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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787805530307

商品编码：29867524675

丛书名： 外国音乐辞典

开本：32开

出版时间：2000-11-01

 

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编辑推荐

一本材料丰富、内容翔实而切于实用的音乐词典，是每一个音乐工作者和音乐爱好者的良师益友；它既可以为你解答疑难、指示迷津，又可以供你随意翻阅，使你增进知识，获得教益。但一部单卷本的词典篇幅有限，要做到既能提供检索的系统知识，又有俯拾即是的参考材料,是很不容易的.本书所依据的《科林斯音乐百科词典》在这一方面确实有独到之处。

本书是一部中型的音乐和音乐家词典。本书的编辑方针，是以中、短条为主，兼备长条。本书的在编译过程中，除了修正《科林斯百科音乐词典》中的误论释文、补足疏漏的条目外，还增加了百余条音乐家条目，书中大部分朝鲜、日本、印度音乐家条目、许多苏联作曲家条目、许多知名的当代指挥家、钢琴家、小提琴家和歌唱家条目，都是在编译过程中增补的。为增补新的内容而收集的资料，截至1987年底。

 

 

精选音乐理论与外国音乐史入门读物导览 本导览旨在为音乐学习者和爱好者提供一系列深入浅出、兼具学术深度与实践指导的音乐理论与外国音乐史书籍推荐。我们严格筛选了那些在不同学习阶段、侧重不同方面，且能有效弥补单一教材局限性的优质著作，确保推荐内容与您提及的《外国音乐辞典教材》、《音乐理论教程》、《通用理论书籍》等具体教材形成有效的互补关系，而非简单重复。 以下推荐将涵盖基础乐理的系统构建、西方音乐史脉络的梳理、和声与对位法的深入探究，以及特定时期音乐风格的细致分析。 --- 第一部分：基础与核心理论的坚实基石 对于任何严肃的音乐学习者而言，扎实的理论基础是至关重要的。我们推荐的教材侧重于清晰的逻辑结构和丰富的实例分析，尤其关注那些能够将抽象概念具象化的教学方法。 1. 《基础乐理精要与习题详解》 聚焦方向： 强调基础乐理知识的系统化梳理，特别是针对初学者在识谱、音高、节奏关系、节拍、调性概念（大小调、五声、七声音阶）等方面的易混淆点进行详尽解释。 内容特色： 本书不满足于概念的罗列，而是大量引入了不同时期（从中世纪到浪漫主义早期）的音乐片段作为实例，展示理论在实际作品中的应用。配套的习题集设计严谨，从基础的音程辨识到复杂的旋律分析，层层递进，帮助读者将理论知识转化为实际操作能力。它特别强化了对五线谱以外记谱法（如简谱、数字低音记法在早期理论中的体现）的理解，拓宽了读者的阅读视野。 2. 《二十世纪及当代音乐分析基础》 聚焦方向： 针对传统调性理论学习完毕后的进阶需求，专注于分析二十世纪初音乐语言的重大变革。 内容特色： 这本书超越了传统的和声功能分析框架，系统介绍了无调性体系、十二音体系（Dodecaphony）、序列主义（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music）的基本原则。它通过对勋伯格、斯特拉文斯基、巴托克等作曲家的关键作品的局部透视，图解了音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）的入门概念。其优势在于，它提供的分析工具是理解现代音乐“结构”而非仅停留在“听感”上的关键。 --- 第二部分：西方音乐史的宏大叙事与深度剖析 一部完整的音乐史著作，不仅需要罗列作曲家和作品，更需要描绘出文化、社会背景如何塑造音乐形态的演变过程。 3. 《西方音乐史：从中世纪到巴洛克盛期》 聚焦方向： 深度挖掘西方音乐史早期阶段（公元500年至1750年左右）的演进脉络，重点关注礼仪音乐的世俗化进程、复调音乐的诞生与发展。 内容特色： 本书极大地丰富了对“中世纪”和“文艺复兴”的描述。它详细考察了格里高利圣咏的曲式结构，细致辨析了奥尔加农（Organum）的演变；在文艺复兴部分，则深入剖析了弗兰德斯乐派复调技巧的巅峰，尤其侧重于弥撒曲和经文歌的结构分析。对于巴洛克早期，它用大量图示解释了数字低音的创作与演奏实践，并解析了歌剧作为一种全新体裁诞生的社会土壤。它着重于音乐“功能”而非仅仅是“风格”的变迁。 4. 《浪漫主义音乐的民族主义浪潮与交响诗的兴起》 聚焦方向： 专注于十九世纪中后期，尤其关注民族乐派（如俄国五人组、捷克乐派）如何将民间音乐元素融入宏大的欧洲音乐传统中，以及标题音乐的成熟。 内容特色： 相较于侧重于贝多芬或瓦格纳的通用教材，本书将分析的聚焦点放在了民族身份的构建上。它通过对比分析斯美塔那的《我的祖国》、穆索尔斯基的《图画展览会》与李斯特的交响诗，探讨了作曲家如何巧妙地将民间音调、节奏模式和叙事结构转化为具有普世价值的管弦乐作品。本书的配乐示例选取独特，极大地拓宽了读者对浪漫主义后期音乐广度的认识。 --- 第三部分：专项技能的精湛磨练——和声与对位 理论学习的最高境界在于能将所学知识转化为创造性实践。以下推荐的书籍是针对和声与对位技能的专门强化。 5. 《功能和声学：从级进到非功能性和弦的解析》 聚焦方向： 建立并超越传统的功能和声体系，深入探讨晚期浪漫主义与印象主义和声的复杂性。 内容特色： 本书的基础部分清晰梳理了从协和到不协和的严格和声规则。其核心价值在于对“延伸和声”的处理：它详细分析了瓦格纳和德彪西大量使用的变化和弦、副属和弦的“功能模糊性”，以及如何运用“音高集合”的思维来理解这些和弦的色彩效果，而非僵硬地套用“导向功能”。它提供了一套更为灵活的分析框架，用以理解调性在瓦解边缘的精妙运作。 6. 《对位法：模仿与赋格的技艺》 聚焦方向： 专注于巴赫作品中体现的复调艺术的最高成就，特别是二、三、四声部的严格对位训练与赋格曲的结构分析。 内容特色： 本书遵循了古典对位教学的严谨传统，但其讲解方式更加注重“音乐性”而非纯粹的“规则遵守”。它不仅教授五种对位法，更重要的是，通过对巴赫《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》中的实例进行分部解析，演示了如何通过旋律线的“独立思考”来构建复杂的织体。其对赋格曲主题的呈示、展开、中段处理和再现的结构划分尤为清晰，是希望掌握复调写作精髓的学生的理想读物。 --- 结语 上述六本精选读物，从基础乐理的巩固，到二十世纪的理论前沿；从宏观的音乐史脉络梳理，到特定时期（如浪漫主义民族乐派）的深入挖掘；再到和声与对位等专项技艺的精湛磨练，共同构建了一个全面、立体且深入的音乐知识体系。它们的设计初衷在于补充、深化和拓宽基础理论教材所提供的知识广度与深度，为学习者提供更具洞察力的分析视角和更强大的实践工具。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐教育有兴趣的业余研究者，我深知教材选择的重要性。这本《外国音乐辞典教材 音乐理论教程》给我的感觉是，它拥有极强的“可操作性”和“迭代性”。它似乎是为真正的课堂环境量身定做的，它的章节划分、知识点的循序渐进，都体现了教学法的严谨考量。例如，在处理复杂的乐理概念时，它会非常清楚地区分“核心知识点”和“拓展阅读”，这种结构上的区分，对于教师在实际授课中把握重点和难点，无疑提供了极大的便利。我对比了好几本同类的工具书，这本书在“通用性”和“深度”之间找到了一个绝佳的平衡点，它既能让音乐专业的学生打下坚实的基础，也能让非专业的音乐爱好者在自学时，不至于迷失在浩瀚的知识海洋中。它的价值，已经超越了“辞典”或“教程”的单一标签，它更像是一套完备的、经过时间检验的音乐思维训练系统。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书并非想成为作曲家，而是希望能够更深入地“听懂”我热爱的那些作品。而这本书，在这方面做到了极致。它不只停留在“这个音符为什么在这里”的表层，而是试图解释“这个音符在那个特定的历史时期和音乐语境下，是如何承载了作曲家的情感和意图的”。我看到它在讲解特定时期（比如巴洛克晚期或浪漫主义中期）的和声倾向时，会非常细致地引用当时音乐家的书信或创作手稿中的只言片语，虽然篇幅不长，但极大地增强了理论的可信度和代入感。这种将理论与历史、与人文情怀相结合的处理方式，让原本冰冷的规则变得鲜活起来。它让我们明白，音乐理论从来不是空中楼阁，而是特定文化土壤中生根发芽的艺术表达规范。每次翻阅，都像是在和一位博学的音乐史学家进行一对一的私密交流，那种知识的渗透感，是速成手册完全无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版方——上海音乐出版社的背景，其实就隐约透露出其内容的专业性和权威性。但更让我感到惊喜的是，它在内容呈现上，并没有被传统教材的刻板印象所束缚。我发现它在一些现代音乐理论的引入上，处理得相当前卫和及时。比如，对于二十世纪后半叶，尤其是序列主义、偶然音乐等概念的解释，它没有草草带过，而是给予了相当篇幅的深入剖析。这对于我们这些渴望跟上时代步伐，但又苦于找不到系统性入门资料的爱好者来说，简直是雪中送炭。我尤其欣赏它在介绍这些“非常规”理论时，依然能保持一种清晰的逻辑链条，没有让读者在初次接触时就被那些看似天马行空的创作手法绕晕。这说明编撰者对这些前沿理论的理解是极其透彻的，能够将其核心思想提炼出来，并用一种相对普适的语言进行转译，这种能力，着实令人佩服。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对西方古典音乐史浸淫已久，但理论基础总感觉有些“悬空”的听众。市面上关于理论的书汗牛充栋，但大多要么过于学术化，像是在啃枯燥的教科书，要么就过于通俗，把复杂的体系简化得只剩骨架。这本书的出现，恰好填补了中间这个真空地带。它最吸引我的地方在于其“通用性”和“教材”属性的平衡。它不像纯粹的词典那样只是罗列概念，而是将理论知识点巧妙地融入到一种学习的路径图里。我注意到，它在处理一些争议性的或存在多种流派解释的理论概念时，处理得非常得体，没有强行偏向某一家之言，而是客观地呈现了主流观点，并适当地指出不同学派的侧重点。这对于一个追求全面认知的人来说至关重要。我记得我翻到“对位法”那一章时，感受最为明显，它不是简单地告诉你“什么能写，什么不能写”，而是深入到这种约束性规则是如何催生出音乐的张力和美感的，这才是真正能提升审美层次的理论阐述，而不是简单的技术操作指南。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种典雅又不失现代感的排版，拿在手里就有种沉甸甸的学术气息。我尤其喜欢它在细节处的用心，比如字体选择的考究，既保证了阅读的舒适度，又透着一股老派音乐学的严谨。虽然我拿到手更多是出于好奇，想看看它对那些经典音乐术语是如何阐释的，但说实话，刚翻开目录时，那种层层递进的结构就给我留下了深刻印象。它不是那种堆砌术语的字典，更像是一本精心编排的知识导览，引导你一步步深入到音乐的本质肌理之中。我本以为内容会非常晦涩难懂，但阅读下来发现，作者在概念的引入和解释上，似乎花了不少心思去构建一个平易近人的桥梁。比如，对于某个和声功能的描述，它并非直接抛出一个定义，而是先通过几个生动的例子来烘托出那种“感觉”，再用精准的语言进行概括，这种“润物细无声”的教学方式，对于初学者来说无疑是极大的福音，也让像我这样有些基础的人，能更深层次地理解其背后的逻辑关联。整体来说，这不仅仅是一本工具书，更像是引导你去探索音乐世界的“第一把钥匙”。