表演秀系列(第4级古典乐曲) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 南希·菲伯尔兰德尔·菲伯尔... 编

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• 古典乐
• 钢琴谱
• 儿童钢琴
• 初级
• 练习曲
• 古典音乐
• 乐谱
• 技巧提升
• 表演级
• 4级

店铺： 土星图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103051375

商品编码：29772451522

开本：16

出版时间：2016-06-01

基本信息

• 商品名称：表演秀系列(第4级古典乐曲)
• 作者：编者:(美)南希·菲伯尔//兰德尔·菲伯尔|译者:刘琉
• 定价：33
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103051375

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-06-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：2
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：29

内容提要

南希·菲伯尔、兰德尔·菲伯尔编的《表演秀系 列(第4级古典乐曲)》为钢琴之旅系列丛书中的“表 演秀系列”配套曲集。“钢琴之旅”系列教材是人民 音乐出版社和美国海伦德公司共同出资合作的图书出 版项目。该套“表演秀”系列按照难度级别分为1—6 级，与课程用书级别配套。每级又按照不同的音乐类 型分为“精选曲集”、“古典乐曲”、“流行音乐” 、“爵士/布鲁斯”、“儿童歌曲”、“*喜爱的歌 ”等七本。
    

作者简介

南希·菲伯尔与兰德尔·菲伯尔结合了各自作曲家与演奏家的背景，使众多钢琴教师与学生成为其追随者。这对夫妇组合已出版了超过200种的专业图书，其中就包括在世界范围内广受赞誉的“钢琴之旅”系列出版物。 菲伯尔夫妇认为，学习钢琴不仅是为了个人情感的表达与演奏的成功，*重要的是为了发展孩子的音乐创造性与认知能力。这个理念也全面地体现在菲伯尔夫妇的文章、教材以及教学实践中。

目录

C大调中的I、IV、V7和弦
军队进行曲
《bE大调小号协奏曲》主题
《“惊愕”交响曲》主题
特雷巴克舞曲(俄罗斯舞蹈，选自芭蕾舞剧《胡桃夹子》)
广板(选自《第九交响曲——自新大陆》)
拨弦波尔卡
G大调中的I、IV、V7和弦
笑之歌(选自歌剧《蝙蝠》)
咏叹调(选自《农民康塔塔》)
在树林里的小男人(选自歌剧《汉泽尔与格蕾太尔》)
女人善变(选自歌剧《弄臣》)
丢失了一分钱的愤怒
F大调中的I、IV、V7和弦
** 7首波罗维茨舞曲(选自歌剧《伊戈尔王子》)
序曲(选自歌剧《威廉·退尔》)
南国玫瑰圆舞曲(维也纳华尔兹)
古典音乐名词解释
音乐术语词典

音乐的殿堂：深入探索古典乐曲的恢弘史诗 一本关于西方古典音乐发展脉络、主要流派、代表作曲家及其核心作品的权威性著作。 引言：聆听历史的回响 本书旨在为所有对西方古典音乐抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有洞察力的导览。我们不局限于某一特定的演奏级别或技巧要求，而是将目光投向整个古典音乐的宏大历史长河。从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义时期的激情奔放，再到二十世纪的流派纷呈，我们将细致描绘出这部波澜壮阔的艺术史。 我们的核心目标是构建一个清晰的知识框架，让读者不仅能够欣赏音乐的“美”，更能理解其背后的“理”——即音乐是如何在特定的历史、社会和哲学背景下产生、演变，并最终塑造了我们今日所听到的这些不朽之作。 第一部分：古典音乐的摇篮——巴洛克时期（约1600-1750） 本部分将聚焦于复调音乐的巅峰时期，即巴洛克（Baroque）时代。我们将深入探讨这一时期音乐的核心特征：对均衡、秩序和精细装饰的追求。 核心概念解析： 详细解析“对位法”（Counterpoint）、“巴赫式赋格”（Fugue）的结构逻辑，以及“数字低音”（Basso Continuo）在确立音乐基础中的关键作用。 体裁的诞生与完善： 探讨歌剧（Opera）如何在佛罗伦萨的文人圈中萌芽，并迅速发展为影响深远的戏剧形式。协奏曲（Concerto）的早期形态，特别是维瓦尔第（Vivaldi）对“快-慢-快”结构的贡献。清唱剧（Oratorio）与受难曲（Passion）如何在宗教仪式中占据核心地位。 巨匠群像： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）： 不仅仅是作曲家，更是音乐逻辑的集大成者。我们将分析《平均律键盘曲集》如何确立了现代十二平均律的基础，以及《马太受难曲》中人声与器乐交织的宗教哲学深度。 乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel）： 探讨其在伦敦的歌剧生涯及其向清唱剧的成功转型，特别是《弥赛亚》中“哈利路亚”合唱段的结构力量。 克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）： 作为从文艺复兴向巴洛克过渡的关键人物，分析他如何运用和声和旋律来表达强烈的情感（Seconda Prattica）。 第二部分：光与理性的时代——古典主义时期（约1750-1820） 古典主义是音乐史上一次伟大的“返璞归真”。在启蒙运动思想的影响下，音乐追求清晰的结构、平衡的比例和普世的情感表达。 风格的转变： 对比巴洛克时期复杂的对位织体，古典主义如何转向清晰的“主调音乐”（Homophony）。强调旋律线条的流畅性和乐句的规整性。 结构革命： 深入剖析“奏鸣曲式”（Sonata Form）的三个基本段落（呈示部、发展部、再现部）的内在张力与解决。这是理解海顿、莫扎特和贝多芬作品的钥匙。 器乐的黄金时代： 交响曲的定型： 海顿（Haydn）如何被誉为“交响曲之父”，他如何将四乐章结构（快板、慢板、小步舞曲/谐谑曲、终曲）固定下来。 室内乐的精妙： 弦乐四重奏如何成为最能体现作曲家思想深度的体裁，分析莫扎特的“海顿四首”的对话艺术。 钢琴的崛起： 钢琴取代羽管键琴，其力度变化（forte/piano）催生了更具戏剧性的表达空间。 三位一体的核心人物： 沃夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（W.A. Mozart）： 解析其音乐的“透明性”与“内在的悲剧感”，分析歌剧《费加罗的婚礼》中对社会阶层冲突的微妙刻画。 路德维希·凡·贝多芬（L.V. Beethoven）： 作为一个承前启后的巨人，探讨他如何从古典主义的框架中突破，尤其关注其中期作品（如第三号“英雄”交响曲）中英雄主义精神的体现，以及晚期作品中对结构和情感的极端探索。 第三部分：情感的洪流——浪漫主义时期（约1820-1900） 浪漫主义是对古典主义理性约束的反叛，是对个人情感、自然崇拜、民族主义和超自然主题的狂热追求。 主题与表现： 个人主义的崛起，对“无限”的渴望，对异国情调和民间传说的迷恋。音乐不再仅仅是结构的美，更是叙事和情感的载体。 管弦乐队的扩张： 乐器制造的进步使得乐队规模空前扩大，音色色彩（配器法）成为作曲家表达情感的主要工具。 新的音乐体裁： 交响诗（Symphonic Poem）： 探讨李斯特（Liszt）如何开创这种单乐章、完全基于文学或绘画作品的器乐形式。 艺术歌曲（Lied）： 舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何将诗歌的意境与钢琴伴奏的技巧提升到新的高度，实现“音乐与诗歌的完美结合”。 民族主义的浪潮： 探讨俄罗斯“五人组”、捷克的德沃夏克（Dvořák）和斯美塔那（Smetana）如何将本土民间旋律和节奏融入宏大的交响音乐创作中，以确立民族音乐身份。 晚期浪漫主义的沉思： 分析瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）理论及其对整体音乐戏剧的影响，以及布鲁克纳（Bruckner）和马勒（Mahler）如何将交响曲推向史诗般的规模和深刻的哲学思辨。 第四部分：瓦解与重构——二十世纪的音乐革命 进入二十世纪，随着工业化和两次世界大战带来的社会剧变，音乐的“语言”本身开始解体与重建。 印象主义的色彩： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何摆脱德奥传统的和声束缚，转向对音色、氛围和光影的捕捉，引入全音阶和五声音阶。 表现主义与十二音体系： 勋伯格（Schoenberg）对传统调性的彻底抛弃，以及“无调性”（Atonality）的产生。随后，他如何发展出“十二音序列作曲法”这一全新的组织逻辑，以应对失去调性中心后的结构挑战。 新古典主义的回归： 面对早期激进实验的疲惫，斯特拉文斯基（Stravinsky）等如何重新审视巴洛克和古典主义的简洁与节奏活力，并将其用现代和声语言重新包装。 先锋探索： 简要介绍序列主义（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）以及电子音乐的早期发展，展示音乐家如何将创作的边界推向极致。 结论：永恒的对话 本书最终希望达成的目标，是引导读者建立起一个活的音乐知识体系。古典音乐不是博物馆里的古董，而是不断被重新演绎和理解的动态文本。通过理解历史的上下文、体裁的演变以及作曲家所面临的结构性挑战，每一次聆听都将成为一次更深入、更有共鸣的文化对话。本书提供的是进入这个宏大艺术世界的地图和钥匙。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我刚刚读完这本新出的关于《室内乐合奏的艺术》的书，简直是醍醐灌顶！作者的笔触极其细腻，对于巴洛克时期到浪漫主义时期不同室内乐形式的演变，描述得入木三分。尤其是对海顿四重奏中“对话性”的分析，简直可以用“庖丁解牛”来形容，我以前总觉得那些乐句间的起承转合有些晦涩，现在读完才明白那份精妙的结构美学。书中不仅仅停留在作品本身的赏析，更深入探讨了当时社会文化背景对室内乐创作的影响，比如启蒙运动思想如何潜移默化地渗透到莫扎特晚期作品的清晰与平衡之中。我特别喜欢他对比不同版本录音的章节，他会挑出几个著名指挥家或乐团的演绎，指出他们在速度处理、力度变化以及情感表达上的细微差异，这对于我们这些想深入理解作品内涵的演奏者来说，提供了极佳的参考视角。这本书的排版也做得非常考究，大量的乐谱示例被清晰地标注出来，使得抽象的理论讲解立刻变得可视化和可操作。如果说有什么遗憾，可能就是对于当代室内乐的探讨略显单薄，但瑕不掩瑜，对于想要打下坚实古典室内乐理论基础的音乐爱好者来说，这本书绝对是案头必备的经典之作。我强烈推荐给所有对小型合奏形式怀有热忱的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

这本书，《钢琴演奏的身体力学与健康》，简直是为每一个和我一样常年与钢琴为伴的“受害者”量身定做的救星！我前段时间因为长时间练习，肩膀和手腕开始出现明显的酸痛，正准备去理疗时，朋友推荐了这本书。作者并非音乐家，而是一位专业的运动康复师，这使得全书的视角都非常客观和科学。他详细分析了传统钢琴坐姿中那些看似微不足道，实则会造成巨大累积伤害的细节——比如如何调整琴凳高度以确保大腿与小腿呈90度，如何放松斜方肌以避免将紧张感传递到手臂。书中配有大量的插图，清晰展示了正确的“放松点”和“着力点”，尤其是在处理八度或快速琶音时，如何利用躯干的旋转而不是单纯的手指力量来完成动作。最让我感到实用的是关于“呼吸与节奏”的章节，作者将呼吸的规律性与乐句的完整性联系起来，强调了放松的呼吸是流畅演奏的基础，这让我的演奏不再是僵硬的“机械运动”，而更接近于一种有机的、流动的表达。我甚至开始尝试书中所建议的针对性拉伸练习，效果立竿见影。对于所有钢琴学习者，无论你是初学者还是专业人士，这本书都是保护你的“乐器”——你的身体——的必备指南。

评分☆☆☆☆☆

我对《二十世纪前卫音乐思潮中的偶然性》的阅读体验，用“迷失在声音的迷宫”来形容或许最为贴切。这本书的论述跨度极大，从约翰·凯奇的《4'33"》谈到后来的电子音乐实验，它探讨的核心议题是：当作曲家放弃对每一个音符的绝对控制权时，音乐的本质究竟是什么？作者的文笔极其抽象，充满了哲学思辨的色彩，大量的引用了后结构主义和现象学的理论来佐证自己的观点，比如“听者中心主义”在后序列音乐中的体现。书中对我冲击最大的是关于“噪音与音乐边界”的讨论，它挑战了我过去将“有组织的声音”等同于“音乐”的固有观念，强迫我去接受那些随机性、不可预测性声音事件同样可以构成一种审美体验。阅读过程中，我时常需要停下来，反复咀嚼那些长句和复杂的概念，感觉自己就像在攀登一座智力的陡峭山峰。虽然这本书的阅读门槛极高，可能不太适合只想听点轻松旋律的听众，但对于任何对音乐的边界、创作意图以及听觉感知极限感兴趣的研究者或深度发烧友来说，它无疑提供了一个极其广阔的思维平台。

评分☆☆☆☆☆

读完《西方歌剧史：从蒙特威尔第到现代主义的舞台变革》，我感觉自己像是坐上了一台时光机，巡游了四百多年的歌剧舞台历史。这本书的叙事结构非常宏大且连贯，它没有陷入对某几部名剧的细节分析中，而是着重描绘了歌剧艺术在不同历史阶段的“功能性”转变。作者清晰地梳理了歌剧如何从贵族宫廷的炫技表演，一步步演变为贝里尼和多尼采蒂时代的“美声”至上，再到瓦格纳对“整体艺术作品”的革命性构建。我特别欣赏作者对于“观众参与感”变迁的观察，比如从早期观众可以自由走动、喧哗的剧院环境，到后来对剧场秩序的严格要求，这种社会环境的改变如何反作用于歌剧的创作风格，描述得极其生动。书中对威尔第晚期作品的分析尤为精彩，它不再仅仅强调宣叙调和咏叹调的对比，而是侧重于如何运用管弦乐的织体来推进戏剧情绪的连贯性。这本书的插图和剧照选取也十分到位，那些十九世纪的舞台设计图，本身就是艺术史的珍宝。它是一本让人热血沸腾的历史书，让你理解，歌剧不仅仅是“唱得好听”，它是一门承载了时代精神和技术革新的综合艺术。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我通常对这类偏学术性的音乐理论书籍不太感冒，总觉得它们过于枯燥，充满了晦涩的术语，但这次对《管弦乐队配器法进阶指南》的体验完全颠覆了我的看法。这本书的叙述方式非常“工程师思维”，它没有空泛地谈论“色彩”和“情感”，而是直接切入技术层面，比如不同乐器组间的音域重叠如何影响和声的清晰度，以及如何通过巧妙的对位来避免“泥泞”的和声效果。作者在描述木管组的交织时，使用了大量清晰的图表和具体的音域标记，这对我进行编曲时的配器决策提供了极大的便利。我尤其欣赏他关于“动态平衡”的论述，他不仅仅停留在“小提琴组应该比单簧管组响”这种基础概念上，而是深入探讨了在特定节奏型和和声背景下，如何通过演奏技巧和分部控制来维持乐团内部的听觉平衡。对于有志于从事电影配乐或者大型器乐合奏创作的人来说，这本书简直就是一本实战手册。它强迫你像一个建筑师一样去思考声音的结构，而不是仅仅停留在旋律的堆砌。读完之后，我感觉我对交响乐的“骨架”有了更清晰的认知，那种醍醐灌顶的清晰感是以前阅读其他配器书籍时从未有过的体验。