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樊禾心 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807511496

商品编码：29867408906

丛书名： 钢琴教学论

开本：16开

出版时间：2008-01-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

编辑推荐 《钢琴教学论》是目前我国第I本从教学论的角度论述钢琴教学的专著，它包括了钢琴教学的方方面面，无论是装饰音、踏板、触键、基本技术训练还是儿童启蒙、教学、演奏心理、运动伤害等等，从理论到实践都有很详细的阐述，几乎可以说是一本钢琴教学的百科全书，对钢琴教学和研究有重大的指导意义。 作者简介 樊禾心，硕士、钢琴教育家、音乐评论家，中国音乐学院音乐教育系钢琴教研室主任副教授，硕士研究生导师。1988年毕业于中央音乐学院钢琴系。长期从事钢琴演奏与教学工作，先后在《中央音乐学院学报》、《中国音乐》、《爱乐》、《音乐周报》等多家报刊和丛书上发表学术文章、 在线试读部分章节 第I章 绪论
钢琴教学论是一门亟需建立，但尚未建立起来的新兴学科。它是研究钢琴教学全过程，揭示培养多层次的、全面发展的钢琴演奏人才和钢琴教师队伍有关规律的、具有综合性、交叉性、概括性、专门性的学说。它是包括了哲学、美学、教育学、心理学、思维学、音乐教育学、教育心理学、运动心理学、运动医学、音乐声学、音乐学、钢琴教学法和教育方法论等诸多学科在内的冲破原有学科界限的横向式发展的边缘学科，它与传统的以总结钢琴演奏经验为主的钢琴教学法不同，是上述多学科相互结合渗透形成的一门新兴的边缘学科。它探讨钢琴演奏能力的本质、发生条件、发展规律以及如何通过教育有效地培养和发展这种专门的演奏能力，从心理学和教育学的角度对钢琴演奏和教学的方法进行多方位、全视角、深层次的研究和探索，以系统论和方法论的构架对钢琴演奏教学方法进行抽象、概括的归纳和总结。
第I节 建立和研究钢琴教学论的迫切性和重要性
随着我国经济和文化事业的飞速发展，我国的音乐艺术事业也得到日益普及和提高，钢琴虽然是一门外来的艺术表现形式，但在我国正有着越来越广泛的群众基础，钢琴演奏的专业水准也开始跻身于世界前列。面对越来越多的钢琴学习的社会需求，我国现有的师资队伍明显不足。我国对于钢琴教学方面的理论研究还处于起步阶段，缺少系统的、有建树的、有学术价值的、可资借鉴的钢琴教学方面的理论专著。
……

目录 序
第I章 绪论
第二章 钢琴教学的基本任务和钢琴教师应具备的基本条件
第三章 钢琴启蒙教学与儿童学习心理
第四章 钢琴教学的基本特征和主要方法
第五章 钢琴课堂教学的基本方法与内容
第六章 钢琴教学计划的制定与教材的选择
第七章 钢琴教学中对教材的合理搭配
第八章 钢琴的基本弹奏方法
第九章 钢琴教学中对演奏技术的训练
第十章 钢琴声学与钢琴触键
第十一章 速度与节奏
第十二章 装饰音的风格
第十三章 踏板的运用
第十四章 作品的指导与独立处理
第十五章 钢琴练习曲的教学
第十六章 钢琴复调作品的教学
第十七章 大型钢琴作品的教学
第十八章 中国钢琴作品的教学
第十九章 钢琴教学与演奏中常见的误区与纠正方法
第二十章 钢琴教学与演奏中常见的运动创伤与防护
第二十一章 钢琴演奏心理和演奏实践
第二十二章 钢琴教学评价
附录

 

 

内容推荐 钢琴教学论是一门新兴学科。是研究钢琴教学全过程，揭示培养多层次、全面发展的钢琴演奏人才和钢琴教师队伍内在规律的，具有综合性、交叉性、概括性、专门性的学科。它与传统的以总结钢琴演奏经验为主的钢琴教学法不同，是多学科相互结合渗透形成的边缘学科。它探讨钢琴演奏能力的本质、发生条件、发展规律以及如何通过教育有效地培养和发展这种专门的演奏能力，从心理学和教育学的角度对钢琴演奏和教学的方法进行全方位、多视角、深层次的研究和探索。以系统论和方法论的构架对钢琴演奏教学方法进行抽象、概括的归纳和总结。

 

 

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音乐的无限可能：一窥西方音乐史的宏伟画卷 书籍名称：《西方音乐史：从古希腊到二十一世纪的演进与变革》 内容简介： 本书旨在为读者构建一个全面而深入的西方音乐发展脉络。我们并非探讨具体演奏技巧或某一种乐器的教学方法，而是致力于剖析音乐作为一种文化现象、一种艺术形式，如何在跨越数千年的时间长河中，不断地被塑造、革新和超越。这本书是一趟穿越时空的音乐考古之旅，从神圣的吟唱到电子的脉动，力求揭示隐藏在音符背后的社会、哲学和美学思潮。 第一部分：音乐的摇篮——古代与中世纪的奠基（约公元前500年 – 1450年） 本部分将首先追溯西方音乐的源头。我们将详细考察古希腊的音阶理论、毕达哥拉斯的音律思想，以及音乐在早期哲学和戏剧中的作用。这不仅是关于旋律的起源，更是关于“音乐性”这一概念在西方文明中的首次明确界定。 进入中世纪，音乐的重心转向宗教。我们将细致梳理格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐体系如何确立了早期的西方音乐语法。重点探讨记谱法的诞生与发展——从纽姆谱到五线谱的演变，这一技术革命如何使音乐得以精确流传，并催生了复调音乐（Polyphony）的萌芽。我们不会深入探讨具体的声部进行规则，而是着眼于如巴黎圣母院乐派等早期复调实践对和声概念的初步探索，以及世俗音乐（如游吟诗人歌曲）在民间文化中的地位。 第二部分：文艺复兴与巴洛克的辉煌（约1450年 – 1750年） 文艺复兴时期，随着人文主义的兴起，音乐摆脱了单纯的宗教束缚，开始关注人本身的情感表达。本书将分析弗兰德斯乐派和罗马乐派在复调写作上的巅峰成就，探讨音乐如何服务于文本（文字与音乐的紧密结合），以及印刷术对音乐传播带来的革命性影响。我们将审视合唱音乐（如弥撒曲和经文歌）的成熟形式，以及早期器乐的独立倾向。 巴洛克时期是音乐史上一次剧烈的爆炸。本部分的核心在于理解“风格”的形成与制度化。我们将深入剖析什么是“巴洛克式狂热”（Affect Theory），以及这一时期的作曲家如何运用对位法（Counterpoint）和不断发展的和声语言来构建宏大且富有戏剧性的音乐结构。 我们会详细讲解歌剧（Opera）在意大利的诞生及其向欧洲各地的扩散，探讨咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）的功能区分，而非教授如何“指导”歌剧演唱。此外，协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）等器乐体裁的初步定型，以及巴赫对赋格曲（Fugue）的集大成探索，都将作为关键节点被深入解析。 第三部分：古典主义的理性与浪漫主义的激情（约1750年 – 1900年） 古典主义时期，音乐追求清晰、平衡与形式的完美。我们专注于维也纳古典乐派（海顿、莫扎特、贝多芬早期）如何将奏鸣曲式（Sonata Form）发展成为组织宏大篇幅音乐的蓝图。本书将分析交响曲、室内乐（如弦乐四重奏）在结构上的逻辑构建，以及对旋律线条和清晰配器的偏爱。我们关注的是这些形式如何反映启蒙运动时期的理性精神。 随后，我们将进入浪漫主义的洪流。这是一个个体情感和想象力得到极大释放的时代。音乐的篇幅被拉长，和声语言变得日益复杂和不稳定。我们将探讨标题音乐（Program Music）的兴起，李斯特的交响诗（Symphonic Poem）如何挑战传统器乐的界限。 民族主义音乐的兴起，如俄国五人组和捷克作曲家，他们如何从民间音乐和本国历史中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的音乐语汇，将成为重点讨论对象。此外，对早期浪漫主义室内乐和晚期瓦格纳对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，也将进行详尽的梳理。 第四部分：现代主义的解构与多元化的当代（约1900年至今） 二十世纪初，对既有和谐体系的反叛成为主流。本书将系统性地介绍音乐的“断裂点”：从德彪西对印象主义色彩的捕捉，到斯特拉文斯基对原始节奏的挖掘。 我们特别关注和声的彻底革命——从调性（Tonality）的瓦解到无调性（Atonality）的建立。勋伯格的十二音体系（Twelve-Tone Technique）被视为一种结构性的解决方案，旨在重新组织已被耗尽的调性材料。我们将剖析这一体系背后的逻辑，而非其具体操作步骤。 战后，音乐探索进入了更广阔的领域。序列主义（Serialism）的发展，电子音乐的兴起，以及对传统乐器音色的极限探索（如扩音技术、噪音的纳入），都标志着音乐本体论的深刻变化。我们也将考察极简主义（Minimalism）如何通过重复与微小变化，提供一种对时间感知的新体验。 本书的最终目标是描绘出一部连续的音乐演化史，展示每一时代、每一位大师的作品，都是对前人探索的回应或挑战。它是一部关于“声音如何成为意义”的历史文献，而不是一本指导如何演奏或教授音乐的书籍。读者将获得理解西方音乐史整体框架的能力，从而能够以更深远的视角去欣赏和分析任何时期的音乐作品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有启发性，它不像某些理论书籍那样，充满了晦涩难懂的术语和故作高深的表达。相反，作者采取了一种非常亲切、近乎于“对话”的口吻来阐述复杂的教学理念。读起来完全没有那种学习的枯燥感，更像是跟随一位经验丰富的大师在进行一次深入的私房交流。他善于用生活化的例子来解释抽象的音乐原理，比如在谈及如何培养学生的节奏感时，他没有直接抛出枯燥的节拍器定义，而是举例说明了走路的步伐、心跳的韵律，瞬间就将理论与实际生活建立了联系。这种循循善诱的方式，极大地降低了初学者和跨界学习者的门槛。而且，作者在强调某些关键概念时，会非常精准地运用排比和对比的手法，使得重点突出，过目不忘。即便是对于一些多年教学的老教师来说，也能从中找到新的视角和表达方式，去优化自己已有的教学流程。这种兼顾深度与可读性的文字功底，绝对是这部作品的亮点之一，显示了作者深厚的文字驾驭能力和对教育本质的深刻洞察。

评分☆☆☆☆☆

这部书的排版和装帧设计简直让人眼前一亮。拿到手里就感觉分量十足，纸张的质感也非常棒，印刷的清晰度无可挑剔，即便是那些复杂的五线谱和技术图示，看起来也毫无压力。装帧的硬挺程度，能保证这本书在长期翻阅中依然能保持平整，不会轻易散架。尤其值得称赞的是，它在章节之间的过渡和图文的配合上做得极为考究，不是那种生硬的知识堆砌，而是流畅地引导读者进入下一个主题。我注意到，作者在处理一些历史背景和理论起源的部分时，使用了高质量的插图和图表，这极大地增强了阅读的趣味性和理解深度。有些教材为了节省成本，会牺牲视觉体验，但这部作品显然没有在这方面妥协，看得出出版方在制作过程中是下了真功夫的。从拿起来的那一刻起，就能感受到它对细节的极致追求，这对于我们这些需要经常查阅和对比的专业学习者来说，简直是福音。翻开每一页，都像是在欣赏一件精心制作的艺术品，而不是仅仅在阅读一本工具书。这种视觉上的愉悦感，无疑会让人更愿意沉下心来，慢慢品味其中的每一个知识点。

评分☆☆☆☆☆

这本书在对“学生主体性”的强调上，达到了一个非常高的水准，这在传统的教程中是比较少见的。它深刻地指出，成功的钢琴教学绝非是老师单方面的灌输，而是要激发学生内在的学习驱动力。书中花了大量篇幅去探讨如何进行有效的“提问式教学”，而不是“告知式教学”。例如，作者详细阐述了如何设计开放性的练习任务，鼓励学生自己去探索音色变化和触键的细微差别，而不是简单地要求他们模仿一个固定的范例。这种对学生个性和自主学习能力的尊重和培养，我认为是现代教育理念的核心所在。我尤其喜欢它关于“犯错学习法”的论述，它将错误视为通往理解的必经之路，并提供了具体的指导，教导教师如何在不挫伤学生信心的前提下，引导他们从错误中获取宝贵的经验。这种以学生为中心的教学理念，不仅提升了钢琴技能的学习效率，更重要的是，它培养了学生终身学习所需要的那种积极主动的态度。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书后，我最大的感受是它提供了极强的“工具箱”属性，但这种工具箱并非是简单的技巧集合，而是包含了一系列高阶的“诊断与干预”工具。作者没有停留在“应该怎么教”的层面，而是深入剖析了“如果学生遇到特定难题该怎么办”的实战策略。比如，针对某些学生在面对复调音乐时出现的逻辑混乱问题，书中不仅分析了产生混乱的心理根源，还提供了一套从视觉图示到听觉训练的组合式干预方案，具体到如何使用不同颜色的笔标注声部，或是如何利用录音设备进行自我分析。这种细致入微的实操指导，远超出了普通教材的范畴，更像是一本资深教育专家的实战笔记。对于我这样需要不断面对各种不同学习瓶颈的学生来说，这本书提供的不仅仅是理论支持，而是立即可用的、经过反复验证的解决方案。它教会我如何去观察、去分析、去定制个性化的教学路径，这无疑是任何一个致力于专业发展的教师都无法忽视的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在结构编排上所展现出的那种严谨的逻辑性和系统性。它不是简单地罗列各种教学方法，而是构建了一个清晰的、层层递进的知识体系框架。从最基础的音乐感知与技能培养，到中级的技巧训练与曲目分析，再到高级的音乐表现力与审美教育，每一步都有明确的教学目标和对应的实施路径。这种“搭积木式”的结构，让读者可以非常清晰地看到整个教学流程的全貌，避免了在学习过程中产生知识点的碎片化。更有意思的是，它在介绍完一种主要方法后，总会附带提及一些反思性的讨论，比如这种方法可能存在的局限性以及在不同年龄段学生身上应用时的调整策略。这种思辨性的处理，使得整本书的理论不再是僵化的教条，而是可以灵活变通的指导方针。我感觉作者对待教学的每一个环节都进行了深入的解构和重组，确保读者在掌握基础的同时，也能建立起一套属于自己的、成熟的教学哲学，而非仅仅成为一个技巧的搬运工。