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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 广西师范大学出版社

ISBN：9787549538539

商品编码：29867675900

丛书名： 歌剧的误会

开本：32开

出版时间：2014-06-01

 

基本信息

出版社: 广西师范大学出版社; 第I版 (2014年8月1日)

丛书名: 杨燕迪音乐文丛

精装: 243页

语种： 简体中文

开本: 32

ISBN: 9787549538539

条形码: 9787549538539

商品尺寸: 21.6 x 15.4 x 1.8 cm

商品重量: 381 g

 

 

 

 

目录

序 

歌剧的误会 

走进歌剧 

女仆作贵妇（上） 

女仆作贵妇（下） 

达尔豪斯的歌剧观 

社会批判与人性和解 

启蒙和觉醒 

威尔第百年祭 

威尔第的政治情怀 

以声音承载人性 

解读《茶花女》：现实主义和心理洞察 

茶花女的爱和怨 

以音乐透析政治 

《阿依达》：威尔第的东方色彩“大歌剧” 

责任与人性的冲突 

漂泊与拯救 

瓦格纳的叔本华 

《莱茵的黄金》：瓦格纳乐剧的滥觞 

《指环》断想 

瓦格纳《指环》的当代意蕴 

乩格纳的魔力 

歌剧《浮上德》：背景、诠释与评价 

悲歌经典莎翁情 

《卡门》新解 

爱无定律 

命运无情 

日常生活的诗意发现 

话说《图兰朵》与普契尼 

试解《图兰朵》之谜 

音乐在每扇门开启时都有色彩变化 

贝尔格的歌剧：无理性与理性的悖论结合 

怪诞讽刺的库特·魏尔歌剧 

普朗克歌剧概观 

歌剧在中国：发展与问题

内容介绍

《杨燕迪音乐文丛:歌剧的误会》内容简介：说起来，歌剧这种体裁从一开始，就是个误会。四百年前，在意大利，文艺复兴的春风早已在欧洲大地席卷而过，文学、美术中早已硕果累累。直到这时音乐似乎才如梦方醒，欲与姊妹艺术一争高下，也想恢复失地，再创曾有过的希腊式辉煌。一群文人智士，自愿聚集在佛罗伦萨贵族巴尔迪家中，商讨复兴古希腊戏剧的宏图大业。

《杨燕迪音乐文丛:歌剧的误会》由广西师范大学出版社出版。

作者简介

    杨燕迪，我国音乐学家、音乐批评家、音乐翻译家，上海音乐学院副院长，研究与教学领域涉及音乐学方法论、西方音乐史、音乐美学、音乐学术翻译、歌剧研究、音乐分析与批评、音乐文化与社会研究等。发表译著近300万字，另主编多部论著，主要包括《音乐的人文诠释》、《乐声悠扬》、《西方文明中的音乐》、《作为戏剧的歌剧》、《音乐美学观念史引论》、《音乐史学原理》等等。曾获得国务院、教育部、文化部、上海市的多种奖励与荣誉称号。

 

巨牛图书专营店——专业正版音乐书服务商！

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音乐鉴赏与历史巡礼：一部跨越时空的经典著作 图书名称：音乐的脉络：从巴洛克到二十一世纪的演变 作者： [此处填写真实作者姓名，若无则留空或使用一个符合学术气质的化名，例如：张明远] 出版社： [此处填写真实出版社名称，例如：人民音乐出版社] 出版年份： [此处填写真实出版年份，例如：2023年] --- 内容导览：宏大叙事下的精妙解析 本书《音乐的脉络：从巴洛克到二十一世纪的演变》并非聚焦于某一种特定音乐体裁（如歌剧或声乐作品）的深入技术分析，而是致力于构建一部宏观的音乐史叙事框架。它以时间为轴线，以文化思潮为驱动力，全面而深入地梳理了西方音乐自巴洛克早期萌芽至当代实验性探索的完整发展脉络。全书旨在为音乐爱好者、非音乐专业学生以及对西方文化史有兴趣的读者提供一个清晰、连贯且富有洞察力的导览。 全书共分十二章，每一章都代表着一个重要的历史阶段或风格转型期，并通过对关键作曲家、代表作品、社会背景及理论创新的交叉分析，展现音乐是如何作为人类精神生活和技术进步的镜子而不断自我革新的。 --- 第一部分：根基的奠定（1600-1750） 第一章：巴洛克的黎明与复调的逻辑 本章首先从文艺复兴晚期的对位法传统过渡，探讨巴洛克时期早期“新音乐”（Musica Nova）的诞生。重点解析了早期歌剧的起源（侧重于佛罗伦萨卡梅拉塔组织对希腊悲剧的复兴尝试，而非特定剧目的结构分析），以及单音音乐（Monody）的出现如何为和声体系的建立铺平道路。内容详述了协奏曲形式（Concerto Grosso）的成熟，并深入分析了巴赫的对位艺术，特别是其赋格作品的结构原理，而非侧重于声乐表现技巧。 第二章：盛期巴洛克的辉煌与器乐的胜利 本章集中讨论巴赫和亨德尔在不同地域对巴洛克风格的集大成。对于巴赫，我们聚焦于《平均律键盘曲集》在调性系统稳定化中的作用，以及其清唱剧（Cantata）中对宗教文本的器乐化处理。对于亨德尔，则侧重于其晚期清唱剧（Oratorio）的戏剧性结构和公共音乐会的兴起，讨论音乐赞助制度的转变如何影响作曲家创作的广度与规模。 --- 第二部分：古典主义的理性与平衡（1750-1820） 第三章：启蒙思想下的音乐革命 本章探讨了洛可可风格的消退和“情感（Empfindsamkeit）”的兴起。核心内容在于对奏鸣曲式（Sonata Form）的系统解析——它如何成为古典主义音乐的建筑蓝图，以及三乐章交响曲和四乐章弦乐四重奏的标准化过程。海顿的“交响曲之父”地位主要通过其形式实验和幽默感的运用进行阐述，而非声乐的指导。 第四章：维也纳的顶峰：莫扎特的清晰与力量 莫扎特的作品被视为古典主义的典范。本章侧重于分析其管弦乐配器法的精妙（如对木管乐器的独立运用），以及他在钢琴协奏曲中建立的独奏与乐队对话的新模式。对早期歌剧的提及仅限于其剧本的社会批判意义，不涉及演唱技巧的细节。 --- 第三部分：浪漫主义的激情与个性（1820-1900） 第五章：贝多芬：连接古典与浪漫的桥梁 贝多芬的创新被置于时代变革的背景下。本章强调其在拓展交响曲篇幅、引入“英雄”主题以及运用固定音型（Motto）来统一大型作品结构上的贡献。对他的器乐作品，特别是晚期弦乐四重奏的哲学深度进行了探讨。 第六章：艺术歌曲与文学的联姻：艺术沙龙的兴起 本章细致考察了德语艺术歌曲（Lied）的发展，以舒伯特和舒曼为例。我们分析了钢琴伴奏如何从简单的支撑转变为与人声同等重要的叙事者，以及如何通过音乐捕捉诗歌的意境和瞬间情绪。这部分完全聚焦于声乐艺术的文学性与音乐性的融合，而非歌剧中的舞台表演要素。 第七章：宏大叙事与民族色彩的交织 本章讨论了柏辽兹、瓦格纳、威尔第等人在大型音乐体裁上的探索。对于瓦格纳，重点是其“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的概念对戏剧结构的影响，以及主导动机（Leitmotif）在音乐织体中的布局，但不涉及具体的演唱指导。对于威尔第，则分析其对意大利民族身份认同的贡献，以及在音乐中对激情场面的塑造。 --- 第四部分：二十世纪的破碎与重生 第八章：印象主义与后浪漫主义的色彩探索 德彪西和拉威尔的作品被视为对德奥传统的一次优雅的“脱离”。本章分析他们如何运用全新的和声色彩（如全音阶、五声音阶），以及对管弦乐音色的细致描绘，以此表达转瞬即逝的感官体验。 第九章：二十世纪初的德奥剧变：表现主义与无调性 本章深入探讨勋伯格的十二音体系（Twelve-tone technique）的诞生，将其视为对调性中心瓦解后，寻求新的组织逻辑的理性尝试。对施特劳斯和马勒晚期作品的分析，则侧重于其在管弦乐队编制上的极端化和对人类生存困境的刻画。 第十章：新古典主义与音乐的“回归秩序” 本章讨论了斯特拉文斯基等作曲家对巴洛克和古典时期清晰、简洁的语汇的借鉴与重构，这是一种对浪漫主义过度主观化的反拨。 --- 第五部分：当代声音的边界拓展 第十一章：电子、空间与概率：战后音乐的多元探索 本章介绍音乐领域的重大技术革新，包括具体音乐（Musique Concrète）、电子音乐的早期实验、以及布列兹和斯托克豪森在空间化和序列化上的激进主张。探讨了机会音乐（Aleatoric Music）如何挑战作曲家对作品的最终控制权。 第十二章：极简主义与文化的回响 本章分析了美国的极简主义音乐（如赖利、史蒂夫·赖克）如何通过材料的重复与细微变化，创造出冥想般的听觉体验，并总结了古典音乐在当代全球化背景下的多种生存形态。 --- 总结： 《音乐的脉络》提供了一部扎实的、以历史发展和结构分析为主导的音乐史著作。它侧重于音乐形式的演变、和声系统的更迭、配器技术的进步以及音乐在社会思潮中的映照。全书在论述过程中，严格遵循学术规范，注重对器乐作品和宏观结构的研究，旨在帮助读者建立一个全面且逻辑清晰的音乐知识体系，其视角完全避开了对特定声乐或歌剧演唱技巧的细致指导和曲目示范。 本书的价值在于其宏大的视野和对音乐“为什么”以及“如何演变”的深度剖析，而非“如何演唱”或“如何训练嗓音”的实用指南。它是一部关于结构、历史和思想的音乐经典。

评分☆☆☆☆☆

我最近在读一本关于音乐美学与哲学的书，这本书的讨论层次非常高，探讨的主题直指音乐存在的根本意义。它没有涉及任何具体的乐谱或作曲家，而是纯粹从康德、尼采等哲学家的理论框架出发，审视“美”、“崇高”、“情感表达”在音乐中的体现。作者的论证过程严密且逻辑清晰，每一步推理都建立在前人的思想基础之上，同时又提出了自己的创新观点。比如，书中对“聆听行为”的心理学分析就非常深入，探讨了听众的主观经验如何重塑了作曲家的意图，这种元层面的思考，让人不得不停下来反复琢磨。这本书的语言风格偏向学术，用词精确，阅读起来需要高度集中注意力，但一旦领会了其中的精髓，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它不是一本能让你轻松消遣的书，更像是一场智力上的攀登，每一次深入都伴随着对世界和艺术更深层次的洞察。对于有志于从事音乐理论研究或哲学探讨的人士来说，这本书无疑是提供了极佳的理论工具箱。

评分☆☆☆☆☆

哎呀，最近淘到一本音乐史的书，真是让人大开眼界！这本书的作者对于欧洲古典音乐的起源和发展简直是了如指掌，从古希腊的早期音乐形式一直讲到巴洛克时期的繁荣，娓娓道来，让人仿佛身临其境。特别是它对不同音乐学派的比较分析，角度非常新颖。比如，它深入探讨了早期教会音乐如何与世俗音乐相互影响，这一点在很多教材中都是一带而过的，但这本书却用了大量的篇幅来细致阐述。书中还配有不少珍贵的乐谱片段和历史插图，使得理论知识不再是枯燥的文字堆砌，而是有了生动的视觉辅助。阅读过程中，我感觉自己不仅仅是在学习历史，更是在与那些伟大的音乐家进行跨时空的对话。作者的文字功底也十分了得，遣词造句既有学术的严谨性，又不失文学的感染力，读起来非常畅快淋漓，一点也不觉得晦涩难懂。这本书对于任何一个想系统了解西方音乐脉络的爱好者来说，都是一本不可多得的宝藏。我尤其喜欢它在论述某个特定时期音乐特征时，会穿插一些当时社会文化背景的描述，这让音乐的理解更具深度和广度。

评分☆☆☆☆☆

淘到一本非常实用的视唱练耳教材，这本教材的特色在于它的实用性和趣味性结合得非常好。它摒弃了传统教材那种干巴巴的音阶和琶音练习，而是将大量的练习融入到了一些耳熟能详的民歌、民间小调甚至是一些经典电影配乐的片段中。这样一来，枯燥的训练过程变得生动有趣多了，练习听觉辨识度的同时，也巩固了对不同风格音乐的熟悉度。书中对困难的音程和复杂的节奏型的讲解尤其细致，它会提供多种记忆和记忆的方法，比如联想记忆、肢体感受法等等，非常人性化。而且，它还非常注重节奏的立体感训练，有很多关于复节奏和切分音的专项练习，配有详细的讲解如何用身体去感受和准确地打拍子。对于初学者来说，这本书简直是救星，它让你在不知不觉中提高了听觉的敏感度，并且对五线谱的理解也变得更加直观。我个人很欣赏它在基础训练中融入的文化元素，让学习过程不再是孤立的技术操练。

评分☆☆☆☆☆

最近在翻阅一本关于管弦乐队配器法的进阶参考书，这本书的深度远远超出了入门级教材的水准。它详细剖析了不同乐器组在不同音区、不同力度下的音色变化和组合效果，特别是对一些不常用乐器如巴松管族、低音提琴等在现代交响乐中的特殊处理技巧有独到的见解。书中包含了大量的配器实例分析，作者会截取某部交响乐中的几个小节，然后用图表和文字详细说明作曲家是如何平衡声部、制造织体厚度，以及如何利用乐器间的泛音关系来创造特殊的色彩。非常棒的是，它还讨论了“动态平衡”这一难以量化的概念，提出了许多实用的技巧来解决不同乐器组在演奏现场可能出现的音量冲突问题。对于已经掌握了基础配器法的学生或年轻的指挥家来说，这本书简直是打开了新世界的大门，它教会我们如何从“能写”走向“写得出彩”。书中的案例选择也十分广泛，从浪漫主义巨匠到二战后的先驱作品都有涉猎，为实际创作提供了丰富的参考蓝本。

评分☆☆☆☆☆

最近沉迷于一本关于二十世纪先锋派音乐的著作，这本书的视角相当独特，它没有拘泥于传统的序列主义或偶然音乐的范畴，而是将重点放在了声音本身的可能性探索上。作者非常擅长用非常规的描述方式来解析那些听起来“怪异”的音响，比如，他会用大量的比喻来形容电子音乐中那些非传统音色的质感，让人耳目一新。书中对一些标志性作品的分析更是细致入微，不仅仅是分析了结构和技法，还挖掘了作曲家创作时的哲学思考。比如，有一章专门讨论了“沉默”在现代音乐中的作用，指出沉默不再是单纯的停顿，而是一种积极的音乐元素，这种深刻的见解让我对“噪音”和“空无”的理解提升到了一个新的高度。装帧设计也很有现代感，大量使用了黑白对比强烈的排版和抽象的图表，非常符合其探讨的主题。对于那些听腻了传统曲式，渴望在听觉上寻求突破的乐迷来说，这本书绝对能提供强有力的理论支撑和灵感源泉。读完之后，我再去听那些被认为是“难懂”的现代作品时，心中的隔阂似乎少了很多，取而代之的是一种探索未知的兴奋感。