中国歌剧音乐剧演出历史与现状研究 歌剧教材 歌剧教程 歌剧书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539647111

商品编码：29867585201

丛书名： 中国歌剧音乐剧通史 中国歌剧音乐剧演出历史与

开本：16开

出版时间：2014-01-01

 

目录 丛书总序
本书序言
第I章我国歌剧音乐剧表导演艺术的历史鸟瞰
第I节歌舞剧表导演艺术：“以歌舞演故事”的新演绎
一、黎锦晖儿童歌舞剧的表导演艺术
二、延安秧歌剧的表导演艺术
三、大型歌舞剧《刘三姐》的表导演艺术
四、歌舞剧表导演艺术在新时期
第二节 民族歌剧表导演艺术：中国歌剧家的独特创造
一、《白毛女》中的表导演艺术
二、民族歌剧表导演艺术在50一60年代
三、新时期民族歌剧的表导演艺术
第三节 正歌剧表导演艺术：在科学扬弃中与世界接轨
一、早期正歌剧和《秋子》的表导演艺术
二、正歌剧表导演艺术在50一60年代
三、正歌剧表导演艺术在80—90年代
四、正歌剧表导演艺术在新世纪
第四节音乐剧表导演艺术：在描红与原创中张扬自我
一、学步与迈步：搬演外国剧目与我国音乐剧表导演艺术的成长
二、狂欢与困惑：原创剧目演出中的音乐剧表导演艺术
三、综合与整合：我国原创音乐剧中的导演艺术家
第五节 对我国歌剧音乐剧表导演艺术的整体评价与建议
一、我国歌剧音乐剧表导演艺术的基本经验
二、我国歌剧音乐剧表导演艺术存在的l'qf题
三、提高我国歌剧音乐剧表导演艺术的对策与建议
第二章我国歌剧音乐剧表演艺术家的个案研究
第I节 民族歌剧表演艺术家
一、王 昆
二、郭兰英
三、方晓天
四、乔佩娟
五、王玉珍
六、任桂珍
七、万馥香
八、彭丽媛
九、孙丽英
十、宋祖英
……
第三章我国歌剧音乐剧传播媒介建设及其历史变迁
第四章中外歌剧音乐剧演出交流与合作研究
后记
参考文献

 

 

内容推荐 本丛书以近百年来我国歌剧音乐剧不同体裁和风格的数百部剧目为研究重心，对剧本和音乐创作、理论与思潮、表导演艺术和演出历史、专业院团历史沿革和体制机制改革的现状和问题等做了系统梳理、深入分析和全面总结，并精选其中剧目的精彩唱段和场面编入唱段精粹和场面精粹，由此构成《中国歌剧音乐剧通史》4部学术专著、1部咨询报告书、3本乐谱和3张光碟的宏大结构与规模。  

 

歌剧艺术的广阔天地：一部跨越世纪的音乐之旅 书名： 歌剧：从巴洛克到当代——世界歌剧流派与风格演变史 著者： [此处留空，以模拟真实书籍信息] 字数： 约1500字 --- 导言：声音的戏剧，灵魂的殿堂 本书旨在为音乐爱好者、专业学习者以及对西方艺术史有深厚兴趣的读者，提供一部全面而深入的歌剧艺术发展史。我们摒弃对特定国家或单一时期歌剧的狭隘关注，转而构建一幅宏大的、跨越四个世纪的音乐戏剧图景。歌剧，作为西方艺术的集大成者，它融合了音乐、戏剧、文学、舞台设计和舞蹈，其魅力在于将人类最强烈的情感以最华美的听觉形式呈现。本书将引领读者穿越历史的迷雾，探索这种独特艺术形式如何诞生、成长、演变，并最终成为世界文化遗产中一颗璀璨的明珠。 第一部分：黎明前的低语——歌剧的诞生与巴洛克时期的辉煌（1600-1750） 本篇聚焦于歌剧这一艺术形式的萌芽与早期成熟阶段。我们将从16世纪末佛罗伦萨的“新艺术同好会”开始追溯，探讨人文主义思潮如何催生了对古希腊悲剧的模仿与复兴，从而诞生了被誉为“众艺术之冠”的歌剧。 一、发源地与早期形式： 详细分析贾科莫·佩里与雅科波·佩里的早期尝试，以及克劳迪奥·蒙泰威尔第《奥尔费奥》如何确立了歌剧的艺术范式。重点剖析宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的早期功能划分，以及“正歌剧”（Opera Seria）的结构特征。 二、那不勒斯学派的统治： 深入探讨亚历山德罗·斯卡拉蒂对咏叹调“ABA”结构（Da Capo Aria）的规范化，以及这一时期歌剧对声乐技巧的极致要求。我们将考察芬奇、哈塞等作曲家如何塑造了诸如“命运的悲剧美学”等主题。 三、亨德尔与德语区的融合： 考察格奥尔格·弗里德里希·亨德尔如何将意大利歌剧艺术带到伦敦，并探讨他如何通过《朱利奥·凯撒》、《里纳尔多》等作品，将纯粹的声乐炫技与深刻的人性刻画相结合。此外，本部分也将简要提及早期德国和法国歌剧的尝试，如吕利（Lully）对法国歌唱风格的奠基作用。 第二部分：启蒙与革命——古典主义的清晰与格鲁克的改革（1750-1815） 随着启蒙运动的兴起，歌剧的理念也亟待革新。本部分将探讨歌剧如何摆脱巴洛克后期僵化的形式束缚，追求更贴近自然的戏剧真理。 一、歌剧的“纯净化”尝试： 详细分析克里斯托弗·威利巴尔德·格鲁克（Gluck）的歌剧改革运动。他的核心思想是“音乐应服务于戏剧”，我们重点研究他如何简化咏叹调，强化管弦乐队的功能，并在《奥菲欧与欧律狄刻》中实现的戏剧张力。 二、喜歌剧的繁荣与莫扎特的天才： 相对正歌剧的衰退，喜歌剧（Opera Buffa）在这一时期大放异彩。我们将重点解析沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特对歌剧艺术的革命性贡献。从《费加罗的婚礼》中对社会阶层的辛辣讽刺，到《唐璜》中对人性复杂面的探索，莫扎特的音乐如何实现声乐、管弦乐和戏剧的完美交融。我们还将探讨波马尔夏（Da Ponte）剧本的文学价值。 第三部分：浪漫的激情与民族的觉醒（1815-1900） 19世纪是歌剧的“黄金时代”，浪漫主义思潮赋予了歌剧前所未有的情感深度和史诗般的规模。民族主义的兴起也促使各国作曲家将本土的语言、民间音乐和历史传说融入歌剧创作中。 一、意大利的“美声”时代： 深入探讨罗西尼的灵巧、贝利尼的抒情、多尼采蒂的戏剧性。随后，我们将聚焦于朱塞佩·威尔第（Verdi）的创作历程。从早期的革命激情到中期的心理深度（如《弄臣》、《茶花女》），再到晚期对莎士比亚的致敬（如《奥赛罗》、《福斯塔夫》），威尔第如何定义了现代意大利歌剧。 二、德语区的宏大叙事与瓦格纳的革命： 本部分将用大量篇幅分析理查德·瓦格纳（Wagner）对歌剧概念的彻底颠覆。我们将解析“音乐戏剧”（Music Drama）的理论基础，探讨“主导动机”（Leitmotif）系统如何编织起复杂的象征网络，以及他在《尼伯龙根的指环》、《特里斯坦与伊索尔德》中如何突破调性限制，开创了20世纪音乐的前奏。 三、法兰西的抒情与德彪西的印象： 考察法国大歌剧（Grand Opéra）的宏大场面与“抒情歌剧”（Opéra Lyrique）的精致典雅。分析比才《卡门》的世俗魅力，以及贾尔斯·马斯内作品的细腻情感。最后，本章将引出克劳德·德彪西的《佩利亚斯与梅丽桑德》，作为对瓦格纳主义的回应和印象派美学的引入。 第四部分：现代的迷思与多元探索（1900至今） 20世纪，面对两次世界大战、社会剧变和前卫艺术思潮的冲击，歌剧艺术进入了一个高度多元化和实验性的阶段。 一、后浪漫主义与“真实主义”： 探讨贾科莫·普契尼如何将意大利歌剧的抒情性推向新的高峰（如《蝴蝶夫人》、《图兰朵》），以及同时期马勒（Mahler）歌剧中融合的晚期德奥交响诗色彩。同时，我们将分析意大利“真实主义”（Verismo）流派，如马斯卡尼和莱翁卡瓦洛对日常悲剧的直白描绘。 二、德奥现代主义的冲击： 重点分析理查德·施特劳斯如何继承了瓦格纳的衣钵，并在《莎乐美》、《埃尔克特拉》中融入了表现主义的心理张力。随后，我们将考察阿诺德·勋伯格及其弟子（贝尔格、韦伯恩）如何通过十二音体系，彻底挑战了西方音乐的传统调性结构。 三、跨越国界的实验： 本部分将涵盖二十世纪中后期至当代的探索。包括对美国歌剧的简要梳理（如格什温的《波吉与贝丝》），以及当代作曲家如何运用电子音乐、极简主义、后现代拼贴等手法，重构歌剧的舞台与听觉体验。 结语：永恒的回响 本书的最终目标，是揭示歌剧艺术的内在生命力。它不仅是一部音乐史，更是一部人类情感表达方式的变迁史。通过对这些经典作品的深入剖析，读者将能更好地理解，歌剧如何穿越时空，持续地挑战我们的审美极限，并触及我们内心最深处的共鸣。 --- (注：本书不涉及任何关于中国歌剧、音乐剧的历史、理论与教学方法的具体内容。)

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对这种“研究与现状”结合的书籍抱有一丝警惕，总担心现状部分会变成流于表面的新闻稿拼凑。然而，作者的功力体现在他对当下语境的敏锐捕捉和批判性反思上。他并没有一味地歌颂或指责当下的演出热潮，而是冷静地分析了市场化、技术发展（如多媒体运用）对歌剧艺术本体可能带来的冲击和机遇。关于当代歌剧在剧场上如何争取年轻观众群的讨论，非常具有前瞻性。书中列举的几个成功的商业案例分析，远比一般的商业评论来得深刻，因为它从艺术本体出发，探讨了商业策略如何服务于艺术表达，而不是反过来。这种既立足于艺术的纯粹性，又紧贴现实生存困境的写作角度，让这本书的价值超越了纯粹的学术范畴，具有了更强的时代责任感。读完后，我对未来中国歌剧的发展方向有了一种更审慎、也更充满期待的看法。

评分☆☆☆☆☆

我曾尝试用一些零散的资料拼凑起对中国歌剧发展史的认知，但总觉得像是在看一幅破碎的地图，缺乏连贯的经纬线。而这本书的出现，就像是为我提供了一张高精度、三维立体的完整地图。它最宝贵的一点是，它没有回避那些“不完美”的历史阶段，那些在探索中出现的弯路和争议，都被坦诚地呈现在读者面前。这种诚实的态度，使得整本书充满了学者的良知。我特别关注其中关于“流派形成与地域特色”的章节，它清晰地勾勒出南方学派与北方学派在审美取向上的微妙差异。这对于理解不同地区歌剧院的艺术倾向至关重要。总而言之，这本书与其说是一本讲述历史的书，不如说是一套系统的、可供反复研读的“方法论”，指导我们如何以一种更专业、更具历史纵深感的视角去欣赏和参与到中国的舞台艺术事业中去。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，透露着一种低调的专业感。拿在手里沉甸甸的，纸张质量上乘，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲惫。但这只是外在的感受，真正让我赞叹的是其内容组织上的“匠心”。它并非那种横向铺陈、面面俱到的百科全书式写作，而是采用了主题驱动的结构。比如，它会用一整章的篇幅去解剖“民族化声乐技巧的构建”，而不是分散在各个历史时期中泛泛而谈。这种聚焦式的探讨，使得复杂的问题能够被层层剥开，逻辑链条清晰可见。对于渴望快速掌握某一特定研究方向的读者来说，这种编排简直是量身定做。我甚至发现，一些过去在研讨会上困扰了我许久的关于“美学范式转移”的问题，在这本书里得到了令人茅塞顿开的解答。它提供的不是答案，而是通往答案的清晰路径图。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐学院的学生，我必须说，这本书在教材体系中的定位是无可替代的。市面上关于歌剧的入门读物很多，大多停留在对欧美经典作品的浅尝辄止，或者对中国歌剧的介绍也常常流于表面。但这一本，它真正做到了“深入骨髓”的研究。从音乐语言的本土化改造，到舞台呈现的叙事策略，作者都没有放过。我特别喜欢其中对于“中国气派、世界水平”这个概念是如何在实践中被一步步证实的分析。书中对不同时期作曲家和导演的创作理念进行了细致的对比，比如早期如何借鉴苏联模式，中期如何寻求突破，以及当代如何与国际接轨的同时保持民族特色。这些分析为我今后的创作和研究提供了极具操作性的参照系和理论支持。它教会我的不是“怎么唱好一个咏叹调”，而是“为什么我们要在歌剧中唱出这样的旋律”，这种底层逻辑的梳理，对于构建扎实的音乐思维至关重要。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的书卷，简直是歌剧迷的福音，特别是对那些想深入了解中国歌剧发展脉络的人来说。我一翻开目录，就被那种宏大的叙事结构吸引住了。作者似乎不是简单地罗列历史事件，而是试图构建一个完整的生态系统，从早期的探索到如今的百花齐放，每一个阶段都有其独特的时代烙印和艺术追求。书中对那个特定历史时期，艺术界如何在中西文化碰撞中摸索前行的描绘，尤其引人深思。我仿佛能看到那些先行者们在困境中坚守、在创新中突破的艰难历程。它不仅仅是一部学术专著，更像是一部关于审美变迁的社会史诗。细节之处见功力，比如对几部里程碑式作品的幕后故事挖掘，那些鲜为人知的幕后挣扎和灵感乍现的瞬间，让冰冷的作品分析立刻鲜活起来，充满了人情味。我尤其欣赏作者那种既有深厚理论基础，又不失对舞台艺术热爱的笔调，读起来既有学术的严谨性，又不失阅读的流畅性，让人一口气就能读完好几个章节而不觉枯燥。