正版教材肖邦钢琴作品全集32 音乐会作品 双钢琴版练习曲书籍教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[波] 扬.艾凯尔 编，周炜娟 译

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787807519409

商品编码：29867422066

丛书名： 音乐会作品(双钢琴版波兰国家版原版引进)肖邦

开本：8开

出版时间：2012-04-01

价格 ￥81.00 套餐价 67.50元 弹琴三大宝：哈农拜厄599

 

肖邦钢琴作品全集

《肖邦钢琴作品全集32:音乐会作品 双钢琴版(波兰国家版)》不但根据肖邦的手稿、各种初版，而且掌握了肖邦教学时在学生用谱上作的许多修改和更正，书中有许多新的发现，和我们习惯听到的大异其趣。相信这将成为又一个新的里程碑。书中分成A和B两个系列。A系列为由肖邦生前自己编订作品号（到作品65为止）的作品。B系列为肖邦身后由他的学生编订出版的作品。因此A系列的"夜曲"只包括肖邦生前出版的由作品9之1到作品62之2的18首。"即兴曲"也只包括作品29、36和51三首，而其他身后出版的（夜曲三首和幻想即兴曲作品66）都放在B系列里面。书中加上了新发现的材料经过修订的新成果。如引起争议的第四首叙事曲第I24小节右手第9和第I1个十六分音符的高音由传统的cb和fb改成CG和FG，书中有更详细具体的解说，除了《版本注释》（Source Commentary），又增加了《演奏注释》（Performance Commentary），《版本注释》全文翻译成中文外，并且原来的英文本也有一起发表。希望学者能够学会全面地使用"原始版"。《肖邦钢琴作品全集32:音乐会作品 双钢琴版(波兰国家版)》主要是介绍音乐会作品的。

 

 

编辑推荐 《肖邦钢琴作品全集32:音乐会作品 双钢琴版(波兰国家版)》是为了充分理解肖邦而推出的，作者在中国钢琴学子身上发现，他们具有演奏肖邦音乐的良好素质。通过阅读《肖邦钢琴作品全集32:音乐会作品 双钢琴版(波兰国家版)》作者希望中国钢琴青年以及教师、音乐学家和音乐爱好者能够对波兰伟大的作曲家的音乐能有更深透，更透彻的认识。 作者简介 编者：（波兰）扬?艾凯尔 （波兰）巴维尔?卡明斯基 译者：周炜娟

 

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音乐之境：从巴洛克到浪漫主义的钢琴文献精览 本卷旨在为钢琴学习者、演奏家以及音乐爱好者提供一个全面而深入的钢琴文献导览，重点聚焦于17世纪初至20世纪中叶西方音乐发展历程中，对键盘音乐风格、技术革新以及曲式结构产生深远影响的关键作品集与作曲家群像。我们摒弃了对特定时期内某一作曲家全部作品的详尽收录，转而采取一种跨越风格流派、注重文献发展脉络的梳理方式，以期构建一个更为宏观的音乐史图景。 第一部分：早期键盘音乐的奠基与探索 (巴洛克时期及其前奏) 本部分将目光投向早期键盘乐器的黄金时代，即巴赫（Johann Sebastian Bach）及其先驱者们的工作。不同于侧重于肖邦特定体裁的文献，本书着重于考察巴赫如何确立了复调音乐的巅峰，并为后世的钢琴演奏技术打下了坚实的基础。 1. 赋格与对位法的艺术：《平均律键盘曲集》（BWV 846-893）的结构解析 我们不直接收录这套作品本身，而是深入分析其音乐结构和演奏实践的演变。重点探讨《平均律》中的各种调性布局（大小调共24对），以及如何通过对位线条的清晰分离来训练演奏者的独立手指控制能力。书中将详述从维也纳古典乐派早期演奏家到20世纪录音艺术家如何处理巴赫声部的平衡问题——这与浪漫主义时期强调的歌唱性旋律线处理方式形成鲜明对比。此外，我们将讨论早期羽管键乐器（如大键琴和羽管键琴）的触键机制如何影响了巴赫作品的动态处理，以及这些处理方式如何在转化为现代钢琴演奏时进行取舍与再创造。 2. 组曲与舞曲的典范：《英国组曲》、《法国组曲》与《帕蒂塔》的风格比较 本节将不同于专注于某一类练习曲集，而是横向比较巴赫在三套大型组曲中对传统法国宫廷舞曲（如阿列曼德、萨拉班德、吉格）的继承与发展。重点分析《帕蒂塔》中更具炫技性和技巧挑战性的段落，例如《G大调第一帕蒂塔》的“奏鸣曲”式开篇，以及《降B大调第二帕蒂塔》中那首著名的《恰空》。通过对比这些作品，读者可以理解巴洛克时期音乐的装饰技法、节奏的精确性要求，以及曲式结构的严谨性，这些都是浪漫主义钢琴技巧的基础，但其内在逻辑截然不同。 3. 键盘协奏曲的早期形态：协奏性曲目的技术汲取 本部分将探讨巴赫晚期作品中展现出的协奏精神，例如为多架键盘乐器所作的协奏曲。虽然这些作品的演出形式与浪漫主义钢琴协奏曲大不相同，但其中展现的乐团与独奏乐器间的对话技巧，为后来贝多芬、勃拉姆斯等作曲家创作协奏曲时对钢琴音域和力度对比的把握提供了历史参照。 第二部分：古典主义的清晰与结构（海顿、莫扎特与贝多芬的奏鸣曲） 古典主义时期，钢琴（古钢琴向现代钢琴过渡的阶段）的快速发展促使作曲家们寻求一种更清晰、更结构化的音乐表达。 1. 奏鸣曲式的确立与发展：贝多芬钢琴奏鸣曲的“英雄”精神 本部分将集中探讨贝多芬钢琴奏鸣曲（例如“热情”、“阿帕苏娜塔”）在曲式结构、主题发展和情感强度上的革新。我们将详细分析呈示部、发展部和再现部如何被用来构建宏大的戏剧冲突，这与肖邦偏向于抒情、幻想和单乐章结构的创作理念形成了鲜明对比。本书将分析贝多芬如何利用钢琴的音域扩展来表现戏剧性的对比，例如《升C小调第十四奏鸣曲“月光”》第一乐章的冥想性与第三乐章的狂暴性之间的技术差异。 2. 维也纳学派的练习曲思想：奏鸣曲的内部技术训练 海顿和莫扎特的奏鸣曲中包含了大量为早期钢琴设计的技术训练要素，例如清晰的音阶跑动、琶音的均匀性以及对快速跑动中不同声部清晰度的要求。本节将提取这些古典奏鸣曲中具备“练习曲”性质的片段，分析它们如何训练演奏者在保持清晰度与优雅性之间的平衡，这与肖邦练习曲中对速度和力度极限的追求是不同的训练取向。 第三部分：浪漫主义的抒情、炫技与民族色彩 (非肖邦的拓展) 本部分虽然触及了浪漫主义，但重点放在与肖邦并列或稍早的作曲家身上，以展示浪漫主义思潮的多样性，而非聚焦于单一的波兰大师。 1. 舒曼的诗性与内在的挣扎：《狂欢节》与钢琴叙事曲 我们将考察舒曼（Robert Schumann）如何将文学意象与钢琴技巧相结合。舒曼的作品，如《狂欢节》或《幻想曲》，其技术要求往往是为表达某种内在的情绪或特定的“人物”服务，其技术难度往往隐藏在复杂的织体和节奏的错综变化中，而非纯粹的速度和力度展示。我们将对比舒曼对“歌唱性”的处理与肖邦乐句的内在呼吸感之间的细微差别。 2. 李斯特的宏大叙事与超技：钢琴文献中的“交响化”倾向 李斯特（Franz Liszt）的创作代表了钢琴技巧的又一个高峰，尤其是在他对钢琴音色和和声的探索上。本书将分析李斯特的十二首《练习曲》（Études d'exécution transcendante）在技术难度和情感表达上的特征。重点关注李斯特如何拓展钢琴的演奏极限，例如对跨越整个键盘的大跳、快速的八度连奏以及复杂的三连音与二连音交织的处理。这些技巧的极端化，虽然与肖邦的精细打磨有所不同，但共同构成了19世纪中叶钢琴演奏法的两大支柱。 3. 民族乐派的色彩：德彪西与印象主义的过渡 在时间轴上稍作推进，我们会简要介绍德彪西（Claude Debussy）早期作品对键盘音色（Timbre）的革新。德彪西如何利用钢琴踏板来模糊和弦的边界，创造出水波般的音响效果，以及他对全音阶和五声音阶的运用，这标志着钢琴文献开始从强调“手指的力度和精准度”转向探索“声音的色彩和氛围”。 总结：文献的坐标系 本卷的整体结构旨在提供一个多维度的钢琴文献坐标系。它不是某一部特定练习曲集的详尽解析，而是通过考察巴洛克、古典主义以及其他浪漫主义大师的作品，来展现钢琴音乐在技术、美学和结构上的演进轨迹。读者将通过对比不同时代、不同作曲家对键盘潜能的挖掘方式，更深刻地理解任何一部特定钢琴文献（如您提及的肖邦作品）在音乐史中的独特位置与贡献。我们将侧重于文献的“横向比较”与“纵向发展”，而非对某一特定体裁的垂直深入。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和内容指向让我联想到，它很可能更偏向于舞台实践而非日常的初步启蒙。鉴于其“全集”的定位，以及可能包含的那些对技术要求极高的作品，它可能更像是音乐学院高年级学生或者职业演奏家在舞台准备阶段会参考的资料。这样的书籍往往意味着极高的准确性和详尽的校订，任何一个音符的错误都可能在舞台上造成灾难性的后果。因此，我推测它的校对团队必然是经过了极其严格的审查。对于普通初学者来说，可能需要谨慎选择，以免被其中难度过高的曲目打击了信心；但对于那些有明确的音乐会目标，追求专业水准的钢琴学习者而言，这本书提供的是一种接近于“终极参考”的权威性，它代表了一种对音乐原貌的尊重和对演奏精准度的执着追求，是构建高阶演奏技能的坚实基石。

评分☆☆☆☆☆

我最近正在努力攻克德彪西的练习曲，这本书虽然不是我正在用的教材，但从它呈现的乐曲难度和深度来看，绝对是为那些已经具备扎实基础，并且渴望向更高层次迈进的钢琴学习者准备的。它似乎侧重于那些挑战演奏家极限的篇章，比如那些需要极高速度、复杂对位和丰富踏板控制的段落。光是目录的编排就暗示了其内容的系统性与挑战性——它可能将作品按照技术难点或者情感深度进行了精心的划分，而不是简单的按照创作时间顺序排列。对于那些已经把基础练习曲弹得滚瓜烂熟，开始寻求“更深层次的音乐表达”的进阶学生来说，这种精心组织的难度进阶无疑是非常宝贵的指引。它提供了一个清晰的路线图，帮助演奏者系统性地提升自己的技术边界，而不是零散地应对每一首曲子。如果能配上一些关于肖邦演奏传统和时代背景的导读，那将是锦上添花，但仅就乐谱本身而言，这种对技术深度的挖掘已是极具价值。

评分☆☆☆☆☆

我曾购买过一些国外引进的教材，虽然内容权威，但常常因为翻译腔的术语和不符合国人阅读习惯的排版而让人望而却步。这本书在本土化处理上做得非常到位，体现了出版团队对国内音乐教育环境的深刻理解。例如，它对一些复杂的德语或法语术语的翻译，既保持了原汁原味的音乐性，又确保了国内学习者能够一目了然地理解其含义。此外，如果它在某些技巧难点处，使用了国内钢琴教学中更常用、更易于接受的术语来辅助解释，那就更显贴心了。这种细致入微的本土化工作，极大地降低了学习的门槛，让学习者能够将精力集中在音乐本身，而不是去费力解析那些晦涩的、非母语的教学指示上。这无疑是它区别于许多标准进口教材的显著优势之一。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是教科书级别的典范！封面采用了沉稳的深蓝色调，搭配烫金的字体，既透露出古典音乐的庄重感，又不失现代的审美情趣。纸张的质感非常出色，厚实且带有微微的纹理，翻阅起来手感极佳，完全不会有廉价的印刷品那种轻飘飘的感觉。内页的排版更是让人赞叹，五线谱的清晰度无可挑剔，墨色的浓淡处理得恰到好处，即便是长时间阅读和练习，眼睛也不会感到疲劳。特别是那些技术性的标记，比如指法提示、踏板运用说明，都用非常醒目的辅助符号标注出来，设计师显然深谙演奏者的需求。我尤其喜欢它在乐谱旁留出的空白区域，非常适合我在上面做批注和标记，这对于深入钻研肖邦那些复杂而精妙的和声进行至关重要。总而言之，从视觉到触觉的每一个细节，都体现了出版方对这部伟大作品的敬意和对学习者的体贴入微。这套书不只是工具，更像是一件值得珍藏的艺术品，放在琴房的书架上，本身就是一种激励。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的钢琴爱好者，我对那些只关注“弹会”而不关注“弹好”的教材一直持保留态度。这本书给我最深的印象是它在音乐性上的强调，而不仅仅是机械性的指法堆砌。我注意到它在某些关键乐句旁，可能加入了对不同版本差异的比较，或者引用了某位著名钢琴大师对该段落的演奏建议。这对于我们非科班出身的自学者来说，简直是醍醐灌顶。我们往往被困在音符的迷宫里，忘记了这些音符组合在一起是为了讲述一个怎样的故事，传达一种怎样的情绪。这本书似乎在努力搭建一座桥梁，连接技术层面的精确与情感层面的丰沛。它促使你去思考：这里的弱音（pianissimo）是带着悲伤的宁静，还是带着某种神秘的暗示？这种对音乐“意图”的引导，远比单纯的“弹对”重要得多，也更能让学习过程充满乐趣和意义。