大提琴教程乐曲分集(第3册) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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宋涛 编

图书标签:

• 大提琴
• 教程
• 乐谱
• 分集
• 第3册
• 古典乐
• 弦乐
• 音乐学习
• 教材
• 练习

店铺： 土星图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103010631

商品编码：29950136417

开本：8

出版时间：1993-05-01

基本信息

• 商品名称：大提琴教程乐曲分集(第3册)
• 作者：编者:宋涛
• 定价：68
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103010631

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1993-05-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：13
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：195

内容提要

宋涛编的《大提琴教程乐曲分集(第3册)》为《 大提琴教程》乐曲分集的第三册，附分谱，可与本教 程中练习曲分集的第三册配合使用。全书收录了《西 北民风舞》《摇篮曲》《快板》《野蜂飞舞》《旋律 》《采茶谣》《悲歌》《梦后》《间奏曲》《浪漫曲 》等乐曲。
    

目录

1. 西北民风舞
2. 摇篮曲
3. 快板
4. 野蜂飞舞
5. 旋律
6. 采茶谣
7. 悲歌
8. 梦后
9. 间奏曲
10. 浪漫曲
11. 随想曲
12. 回旋曲
13. 寂静的森林
14. 托卡他
15. 咏叹调
16. 精灵之舞
17. 宣叙调
18. 江河水
19. 辉煌的波兰舞曲
20. 无穷动

好的，以下是一份针对您提到的《大提琴教程乐曲分集（第3册）》之外的其他图书的详细简介，旨在介绍其他领域或不同层次的音乐学习内容，完全避免提及您所询问的特定书籍，并且字数充足，力求自然流畅。 --- 音乐学习的广阔天地：弦乐、键盘与和声的深度探索 在音乐学习的漫长旅途中，从基础的乐理构建到精湛的演奏技艺，每一个阶段都需要精心挑选的教材与资源。对于致力于提升音乐素养的求知者而言，探索那些聚焦于不同乐器分支、不同历史时期风格，或侧重于理论深度挖掘的著作，是拓宽视野、夯实基础的关键。 一、 基础乐理与视唱练耳的奠基石 任何深入的器乐学习都必须建立在坚实的理论基础之上。我们首先关注那些致力于系统化梳理音乐基本规律的著作。 《西方音乐元素解析与基础和声入门》 这本书并非专注于某一特定乐器的技巧，而是将焦点放在音乐的“骨架”——音高、节奏、调式与和声。它以一种非常清晰、逻辑严密的方式，引导读者理解西方音乐是如何构建和运作的。全书涵盖了从五线谱的阅读规则、音程与三和弦的构成，到基础的调性功能分析。 其特色在于其丰富的实例分析，大量引用了巴赫、莫扎特等大师作品中的和弦进行片段，通过对比和听觉训练，帮助学习者将抽象的理论概念转化为可感知的音乐事实。特别值得一提的是，书中详细讲解了“功能和声学”的核心概念，解释了主、属、下属和弦在不同音乐语境下的色彩变化，为后续的作曲与深入分析打下了坚实的基础。对于希望理解乐曲背后逻辑的演奏者而言，这本书是不可或缺的理论指南。 《听觉训练与旋律记忆速成指南》 视唱练耳是检验学习者音乐敏感度的试金石。这本教材摒弃了枯燥的机械重复，采用分阶段、渐进式的训练模式。它首先从最简单的音程听辨入手，逐步过渡到复杂的三和弦与七和弦的音响辨识。 书中最大的亮点在于其“情景模拟”练习。例如，在学习进行和声转位时，教材会模拟交响乐团或室内乐的听觉环境，要求学习者在复杂的织体中快速定位并唱出某一条声部旋律。此外，大量的节奏模唱练习，从简单的二拍子、三拍子，到复杂的复节奏与不规则节拍（如五拍子、七拍子），均配有相应的节奏图示与速度提示，旨在全面提高学习者的节奏感与对拍子的内在把握。 二、 键盘乐器的技艺精进与风格研习 键盘乐器，尤其是钢琴，因其在和声与复调音乐中的核心地位，拥有庞大的学习资料库。以下介绍的著作，则侧重于提升钢琴演奏者的技术控制与风格理解。 《钢琴演奏的触键科学与音色控制》 这本书深入探讨了钢琴演奏中“如何制造声音”的物理与生理学原理。它超越了传统指法练习的范畴，将重点放在了手指、手腕与手臂的协调运动上。书中配有详细的人体工程学图示，解释了如何运用重量转移而非单纯的指力来获得饱满的音色。 内容涉及慢速练习中对“连贯性”的极致追求，以及在快速音阶与琶音中如何保持手指的独立性与放松。对于需要处理大量复调织体（如巴赫赋格）的演奏者来说，书中关于如何清晰分离声部线条的技巧指导，具有极高的实践价值。它强调，音色是技术达到一定高度后的自然流露，而非刻意雕琢的结果。 《浪漫主义钢琴曲风格解析与演奏实践》 本教材聚焦于19世纪中后期至20世纪初的浪漫主义钢琴作品，如肖邦、李斯特、舒曼等人的作品。它不仅收录了精选的练习曲与小型作品，更重要的是，它深入剖析了这一时期音乐风格的精髓。 书中详细对比了不同作曲家对踏板运用的细微差别：例如，肖邦对“呼吸感”的强调与李斯特对宏大音响的追求之间的区别。它指导学习者如何通过速度的微小变化（Tempo Rubato）来赋予乐句以歌唱性，以及如何理解当时钢琴制作技术进步对演奏风格的影响。例如，讲解了如何在现代钢琴上复现早期钢琴音色的柔和与颗粒感，这对于诠释如前奏曲、夜曲等体裁的作品至关重要。 三、 弦乐器家族的横向拓展：小提琴与中提琴的深度教材 虽然您未提及特定的大提琴教材，但探索其他拉弦乐器的专业教程，可以极大地拓宽对弓弦乐器共通技术哲学的理解。 《小提琴高把位精确度训练与换把技巧集成》 这本小提琴教材是为已掌握基础持弓与按弦技巧的进阶学习者设计的。它聚焦于小提琴上难度最大的技术区域——高把位。书中系统地分类了各种换把技术，包括滑奏换把、跳把以及在复杂音程中保持音准的练习。 其中一个重要的章节是关于“音准的听觉校准”，它要求学习者不仅仅依靠手指在指板上的位置记忆，更要通过主动聆听相邻声部（如八度、五度关系）的震动来微调音高。此外，大量涉及换把时弓法的连贯性训练，旨在确保在高把位演奏快速乐段时，弓弦的接触点和压力不会因大幅度的换把动作而中断，保证了声音的均匀性与连贯性。 《中提琴合奏技巧与内声部平衡艺术》 中提琴在合奏中常扮演“黏合剂”的角色，连接高音部与低音部。这本教材侧重于合奏的视角。它精选了大量优秀的室内乐片段，特别是中提琴在四重奏、五重奏中的作用。 核心内容在于“平衡的艺术”。书中详细分析了在不同乐器配置下，中提琴声部如何调整音量、音色，以突出旋律声部、支撑和声织体，或在必要时展现自身的中低音色彩。它强调了中提琴特有的温暖音色如何通过弓速、弓压的精细控制来实现。通过对大量声部进行对比练习，学习者可以深刻理解如何在不掩盖他人声音的前提下，确保自己声部的清晰度与穿透力。 四、 作曲与配器法的视野拓展 对于希望从演奏者走向创作者的音乐人而言，理解如何将声音组织成结构严谨的篇章至关重要。 《管弦乐队配器法原理与实践》 这是一本旨在教授如何为大型管弦乐队进行配器的实用手册。它以乐器家族为基础，系统介绍了每种乐器（木管、铜管、打击乐、弦乐）的音域、音色特性、演奏难点以及技术限制。 本书的特点是其“功能导向”的讲解。例如，它不会简单地罗列圆号的音域，而是会具体分析圆号在中音区的浑厚支撑力如何与大提琴声部完美融合，或是在高音区如何与双簧管形成明亮的色彩对比。书中包含大量的配器案例分析，从贝多芬的早期作品到德彪西的印象派配器手法，展示了作曲家们如何巧妙地利用乐器间的特性进行声音的叠加、分离与混合，是理解交响乐织体复杂性的重要工具。 --- 通过对以上不同领域音乐著作的涉猎，学习者可以在理论深度、键盘技巧、弦乐演奏的特定挑战以及管弦配器的广阔视野上获得全面的提升，形成一个多维度的音乐知识体系。

评分☆☆☆☆☆

作为一位已经学习了几年大提琴的业余爱好者，我发现在学习过程中，理论知识与实践演奏之间的鸿沟常常令人感到挫败。然而，这本《分集（第3册）》在这一点上做得非常出色，它不是一本冷冰冰的“谱子集合”，更像是一位循循善诱的老师。在每一组主题练习开始前，作者都会用简短而精炼的文字，点出本组练习需要重点解决的核心技术问题——比如“如何保持长弓的均匀性”或者“在快板中如何清晰地划分十六分音符的颗粒感”。这些提示不是那种空泛的、大而化的指导，而是非常具体到演奏技巧层面的建议，比如建议使用不同的弓速去尝试达到不同的音色效果。更赞的是，对于一些需要复杂换把或者跨弦的乐句，作者在谱子上用小记号或简图标注了推荐的指位预位动作，这些细节极大地节省了我在反复摸索过程中浪费的时间。正是这些教学上的“可见性设计”，让学习者能够更有针对性地去攻克难点，而不是盲目地一遍遍重复。这种由内而外、注重思维引导的教学方式，无疑极大地提升了练习效率和对音乐理解的深度。

评分☆☆☆☆☆

我注意到这本书的排版设计上，对于音乐表情记号的处理达到了一个令人惊喜的专业水准。许多教程为了图省事，会用统一的、比较生硬的字体来印刷“f”、“p”、“cresc.”等记号，但在这本第三册中，这些符号的字体选择和放置位置都充满了音乐的“呼吸感”。例如，那些需要强烈渐强和渐弱的记号，它们的视觉大小和笔画粗细似乎也随之变化，仿佛在引导演奏者的情绪起伏。更关键的是，在一些情绪转折点，比如从“dolce”（柔和地）突然转为“marcato”（强调地）的地方，作者不仅仅是简单地切换了记号，而是通过增加谱表的行距或者稍微调整该小节的结构，从视觉上就暗示了这里需要一个重心的转移。对于需要精细控制力度和情感表达的进阶学习者来说，这种“视觉音乐化”的处理非常重要，它能潜移默化地将理论上的要求转化为实际演奏中的直觉反应。这种对细节的极致追求，让整本书在视觉上和听觉上都形成了一个统一的、高品质的艺术品，这在同类教程中是比较少见的，体现了出版方对专业音乐教育的深度理解。

评分☆☆☆☆☆

从一个更宏观的角度来看待这本《大提琴教程乐曲分集（第3册）》，它成功地搭建了一座从“技法掌握”迈向“音乐表达”的桥梁。如果说前两册主要侧重于稳固大提琴的基础发声和规范演奏姿态，那么第三册则开始真正要求学习者成为一个“音乐的阐释者”。我花时间研读了其中几首选自奏鸣曲的选段，它们对于弓弦的张力变化有着近乎苛刻的要求，这并非简单的技术挑战，而是要求学习者去理解作曲家在特定调性或和声背景下希望达到的音色效果。比如，书中对长音的运用，不再是简单的保持稳定，而是要求在保持音准的同时，细腻地在弓尖、中弓、弓根之间进行切换，以创造出“声部的层次感”，这在独奏中尤其重要。这种对音乐性维度的深入挖掘，使得练习不再是孤立的技术点训练，而是融入了对整体音乐结构和织体（Texture）的理解。它成功地引导读者思考：我为什么要这样拉？这个音符在整个乐句中扮演了什么角色？这种思维的提升，才是真正区分“演奏者”和“音乐家”的关键一步，而这本书，正是那个优秀的引导者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的曲目编排，简直像是一场精心策划的音乐旅行，它绝不仅仅是简单地堆砌难度递增的练习曲，而是融入了清晰的教学逻辑和丰富的音乐风格跨度。第三册的选曲明显超越了基础指法和弓法的机械训练，开始触及更多富有表现力和歌唱性的作品。我尤其欣赏其中对巴洛克时期奏鸣曲片段的选取，它们不仅是技巧的磨练场，更是对线条控制和乐句呼吸感训练的绝佳材料。与市面上许多只关注炫技的教程不同，这里的曲目注重的是“如何拉出动听的声音”。比如，某几首选自十九世纪浪漫主义作曲家的练习曲，它们在技巧上要求精准的换把和细腻的揉弦控制，但更深层次的要求却是如何用大提琴的音色去“叙事”，去表达那种复杂而内敛的情感。编者很巧妙地在这些技术难点之间穿插了一些相对抒情、旋律性极强的选段，这让学习者在技术高压下得到喘息，也能更好地体会到旋律之美，避免了枯燥感。这种张弛有度的安排，使得每日的练习不再是任务，而更像是一次次与不同时代作曲家灵魂的对话，让人充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

这本《大提琴教程乐曲分集（第3册）》的装帧设计着实让人眼前一亮，封面采用了深沉的勃艮第红，配上烫金的标题字体，散发着一种古典而又不失现代的艺术气息。内页纸张的质感也相当不错，微微带着米黄的色调，不仅减轻了长时间阅读带来的视觉疲劳，更重要的是，它能很好地承托住印刷的五线谱和文字，使得墨迹清晰锐利，即便是对于视力稍弱的初学者来说，看谱子也变得轻松许多。装订方面，采用了精装配合线圈的设计，这是我个人非常欣赏的一点。传统的胶装书籍在翻开到某一页时，总需要用手压着，尤其是在乐谱的复杂段落，稍不留神乐谱就可能合拢。而这本的线圈设计，让它可以完全平摊在谱架上，甚至可以折叠起来，无论是坐在琴凳上练习，还是放在钢琴旁对照，都极其方便，体现出编者在实际使用场景上的细致考量。此外，随书附赠的在线资源链接也十分贴心，虽然我尚未完全探索，但听说包含了部分曲目的示范演奏音频，对于自学者而言，无疑是一剂强心针，能帮助校准自己的节奏和对乐曲情绪的把握。总体来说，从拿到书的那一刻起，我就感受到了出版方对大提琴学习者的一份尊重与专业态度，光是这份对“工具书”品质的坚持，就已经值回票价了。