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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552310375

商品编码：29867409621

丛书名： 如何制作音乐剧

作者简介

作者：马修·怀特

蒙特威尤戏剧学校、皇家音乐学院的常任客座导演及伦敦音乐戏剧学校顾问。出演过多部音乐剧，包括《悲惨世界》《蜘蛛女之吻》《贝隆夫人》。作为导演，他与行业专家、业余人士及学生群体都有过广泛的工作交流。执导的作品包括：《旋转木马》《俄克拉荷马》《日本天皇》《拜访森林》《魔鬼教头》《从此以后》《密关系》。

译者：费元洪 音乐剧制作人。毕业于上海音乐学院，获音乐学硕士学位，现任职上海文化广场。撰写出版书籍：《音乐剧@上海》（合著）、《<猫>中英双语剧本》《国外音乐剧名曲声乐钢琴谱集》（合著）、《环球古典音乐导读》（四册）等。翻译多部音乐剧剧本及唱词，如《悲惨世界》《剧院魅影》《妈妈咪呀》《猫》《音乐之声》。发表累计逾百万文字的乐评与剧评，以及音乐剧产业研究方面的文章。参与策划、引进十余部不同语种的世界经典音乐剧来沪演出。

 

媒体评论 要让制作一部音乐剧的梦想变成真，必须契合制作过程中各个环节的实际情况。马修以专业的手笔，将一部音乐剧的制作过程进行了分类。他让每一位渴望制作音乐剧的人，不论是出于业余爱好，还是有志于未来投身其中，都能在看完书之后了解音乐剧的制作过程中复杂而宽泛的内容。                                                                                                                                                               ------卡麦隆•麦金托什爵士   此书专注于制作的流程，条缕清晰，要点突出，可谓为教科书。任何人都能读懂。可能因为马修来自拥有深厚戏剧历史的英国，因此极其注重传统与规范，同时因为关注细节，有些条目甚至看似有些“教条”，但这恰恰是我们缺乏的。在中国制作音乐剧，不缺小聪明，也不缺中国特色，我们缺的是流程上的规范、细致、专业与职业精神。此书希望有助于填补这一空缺。                                                                                                                                                                                 -------费元洪 

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音乐剧表演艺术的广阔天地：探索剧本、唱腔与舞台实践 本导览聚焦于音乐剧艺术这一跨学科领域的多个核心面向，旨在为初学者和进阶学习者提供一个全面、深入的视野，探讨如何构建一个成功的音乐剧作品，以及如何精进个人的表演技巧。我们将回避对特定教材内容的描述，转而关注音乐剧创作、表演实践、历史演变以及技术支撑等宏观与微观的多个层面。 第一章：音乐剧的文体与结构解析 一、音乐剧的文本基础：从文学到舞台的转换 音乐剧成功的基石在于其剧本——即“脚本”（Book）。本章深入剖析优秀音乐剧剧本的内在结构和文学特质。我们将探讨叙事弧线在音乐剧中的特殊处理方式，如何平衡对话、歌唱与舞蹈的比例，以及角色动机的构建如何驱动剧情发展。重点分析“驱动性场景”（Driving Scene）的设计，即那些必须以歌唱或舞蹈形式呈现才能有效传达情感张力的关键时刻。此外，还将研究不同流派音乐剧（如黄金时代、摇滚歌剧、概念音乐剧）在剧本结构上的差异与演变。 二、音乐如何服务于戏剧：歌词与旋律的交织 音乐是音乐剧的灵魂，但它绝非简单的背景装饰。本章细致考察“歌曲功能”（Song Function）。每首歌在舞台上必须肩负明确的任务：是揭示角色内心世界（“I Want” Song），推动情节发展，还是提供情感宣泄（“11 O'Clock Number”）。我们将分析歌词创作的技巧，如何用精炼、富有韵律感的语言捕捉复杂的情感，并确保歌词的发音清晰度与舞台表现力完美结合。同时，探讨旋律写作中如何运用对位、和声色彩以及节奏变化来增强戏剧张力，以及如何区分“叙事曲”（Patter Song）与“抒情曲”（Ballad）的结构差异。 三、舞台的语言：舞蹈与动作的戏剧性 舞蹈在音乐剧中往往被视为“无声的对话”。本章探讨如何将编舞融入叙事，而非仅仅作为插曲。我们将分析经典音乐剧如何利用不同风格的舞蹈（如踢踏舞、现代舞、古典芭蕾）来刻画时代背景和角色心理状态。重点讨论“场景切换”（Transitions）中，如何利用群舞和舞台调度来弥补幕间信息缺失，以及如何在空间中有效利用舞台深度和高度来营造视觉冲击力。 第二章：表演者的核心技能训练 一、声乐技巧：跨越“演唱”与“表演”的桥梁 音乐剧声乐训练的核心在于平衡美声的控制力与现代流行音乐的亲和力。本章将探讨不同声部（如抒情男高音、戏剧女中音）在音乐剧中的典型应用，以及“混声”（Mix Voice）技术在适应宽广音域和复杂情感表达中的关键作用。我们着重分析“咬字与共鸣”的协调，确保在进行高强度演唱时，清晰度不减弱，情感的细微差别能被听众捕捉。这不仅仅是发声技巧，更是将声音塑造成角色的工具。 二、舞台呈现：肢体语言与角色的统一 演员必须学会将身体变成叙事的媒介。本章侧重于“身体解放”与“精确控制”的辩证统一。我们将研究如何通过身体姿态、步态和面部表情来构建角色的社会地位和内在矛盾。探讨如何有效利用舞台空间进行“走位”（Blocking）设计，确保演员的移动是有目的的、服务于叙事的，而非随机的。此外，如何处理与道具、其他演员的物理互动，从而创造出真实可信的舞台关系，是本章的重点。 三、即兴与适应性：应对舞台的突发状况 舞台永远充满变数。本章关注演员的临场反应能力。我们将探讨基础的即兴练习如何帮助演员保持“在场感”（Presence）和对搭档的反应速度。讨论在排练过程中，如何消化和吸收导演的反馈，并迅速将其转化为舞台上的具体行动。这种适应性是衡量专业音乐剧演员成熟度的重要标准。 第三章：音乐剧的制作与技术维度 一、导演的视野：协调艺术与商业的平衡 音乐剧导演是最终的艺术把控者。本章分析导演在概念发展中的角色，如何确立全剧的基调（Tone）和风格（Style），并确保所有部门——从灯光到服装——都服务于这一核心概念。探讨“排练流程管理”，即如何科学地安排读谱排练、技术彩排与带妆合成，以最大限度地利用时间，高效地将设计转化为舞台成品。 二、舞台技术：灯光、音响与场景设计的作用 技术部门是音乐剧的“隐形演员”。本章将深入解析灯光设计如何通过色彩、角度和光束的移动来塑造时间、地点和人物情绪。音响设计不仅关乎麦克风的摆放（无线系统），更在于如何混合现场乐队与人声，达到最佳的清晰度和冲击力。场景设计则需要在有限的空间内，通过旋转舞台、多媒体投影等方式，展现场景转换的魔力和空间的可塑性。 三、音乐剧的历史脉络与流派变迁 理解音乐剧的过去，有助于塑造其未来。本章提供一个非学院派的、侧重于舞台实践的历史回顾。我们将考察从轻歌剧、杂耍剧（Vaudeville）向现代音乐剧过渡的关键里程碑，分析如弗洛伊德·洛伊、奥斯卡·汉默斯坦二世等先驱者如何确立了音乐剧的叙事规范。同时，考察欧洲音乐剧（如德语区）与百老汇、西区风格的相互影响与区别，为创作者提供更广阔的参照系。 第四章：职业发展与行业生态 一、选角与试镜的策略 进入音乐剧行业，试镜是关键的第一步。本章提供实用的指导，讲解如何准备“表演片段”（Sides），如何根据角色需求调整演唱风格。重点分析“准备一首合适的歌”的艺术——如何选择能够展现你最佳声乐和表演能力的曲目，以及如何精准地完成舞蹈片段的考察。 二、乐队与音乐总监的角色 音乐总监（MD）在音乐剧制作中扮演着乐队指挥、声乐教练和编曲协调者的多重角色。本章阐述演员如何与MD进行高效的沟通，理解“乐队分数”（Pit Chart）的结构，以及如何在没有现场乐队的情况下，准确地用钢琴伴奏排练，确保正式演出时的衔接无虞。 本导览旨在描绘一个充满活力、技术复杂且富有艺术深度的音乐剧世界，鼓励学习者从剧本结构、表演技巧、技术实现和历史背景等多个维度，系统地构建对这一艺术形式的认知。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有感染力，它没有采用那种高高在上、拒人于千里之外的学院派说教口吻，反而更像是一位经验丰富、充满热情的资深艺术家在与你进行一次深度对谈。行文流畅自然，即便是涉及到一些比较晦涩的音乐理论知识，作者也能用非常生动的比喻或者结合具体的剧目案例来解释清楚，让人感觉亲切且没有压力。我特别欣赏作者在书中穿插的那些个人感悟和幕后故事，这些“非标准”的内容，恰恰是教科书中最宝贵的部分，它们提供了理论知识背后的“人味儿”和艺术家的直觉判断。读起来一点都不觉得冗长乏味，时间不知不觉就过去了，感觉自己不仅学到了技术，更吸收到了一种对待艺术创作的积极心态和职业操守。

评分☆☆☆☆☆

我花了几天时间认真研读了这本书关于“叙事结构与角色动机”的那几个章节，发现它提供了一种非常新颖且实用的分析框架。不同于市面上很多仅仅停留在表面故事复述的教材，这本书深入探讨了音乐剧如何通过音乐的起承转合来推动人物的情感变化和情节发展。作者对于“高光时刻”（Showstopper）的拆解尤其精彩，他不仅仅告诉我们什么时候该有高潮，更细致地剖析了铺垫、张力积累到爆发的每一个微小步骤，以及这段戏份中对位旋律和和声色彩的运用是如何服务于叙事需求的。这种深入到骨髓的解析，让我从一个纯粹的欣赏者，逐渐转变为一个能够审视作品内部精密机械运作的观察者。对我目前的创作尝试来说，这无疑是点亮了一盏明灯，指明了如何让我的原创作品在情感上更具穿透力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度令人惊叹，它不仅关注了百老汇和西区那些耳熟能详的经典，还花了不少篇幅去探讨欧洲大陆以及非英语系国家音乐剧的发展脉络和它们独特的审美倾向。这种全球化的视野，拓宽了我对“音乐剧”这个艺术形式的边界认知。它引导我们思考，在不同的文化土壤中，音乐剧是如何吸收本土的歌剧、戏剧或民族音乐元素，从而形成自己独特的表达方式的。对于一个渴望在本土语境下进行创作的实践者而言，了解这些异质化的成功范例至关重要，它提供了打破思维定势、寻找本土创新路径的参照系。这本书无疑是一部立足于全球视野，却又对每一个区域细节保持敬意的深度研究，非常值得反复品读和参考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，那种沉稳又不失现代感的封面，一下子就抓住了我的注意力。拿到手里的时候，能感觉到纸张的质感很棒，印刷清晰，即便是复杂的乐理符号也能看得一清二楚，这对于初学者来说太重要了，毕竟看书学习的时候，视觉体验直接影响学习的专注度。内页的排版也做得非常用心，大量的图示和清晰的章节划分，让枯燥的理论知识变得易于消化。尤其是它对一些经典音乐剧片段的视觉呈现，不仅仅是文字描述，还有很多巧妙的配图，仿佛能让我提前“看到”舞台上的场景，这极大地激发了我深入了解音乐剧创作过程的兴趣。总的来说，光是这本书的物理形态，就体现出出版方对音乐剧艺术的尊重和对读者的负责，让人在翻阅的每一刻都感到愉悦和专业。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书在“舞台调度与声乐技术结合”方面的论述给予高度评价。在很多传统教材中，音乐和舞台表演往往是割裂开来讲解的，但这本书巧妙地将两者编织在一起，强调了声音的物理属性如何直接影响角色的舞台呈现。比如，书中详细讨论了在特定舞台空间内，使用美声唱法的高音区与使用更贴近自然发声的混声（Mix Voice）在表达内心挣扎时所产生的不同视觉和听觉效果。这种跨学科的整合视角，对于希望成为多面手或者在现代音乐剧领域发展的学习者来说，简直是不可多得的宝藏。它强迫我跳出单纯的“唱得好”或者“演得好”的二元对立思维，真正去思考如何让身体成为音乐的延伸，让声音成为角色的铠甲或枷锁。