千里(为室内乐队而作作品12号2011) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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叶小纲... 编

图书标签:

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• 现代音乐
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• 中国音乐
• 艺术
• 音乐作品
• 2011年

店铺： 火把图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103050347

商品编码：29958624317

开本：16

出版时间：2016-03-01

基本信息

• 商品名称：千里(为室内乐队而作作品12号2011)
• 作者：郑阳|总主编:叶小纲
• 定价：56
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103050347

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2016-03-01
• 印刷时间：2016-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：52

内容提要

郑阳曲的这本《千里(为室内乐队而作作品12号 2011)》介绍了，室内乐队作品《千里》作于2011年3 月，是青年作曲家郑阳应“中央音乐学院211室内乐 作品推广工程”项目委约而作，2011年5月首演于北 京现代音乐节“青年中国”音乐会。这首作品的气质 受到了中国武侠文学的影响，在一种核心精神力的支 持下，产生了迅疾而奇异的状态切换，进行了夸张而 **的形象对峙，力图展现千里之行途中的传奇历程 与万千气象。
    

目录

正文

寰宇之声：室内乐的无限可能 一部深入探讨二十世纪末至二十一世纪初室内乐创作演变与实践的恢弘著作。 本书并非一部专注于特定作品或单一作曲家生平的传记式文献，而是一次对当代室内乐领域进行系统梳理与深度剖析的智识之旅。它以宏大的视野，将目光投向自1980年代至今，室内乐这一艺术形式在风格、技术、演奏实践以及与听众关系等方面所经历的深刻变革。全书结构严谨，分为五大部分，旨在为音乐学者、演奏家、作曲家以及所有对当代音乐怀有热情的读者，提供一个全面、多维度的参考框架。 第一部分：历史语境与概念重塑（约300字） 本部分首先追溯了室内乐自古典主义时期确立的传统范式——尤其是海顿、莫扎特和贝多芬所奠定的“对话性”与“小型合奏”的内在逻辑。随后，笔锋转向二十世纪中叶，分析了二战后欧洲和美国在序列主义、随机性以及先锋派运动对传统室内乐编制与结构带来的冲击。 重点讨论了“小型室内乐”概念在后极简主义、新声响学和微观音乐思潮冲击下的自我解构与重构。书中通过对德彪西《孙方小品》到布列兹《结构》等关键文本的解读，确立了当代室内乐不再仅仅是“大部头管弦乐队的缩影”，而是发展成为一种独立且高度密集的声学实验室。这一部分强调了技术革新（如电子元件引入、非常规演奏技法的发展）如何为作曲家提供了前所未有的音色调色板。 第二部分：声学景观的拓扑学：当代室内乐的材质研究（约400字） 本部分是全书的技术核心，聚焦于当代作曲家如何处理和组织“声音材质”（Sound Material）。作者摒弃了传统的功能和声分析，转而采用一种基于物理声学和感知心理学的视角来解析作品。 章节详细剖析了以下几种关键技术流派在室内乐中的应用： 1. 微音区与泛音结构： 探讨了如何利用弦乐器的泛音、摩擦音（Col legno battuto, sul ponticello extremos）和气流声，来构建超越传统音高概念的声场。书中通过对几位代表性作曲家（如格里菲斯、里盖蒂后期作品影响下的新生代）的案例分析，展示了如何通过精密的记谱法，使乐器发出“非乐器性”的音响。 2. 节奏的颗粒化与密度： 区别于早期极繁主义的纯粹密度堆砌，本部分关注节奏单元如何在极快的速度下被“打碎”并重新聚合，形成一种类似电子音乐中“鼓点切片”的听觉效果。这尤其体现在对打击乐器组（木琴、颤音琴及非常规打击乐器）的精妙编排上。 3. 空间性与定向声场： 室内乐作为小体量合奏，其空间布局至关重要。本章深入讨论了如何通过乐器之间精确的距离、高度差以及声部对位，在听众周围创造出可移动的、有清晰“方向感”的声学图像，挑战了听众传统的集中式聆听习惯。 第三部分：演奏的极限与合作的张力（约350字） 室内乐的本质是合作，而当代室内乐对演奏家提出了近乎苛刻的要求。本部分着重探讨了当代室内乐团在技术、理解力以及艺术默契上的全新维度。 书中详细描绘了“扩展演奏技巧”（Extended Techniques）在实践中的落地问题。例如，小提琴弓毛在指板上摩擦产生的噪音，如何通过演奏家的气息控制和肌肉记忆，被稳定且可重复地呈现在乐谱上。这要求演奏家不仅是音乐的再现者，更是声音的“操控工程师”。 此外，本书还探讨了作曲家与演奏家之间的“共谋关系”（Complicity）。许多当代室内乐作品的完成，依赖于作曲家与特定乐团或演奏家的长期合作，作品中的技术难题往往是现场探索的结果。本部分通过对国际知名室内乐团的排练模式的观察，揭示了这种“即时创作性排练”如何塑造最终的音乐文本。这种合作模式使得作品的诠释不再是单一的固定版本，而是一个动态的、不断进化的过程。 第四部分：跨界对话：电子媒介与室内乐的融合（约300字） 数字技术的发展，特别是实时电子处理和采样技术的成熟，为室内乐的边界打开了新的通道。本部分集中探讨了“声学乐器”与“电子声响”之间复杂的互动关系。 作者区分了两种主要的融合模式： 1. 预录与实时互动： 讨论了如何将预先制作好的、高度结构化的电子声轨融入到声学乐器的精确对位中，以及实时处理（Live Electronics）如何捕捉声学乐器的声音并进行反馈、延迟或扭曲，使乐器的声音在物理空间中被“拓宽”或“异化”。 2. 数据驱动的作曲： 探讨了利用传感器技术捕捉演奏者的动作（如力度、位置变化）并将其转化为电子信号，进而触发声音事件的作曲手法。这使得乐器的演奏行为本身，成为了生成电子部分的“指令集”。 书中强调，成功的融合并非是让电子声淹没乐器，而是创造一种新的“混合实体”，其中声学乐器的“人性化瑕疵”与电子声的“完美结构性”形成张力与互补。 第五部分：听众的重构与艺术的未来（约150字） 最后一部分反思了当代室内乐在公共领域中的位置。面对复杂和高密度的听觉信息，当代室内乐对听众的“注意力带宽”提出了挑战。 本书认为，当代室内乐正在缓慢地从传统的“背景音乐”或“严肃殿堂”模式中解放出来，通过更具沉浸感和物理性的现场体验，吸引了新一代听众。它不再要求听众理解所有技术细节，而是邀请听众参与到声音的“感知构造”之中。总结来看，当代室内乐的未来，在于其持续的自我质疑能力和对未被发掘之声响的无尽探索。

评分☆☆☆☆☆

仅仅是“2011”这个时间点，就让这部作品带上了一层独特的历史烙印。彼时，音乐界对于“宏大叙事”的回归与否正处于一个有趣的交界点。我推测，这部“千里”或许是对传统浪漫主义“远行”主题的一种反思性致敬。它不会是那种激昂或悲壮的赞美，而更可能是一种带着现代人特有疏离感的审视。我期待作品的和声语言是开放且模棱两可的，既不完全属于调性，也不完全陷入无调性。这种游走在边缘地带的音响，最能体现“在路上”的悬而未决感。在室内乐中，这种不确定性尤其考验演奏者的默契和精准度。每一次乐器的进入与退出，每一个音符的颤音或延音，都可能被赋予超越其物理属性的象征意义。如果这部作品能够成功地将听觉体验转化为一种对“过程”的沉思，而不是对“终点”的描绘，那么它无疑是当代室内乐中一部值得反复品味的佳作。它要求听者投入时间，去细细品味那漫长旅途中每一个微妙的气息变化。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的编号“12号”暗示了作曲家在创作生涯中已经积累了一定的作品量，这意味着这部室内乐很可能代表了一种风格上的成熟与整合。我个人对室内乐的评价标准之一在于其对位法的运用是否能够做到既清晰又富有张力。在表现“千里”这样广阔的主题时，作曲家可能会倾向于使用复杂的复调结构，让不同的声部如同多条河流汇入大海。我设想，作品中可能存在一种“对话性”，但这种对话不是简单的问答，而是不同“旅行者”在同一旅途中各自的心绪和经历的交织。也许小提琴负责描绘孤独而坚定的步伐，大提琴则承载着记忆的重量，而木管乐器则扮演着环境的变幻——风声、雨声、远方的呼唤。如果它能成功地让这些看似独立的声部在最终汇聚成一个具有凝聚力的整体，那就证明了作曲家对室内乐“小宇宙”的深刻理解。这种对整体性和局部细节平衡的把握，对于一部关于“千里”的室内作品来说，是至关重要的艺术挑战。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的古典乐迷，我对室内乐作品的关注点往往集中在其结构上的精妙布局和和声语言的创新性上。这部标记为“作品12号”的乐章，想必是作曲家在成熟期的一次重要尝试。以“千里”为题，很容易让人联想到浪漫主义时期对自然与远方的崇拜，但考虑到创作于2011年，我更倾向于相信这是一种后现代的解构与重塑。它可能避免了那种直白的、抒情式的旋律，转而采用碎片化的动机和不协和音程来构建紧张感和距离感。我猜想，乐队的配置可能采取了非传统的组合，以期达到一种独特的音色平衡——也许是高音管乐器与低音弦乐之间持续的对话与对抗。这种对立与统一的哲学思辨，在“千里”这个概念的背景下，可能被诠释为个体在无限宇宙中的渺小与坚韧。如果这部作品成功了，它应该能够超越纯粹的声音堆砌，成为一种哲思的载体，引导听众去思考距离、时间以及个体存在的意义。我非常期待看到它是如何处理乐队内部的“空间感”的，比如通过声部布局和空间走位来模拟“千里”的深度与广度，而不是仅仅停留在音高和节奏的层面。

评分☆☆☆☆☆

从音乐哲学的角度来看，“千里”这个意象往往指向一种“未竟之业”或“永恒的追求”。这部2011年的室内作品，或许是对现代生活节奏的一种反思。我们活在一个信息爆炸、瞬间可达的时代，而“千里”却象征着一种被遗忘的、需要付出时间与耐力的过程。我设想，这部作品可能在节奏处理上极具匠心。它也许不会采用清晰的拍号，而是运用复节奏或者自由的速度标记，模拟出一种时间拉伸或压缩的感觉，就像在长途跋涉中，某些时刻感觉时间缓慢流逝，而另一些瞬间则飞逝而过。这种对时间感官的操纵，是室内乐最擅长表达的主题之一。如果作曲家运用了序列主义或极简主义的手法来构建基础材料，那么“千里”可能就体现为材料的缓慢演变和细微的音色变化，每一次重复都带着前一次留下的印记，象征着旅途中积累的经验。这种内敛的、注重细节的表达方式，远比恢弘的管弦乐描绘更具穿透力，因为它要求听者必须保持高度的专注，才能捕捉到那些潜藏在表层之下的“远方”。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的标题“千里(为室内乐队而作作品12号2011)”本身就带着一种辽阔的意境，让人不禁联想到广袤的风景和漫长的旅程。虽然我并未实际聆听或阅读到这部作品的乐谱，但仅从名字推测，它必然蕴含着一种对空间和时间的深刻探索。室内乐队的编制通常意味着细腻而集中的音响效果，与“千里”的宏大主题形成了一种张力。我期待它能展现出一种既有史诗感又不失亲密感的音乐叙事，或许是通过复杂的对位手法来描绘崎岖的山脉，或者用悠长的旋律线来象征无尽的旅途。2011年的创作时间也暗示了它可能融合了当代音乐语汇，摒弃了传统作品的框架，转而寻求一种更加个人化和实验性的表达。这种设定让人好奇，作曲家是如何在相对有限的乐器配置下，构建出一个“千里”的听觉景观的。它或许不是描绘某一个具体的地理位置，而更像是一种精神上的远行，是心灵在漫长岁月中寻求突破与和解的音乐写照。我对作品中可能出现的动态起伏和织体变化抱有极高的期待，希望它能带来一种沉浸式的、近乎冥想的聆听体验，让人在被音符环绕的瞬间，仿佛真的跨越了千山万水。