音乐基础知识·视唱练习教程(初级)(附光盘)音乐等级考试辅导教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 清华大学出版社

ISBN：9787302397403

商品编码：29867719241

丛书名： 音乐基础知识视唱练习教程(附光盘初级全国音乐

出版时间：2015-05-01

目录

第I课  基础小常识

第二课  无调号高低音谱号的四分音符及二分音符节奏型视唱练习

第三课  附点二分音符与八分音符结合的节奏型视唱练习

第四课  十六分音符与八分音符结合的节奏型视唱练习

第五课  前八后十六与前十六后八节奏型视唱练习

第六课  附点四分音符与附点八分音符的节奏型视唱练习

第七课  切分节奏型视唱练习

第八课  变化的切分节奏型视唱练习

第九课  3/4、3/8、6/8拍视唱练习

第十课  弱起的视唱练习

第十一课  综合节奏有变化音的视唱练习

第十二课  一个升号调的视唱练习

第十三课  一个降号调的视唱练习

第十四课  两个升号调的视唱练习

第十五课  两个降号调的视唱练习

内容简介

    黄丽丽编著的《音乐基础知识视唱练习教程（初级）》是根据我国音乐等级考试（初级）的考核要求，针对性地编写的补充性辅导教材。从视唱练习的角度，对考生进行更全面、更深入的辅导与训练，以便使其更牢固地掌握基础知识，顺利通过考核。

    视唱练耳是学音乐中必须掌握的技能，不管是学声乐还是器乐，它都是提高音乐素质所不可或缺的。本针对考试而编写，却又跳出考试的框架，拓宽读者的见识，使其掌握更多的音乐基础常识。

好的，这是一份针对一本假设的、名为《音乐理论进阶：和声与曲式分析》的图书的详细简介。请注意，这份简介旨在不包含您提供的原书《音乐基础知识·视唱练习教程(初级)(附光盘)》中的任何内容（如初级基础知识、视唱练习等），而是聚焦于更深入的、针对中高级学习者的音乐分析主题。 --- 《音乐理论进阶：和声与曲式分析》 一部全面深入的音乐语言解析之作 本书旨在为已掌握基础乐理知识，并希望深入探究西方音乐传统核心机制的学习者、演奏家及作曲爱好者提供一套系统、严谨的进阶理论指南。我们避开初级教材中关于音符、节奏、拍号的基础辨识，直接切入音乐分析的精髓：和声的逻辑演进与曲式的内在结构。 第一部分：功能和声的深度剖析（Advanced Functional Harmony） 本部分将传统调性体系的和声分析提升至一个新的层次，不再满足于识别三和弦与七和弦，而是着重探讨和声在不同历史时期和风格中的动态变化与功能扩展。 第一章：调性体系的扩展与色彩 详细阐述了副属和弦（Secondary Dominants）在复杂乐句中的功能性应用，并深入解析了导向和弦（Leading Tone Chords），包括弗里吉亚、利第亚等不同调式色彩的和弦如何被巧妙地融入到大调与小调的进行中，以增加和声的张力与色彩变化。 第二章：半音和声的结构与作用 聚焦于减七和弦（Diminished Seventh Chords）的结构对称性、充当转调枢纽的角色，以及它在浪漫主义音乐中制造极端紧张感和模糊调性中心的应用。同时，详尽分析了增三和弦（Augmented Triads）在特定乐段中的功能，尤其是在表现不安或梦幻氛围时的效力。 第三章：远关系和声与调性模糊 深入探讨了等音现象（Enharmonic Equivalents）如何导致远关系和弦的出现。重点分析了浪漫主义后期作曲家（如李斯特、瓦格纳）如何使用等音转换实现不显眼的转调，以及增六和弦（Augmented Sixth Chords，包括意大利式、德国式、法国式）在功能和声语境下，作为强烈的导向和弦向主音或副属音回归的机制。本书详细解析了这些和弦的构成逻辑，而非仅仅罗列其指法。 第四章：特定风格的和声语汇 本章超越了古典时期的范畴，引入了对特定音乐时期和声手法的研究： 印象主义的和声色彩： 分析了德彪西、拉威尔如何运用全音阶（Whole-Tone Scales）、五声音阶（Pentatonic Scales）以及九和弦、十一和弦、十三和弦（非功能性而是色彩性的堆叠）来瓦解传统功能和声的束缚。 早期无调性尝试： 简要介绍荀伯格早期作品中，如何通过对和弦的过度使用导致调性功能逐渐消亡的过渡过程。 --- 第二部分：曲式结构的深度解析（In-Depth Form Analysis） 本部分是本书的核心，它将音乐视为一种建筑学，引导读者从宏观结构和细节处理两方面理解既定曲式的逻辑与美学。本书不教授如何“写”出曲式，而是教授如何“读懂”成熟作品中的曲式安排。 第五章：奏鸣曲式：原理与变体 奏鸣曲式是西方器乐音乐的基石。本章摒弃了简单的“呈示部-发展部-再现部”划分，转而深入研究： 呈示部的对比逻辑： 分析呈示部中主题的内在动机对比、调性关系的哲学意义（如主-属、主-关系小调等），以及侧翼主题（Second Theme Group）的结构完整性。 发展部的有机性： 重点分析发展部如何从呈示部的主题材料中“生长”出来，而不是简单地随机游走。研究如何运用和声的模糊性（如大量使用减七和弦、增六和弦）来构建紧张感。 再现部与尾声（Coda）： 讨论再现部中“解决”调性冲突的方式，以及尾声作为曲式终结的独立结构作用，包括“扩大尾声”的技巧。 变体分析： 考察如奏鸣曲快板、奏鸣曲幻想曲等变体的结构差异。 第六章：复合曲式与大型结构 本章聚焦于宏大叙事性作品的结构： 回旋曲式（Rondo Form）： 分析其A-B-A-C-A等模式的演变，尤其关注其与奏鸣曲式的结合（奏鸣回旋曲式）中，主题回归的频率与调性策略。 三部曲式（Ternary Form）的深化： 在严格的三部曲式之外，分析如“带呈示性中段的三部曲式”（Modified Ternary）在咏叹调和小型器乐曲中的灵活运用。 第七章：变奏曲的艺术 变奏曲是检验作曲家对主题处理能力的试金石。本章分类研究： 和声变奏（Harmonic Variation）： 仅改变和声框架，旋律保持稳定（如巴赫的一些范例）。 织体变奏（Textural Variation）： 仅改变节奏和配器，主题轮廓保持不变。 风格变奏（Stylistic Variation）： 探讨如何用不同的音乐语言（如赋格、赋格段、卡农）来重塑同一主题。重点分析了从巴赫到布里顿的经典变奏曲集。 --- 第三部分：理论应用于实践：案例研究（Case Studies in Application） 本部分不再是纯粹的理论阐述，而是选取了数部具有里程碑意义的作品，进行细致的、段落对段落的和声与曲式交互分析。 案例一：贝多芬奏鸣曲的结构精确性 选择一部晚期奏鸣曲，详细展示其如何利用和声的极端对比来实现曲式上的戏剧性冲突。重点分析其发展部如何仅使用一个动机的片段进行铺陈。 案例二：肖邦夜曲中的叙事性 以一首典型的肖邦夜曲为例，解析其如何在一个看似自由、抒情的框架内，巧妙地运用复杂的半音和声和色彩和弦，完成一个“小型叙事”的曲式结构。 案例三：德彪西的模糊边界 分析一首印象主义作品，展示如何通过功能和声的缺失，转而依靠音高集合（Pitch Collection）的组织和模进（Sequences）的重复来构建整体的“形式感”。 结语 本书的阅读者应具备扎实的五线谱阅读能力和基础和声知识。它不是一本快速入门的手册，而是一本供学者和专业人士反复研读的分析工具书，旨在深化对西方音乐“为什么这样写”的理解，为进阶的作曲、演奏诠释或更高层次的音乐学研究奠定坚实的理论基础。全书内容严谨，逻辑清晰，旨在培养读者独立分析复杂音乐文本的能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版实在不敢恭维，简直是灾难现场。内页的字体大小忽大忽小，有时候需要眯着眼睛才能看清那些密密麻麻的五线谱，尤其是涉及到一些复杂的节奏型和高难度音程的练习时，简直是对视力的无情考验。而且，纸张质量也显得非常廉价，翻阅几次后边缘就开始卷曲，墨水也容易蹭到手上，每次练习完都感觉像是经历了一场视觉和触觉的双重折磨。更不用提那本附带的光盘了，我用好几台设备测试了，有的根本读不出来，读出来的音准和节奏也时常出现漂移，根本无法作为可靠的伴奏或参考音源。如果作者在编辑和制作环节能多花点心思，哪怕只是按照行业标准来处理一下，这本书的实用价值也会大大提升。现在的感觉是，内容本身或许还行，但呈现方式直接拉低了学习体验的档次，让人提不起兴趣去深入钻研那些原本就枯燥的乐理知识。我甚至怀疑，出版方在设计这本书的时候，是不是完全没有考虑过读者的实际使用感受，简直是草率至极的一个成品。

评分☆☆☆☆☆

我花了很大精力去对比市面上其他几本公认的优秀视唱教材，不得不说，这本书在内容编排的逻辑性和递进性上，显得过于生硬和跳跃了。它似乎只是简单地罗列了不同级别的音程、调性变化和节奏型，却缺乏一个循序渐进、循循善诱的教学脉络。比如，在介绍到大调音阶的转位和琶音练习时，前后的练习题之间难度跨度太大，中间缺失了必要的过渡练习，导致我在学习过程中总是感觉抓不住重点，必须不断地回头翻阅前面的基础知识点进行自我补救。这种“填鸭式”的编排方式，对于一个音乐初学者来说，打击信心是致命的。真正的好的教程，应该像一位耐心的老师，一步步引导学生建立起坚实的音乐感知基础，而不是甩给你一堆看似完整的知识点，然后让你自己摸索着去理解它们之间的内在联系。这本书更像是一份官方考试大纲的逐条注释，而非一本真正意义上的“教程”。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的问题在于，它似乎完全脱离了当代学习者对多媒体辅助学习的期待。虽然它附带了一张光盘，但在今天的数字时代，这显得如此过时和不便。如果光盘里的音频内容能够提供清晰的、不同速度的示范，并且能够方便地在手机或电脑上导入和循环播放，那或许还能弥补一些不足。然而，现实是，我需要先找到一台能读取这种老式光盘的驱动器，然后手动将音频文件导出，再导入到我的学习App中进行管理。这个过程本身就消耗了大量的学习时间与精力。现今的优秀教材早已实现了在线资源库或者配套App的整合，可以随时随地进行跟练和自我测试。这本书的处理方式，让整个学习体验显得滞后且麻烦，极大地影响了学习的连贯性和即时反馈的需求。

评分☆☆☆☆☆

对于那些真正想要通过系统学习来提升视唱能力的人来说，这本书提供的讲解部分实在是太过简略了，简直可以用“言简意赅”来美化，实则就是“信息贫乏”。尤其是对于一些容易混淆的概念，比如旋律进行中的重音处理、或是在复杂拍号下的呼吸点控制，教材里几乎没有提供任何深入的文字分析或实例解析。它只是给出了练习题，期望学习者能从反复的哼唱中“自行领悟”这些技巧。但音乐学习，尤其是视唱这种高度依赖肌肉记忆和听觉反馈的技能，如果没有清晰的理论支撑和技巧指导，效率会非常低下。我希望看到的是对每一个难点背后原理的剖析，而不是简单的“请多练习”。这种对教学深度的缺失，使得这本书更适合作为已经有一定基础的、仅仅需要刷题来应对考试的人群，对于零基础或者希望建立扎实理论框架的爱好者来说，它远远不够格，甚至会让人感到无从下手。

评分☆☆☆☆☆

从应试的角度来看，这本书也显得不够精准和与时俱进。音乐等级考试的侧重点每年都在微调，对某些特定风格或技术难点的考察权重也会有所变化。我仔细研读了这本书的章节划分和练习题型后发现，它似乎更侧重于传统的、某一特定教学体系下的内容结构，对于当前主流考试机构所强调的“音乐表现力”和“对作品风格的理解”等更深层次的要求，着墨不多。很多练习的配乐或示范音色，听起来也比较单薄、缺乏真实乐队的氛围感，这使得我在练习过程中很难建立起对未来实际演奏场景的想象。学习乐理和视唱的最终目的，是为了更好地理解和演绎音乐，如果教材本身提供的“音乐语境”过于僵化和学院派，那么它对提升学习者的综合音乐素养帮助有限，只能算是一个勉强及格的“题库”而已，缺乏对未来发展的指导性。