东欧的史诗传统： 分析柴可夫斯基（Pyotr Ilyich Tchaikovsky）在叙事性交响曲和交响诗之间的平衡，以及里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Rimsky-Korsakov）在《舍赫拉查德》中对《一千零一夜》的奇幻再现。我们将重点讨论“异域情调”（Exoticism）在俄国音乐中的运用，以及它如何服务于叙事目的。 第三部分：从清晰到模糊——现代主义的挑战与解构 进入二十世纪，随着音乐语言的剧烈变革，传统的标题音乐和交响诗模式也面临着前所未有的挑战。 瓦格纳的影响与“未完成的交响诗”： 探讨瓦格纳歌剧中的“主导动机”理论如何反哺器乐，以及像西贝柳斯（Jean Sibelius）这样处于古典与现代边缘的作曲家，如何在他标志性的交响诗《芬兰颂》中，将民族主义的激情与高度凝练的音乐语言相结合，达到既具叙事张力又充满抽象美感的境界。 二战后的转向： 分析勋伯格（Arnold Schoenberg）的十二音体系及后来的序列音乐，是如何从根本上解构了传统旋律和调性基础，使得“叙事”本身变得极具争议。本章将探讨现代作曲家如何通过非线性结构、多层音响叠加，来表达战后世界的破碎感与精神困境。 第四部分：当代语境下的回响——交响诗的生命力与未来走向 在后现代音乐思潮中，交响诗这一体裁并未消亡，而是以更为灵活和多元的形式重生。 极简主义与重复的哲学： 分析菲利普·格拉斯（Philip Glass）等作曲家如何利用长时间的重复和微妙的节奏变化，创造出一种“过程性”的音乐体验，这种过程本身即是叙事。 电影配乐的继承与发展： 本章将讨论当代电影配乐大师（如约翰·威廉姆斯、汉斯·季默等）在本质上对交响诗手法的继承——利用管弦乐的色彩和动机发展来推动视觉叙事。我们将对比分析传统交响诗与电影配乐在结构目的上的异同。 对听众的邀请： 本书的最终目标，是培养读者对“听觉想象力”的敏锐度。它鼓励听者不仅仅是被动地接收音乐，而是主动参与到音乐所构建的世界观、情感冲突和画面想象中去，领悟音乐是如何在没有文字的情况下，完成最深刻的人类经验的传递。 本书适合所有对古典音乐史、音乐美学有浓厚兴趣的爱好者、音乐专业学生以及对浪漫主义艺术思潮有深入研究需求的学者。它提供的是一把钥匙，开启通往二十世纪音乐叙事艺术殿堂的大门。

评分☆☆☆☆☆

我必须得夸赞一下这本书的排版和纸张质量。在这个数字化阅读泛滥的时代，拥有一本实体乐谱书，那种用手指轻触纸面，感受墨迹的质感，是屏幕无法替代的体验。这本书的纸张厚实，即便是铺在钢琴架上，也不会因为光线变化而反光刺眼，非常适合长时间的阅读和练习。内页的留白处理得非常得当，既保证了五线谱的清晰度，又没有让人觉得拥挤。特别是那些复杂的复调作品，通常记谱会显得非常拥挤混乱，但这本书通过巧妙的行距和分行处理，使得左手和右手的声部划分一目了然，即便是初次接触复杂的对位法，也不会产生视觉上的压力。此外，装订工艺也十分考究，它能完全平摊在谱架上，这点对于演奏者来说至关重要，免去了在关键时刻需要用手按住书页的尴尬。这种对细节的极致追求，反映出出版方对古典音乐学习者的深度尊重。

评分☆☆☆☆☆

从实际使用反馈来看，这本书在帮助我提升演奏流畅性和音乐表现力方面，效果是立竿见影的。以前我总是把技术练习和音乐理解割裂开来，总觉得技巧练好了，音乐自然就有了。但这本书中的练习单元设计，巧妙地将技术难点融入到特定的音乐语境中去解决。例如，它在某一章专门针对“颤音”的处理进行了深入分析，并提供了数个不同作曲家处理颤音的不同方式，这让我明白了颤音不仅仅是一个装饰音，它在不同时代、不同情绪下扮演着截然不同的角色。这本书引导我去思考“为什么”要这样演奏，而不是简单地告诉我“怎样”去演奏。通过这种引导式的学习，我的练习不再是机械的重复，而变成了一种富有思考和探索的过程。现在，当我再次面对那些曾经让我头疼的高难度段落时，我能更自信地赋予它们应有的情感色彩和逻辑清晰度，这极大地提升了我对音乐的自信心和享受度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书的初衷其实是冲着它所宣传的“精选难度分级”去的。我自学钢琴多年，深知从初级曲目过渡到真正具有挑战性的古典作品时，中间的鸿沟有多么难以跨越。这本书的编排逻辑非常清晰，它没有一上来就丢给我那些令人望而生畏的赋格或者协奏曲，而是采取了一种循序渐进的策略，巧妙地将不同时期、不同风格的代表作穿插在一起。比如，它在某几页中集中展示了巴洛克时期对位法的基本训练，紧接着就用了一组相对舒缓的浪漫主义小品来让学习者放松一下，同时巩固前一阶段的技巧。这种“张弛有度”的编排方式，极大地降低了学习的挫败感。更关键的是，那些对速度标记和力度变化的标注，简直是教科书级别的精准。我发现自己以往在处理某些快速音阶段落时，总是在速度和均匀性之间难以取舍，但这本书提供了一种兼顾两者的方法论，通过强调指尖的“弹性”而非“蛮力”，让我对那些看似不可能完成的段落有了一种全新的掌控感。这种实战指导性极强的材料，对于自学者来说，简直是如获至宝。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种深沉的靛蓝色配上烫金的纹饰，立刻就有一种古典、庄重的气息扑面而来。我本就是个古典乐迷，看到这样的装帧，就忍不住想翻开看看里面到底藏着什么样的宝藏。翻开扉页，一股淡淡的油墨香混合着纸张特有的干燥气息，瞬间将我拉入了一个沉静的音乐世界。我迫不及待地浏览了一下目录，那些耳熟能详的作曲家名字，比如巴赫、莫扎特、贝多芬，他们像老朋友一样在索引里向我招手。更让我惊喜的是，它似乎不仅仅是乐谱的简单汇编，更像是一本精心编排的音乐史诗，每一首曲目旁边都配有简短却精辟的背景介绍。我尤其关注了那些关于演奏技巧的提示，写得非常细致入微，不像有些教材那样只会给出僵硬的指法，而是会探讨如何用情感去诠释音符之间的呼吸与张力。光是研究那几首奏鸣曲的引言部分，我就花费了一个下午的功夫，那种对音乐理解的深度挖掘，远远超出了我原先对“教材”的预期。这感觉就像是得到了一位德高望重的音乐大师的私房笔记，充满了洞察力和温度，让人读罢心潮澎湃，恨不得立刻抱起乐器就去尝试一番。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲范围体现了一种相当成熟和广博的音乐审美。它没有完全偏向某一个作曲家或某一个时期，而是努力构建了一个跨越了巴洛克、古典主义、浪漫主义乃至一定程度上涉及印象主义的完整图景。这对我这样希望建立全面古典音乐素养的学习者来说，非常有价值。我过去经常局限于自己偏爱的那个时期，导致对其他风格的理解深度不够。这本书就像一位耐心的向导，把我带到陌生的音乐领域去探索。比如，它收录了几首相对冷门的早期奏鸣曲，这些曲目虽然不像后来的作品那样炫技，却能让人领略到音乐发展脉络中的“基石”是如何奠定的。通过研习这些“非主流”的杰作，我发现自己对那些大部头作品的理解也加深了——原来所有的辉煌，都建立在这些简洁而富有逻辑性的早期结构之上。这不仅仅是一本练习册，更像是一份精心策展的音乐画廊导览图。