樊祖荫和声研究文集/当代作曲技术理论系列图书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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樊祖荫 编

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出版社： 上海音乐

ISBN：9787552313758

商品编码：29965515121

开本：16

出版时间：2017-10-01

基本信息

• 商品名称：樊祖荫和声研究文集/当代作曲技术理论系列图书
• 作者：樊祖荫
• 定价：68
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552313758

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2017-10-01
• 印刷时间：2017-10-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：183

内容提要

这本由樊祖荫著的《樊祖荫和声研究文集》选录 了自1985年来作者发表在各个期刊上的13篇相关和声 研究论文，内容包括中国五声性调式和声研究、作曲 家作品的和声研究及民间多声与近现代和声研究以及 和声教学研究的四个方面。从这些文章中，大致可以 看出作者的和声理念与研究方向。
    

作者简介

樊祖荫，音乐学家、作曲家。中国音乐学院原院长、教授、博士生导师；兼任**非物质文化遗产保护工作专家委员会委员、中国少数民族音乐学会名誉会长、中国传统音乐学会副会长；曾任《中国音乐》主编、中国音乐家协会理论委员会副主任。《中国民间歌曲集成》《中国民族民间器乐曲集成》《中国曲艺音乐集成》等书目的全国特约编审。1992年国务院颁发的政府特殊津贴。 长期以来从事和声学、作曲、民间多声部音乐、中国传统啬乐理论等课程的教学及研究工作。创作并发表了包括声乐、器乐、影视音乐等不同体裁的音乐作品200余部。在***核心期刊上发表包括作曲技术理论、民间多声部音乐、音乐教育等方面的论文及音乐评论百余篇，出版《中国多声部民歌概论》《中国五声性调式和声的理论与方法》《音乐与人》《和声写作教程》《歌曲写作教程》等十余部著作。1995年《中国多声部民歌概论》获文化部**教材二等奖；1999年获文化部“医永熙**音乐教育奖”；2002年完成了全国艺术科学“九五”规划**课题《五声性调式和声研究》，其成果《中国五声性调式和声的理论与方法》于2006年荣获**艺术科学**成果二等奖；2009年《歌曲写作教程》荣获北京市高校精品教材奖。

目录

前言
代序 中国民族多声部音乐理论的集大成者——樊祖荫教授的民族多声理论研究与学术成就述评
1.五声性调式和声研究三题
2.关于五声性调式的远关系转调及其和声处理
3.“综合调式性七声音阶”的理论及其创作实践研究
4.论马思聪《中国民歌新唱》中的和声技法
5.马思聪晚期小提琴作品中的和声技法——以四部小提琴乐曲为例
6.黄虎威音乐作品中的调性拓展技法研究
7.一部呕心沥血铸就的传统和声学巨著——评黄虎威著《（和声学教程）习题解答》
8.王建元著《应用和声学》序言
9.王萃著《武满彻和声技法研究》序言
10.近现代和声中的平行进行
11.我国民间多声与西方近现代和声
12.和而不同与不同而和——中国传统多声部音乐的思维特征与中西多声结构差异原因之探究
13.对音乐院校本科作曲专业和声教学改革的思考
附录
1.56首小曲，56朵小花——评介樊祖荫的《儿童钢琴小曲》
2.一本中国五声性调式和声的重要论著——评樊祖荫的《中国五声性调式和声的理论与方法》
3.梳理与创新——评樊祖荫《中国五声性调式和声的理论与方法》之学术特色

音乐的结构与思维：和声学基础与创新实践 引言：探索音乐的内在逻辑与表达潜能 音乐，作为人类情感与精神世界的载体，其背后蕴含着严谨而精妙的结构体系。和声学，正是理解和构建这种结构的核心工具。本书旨在为对音乐创作、分析及理论研究抱有热忱的学习者和实践者，提供一套系统、深入且具有前瞻性的和声学知识体系。我们超越了传统和声学的窠臼，着重于探究和声在不同历史时期、不同音乐风格中的实际功能、潜在的可能性，以及如何将这些理论转化为富有个人色彩的音乐语言。 第一部分：古典和声的精细解剖与功能再审视 本部分将带领读者回归到西方音乐发展史上最为稳固的基石——功能和声体系。我们不满足于简单的“主-属-下属”三和弦序列，而是深入剖析其内在的张力与解决机制。 一、调性结构的深度挖掘： 音级功能与倾向性分析： 详细探讨每一个音级在特定调性框架内所承担的稳定与不稳定因素。分析导音的趋向性如何塑造旋律的进行，以及中音区和声进行中的微妙色彩变化。 和弦的内部张力： 考察三和弦、七和弦、九和弦的构成原理，着重分析非功能性音程（如增四度、减五度）在和声进行中的“破坏性”与“推动力”。探究如何通过微小的音程变化，实现和声色彩的显著转换。 序进的逻辑与例外： 系统梳理严格的功能连接规则，如平行五度/八度的禁忌，并阐述在特定风格（如巴洛克时期的对位需要）中，这些规则如何被巧妙地规避或故意打破，以达到特定的艺术效果。 二、转调艺术的层次解析： 近关系与远关系转调的策略： 不仅教授如何通过共同和弦进行转调，更侧重于分析调性色彩的心理感受。例如，从C大调转至降A大调（远关系），其带来的“色彩冲击”与转调后的“归属感”如何在结构上实现平衡。 不协和音的“过渡角色”： 研究如何利用经过和弦、副属和弦等临时性色彩变化，构建流畅的转调桥梁，避免生硬的跳跃感。 第二部分：拓展语汇：浪漫主义至印象主义的和声革新 进入十九世纪，音乐家们开始挑战传统调性的边界。本部分聚焦于如何认识和运用那些拓展了传统和声词汇的技法。 一、色彩和声的引入与应用： 增值和弦与减七和弦的“模糊性”： 深入解析增三和弦在旋律走向中的不确定性，以及减七和弦作为“多功能钥匙”在调性模糊化中的关键作用。重点讨论如何利用减七和弦的等值性实现隐藏的转调。 和弦的垂直叠加与音响的丰满化： 探讨九音、十一音、十三音和弦的实际使用方法，分析其音响密度与层次感的构建。研究如何控制这些高叠和弦中的特定音程（如小九度或增四度）以避免听感上的“浑浊”。 二、调性界限的侵蚀： 半音化与借用和弦的效力： 详细区分半音和声进行（Chromatism）与借用和弦（Modal Mixture）。分析借用和弦（如从关系小调借用降六级大三和弦）如何瞬间注入“异域”或“忧郁”的色彩。 非功能性进行与和声的“停滞”： 考察李斯特、瓦格纳等作曲家如何通过连续的半音进行或对等和弦的平行移动，创造出“悬而未决”的听感，挑战传统和声的解决需求。 第三部分：现代与后调性音乐的和声思维重塑 面对二十世纪初音乐语汇的彻底爆炸，传统和声的概念受到了根本性的挑战。本部分着眼于理解和应用非调性、泛调性乃至无调性的和声构造逻辑。 一、从调性到音高集合理论： 音高集合（Pitch Class Set）的几何学分析： 介绍十二平均律下音高的数学关系，并教授如何使用音高集合理论（如音高集、集合类、集合的平衡性）来分析和构建非调性音乐中的和弦结构。 等音程和弦与音簇： 考察十二平均律中基于等音程（如全音阶、增三和弦）构建的“中性”和声。探讨音簇（Tone Clusters）作为一种强烈的音响现象，其在和声织体中的功能性定位。 二、作曲技法的多元探索： 序列主义与十二音技法： 深入讲解序列的构建、变换（旋转、逆行、逆行旋转），以及如何在此基础上发展出具有逻辑性的和声织体。讨论如何通过对原始序列的分解与重组，创造出新的和声片段。 模态和声的复兴与挪用： 分析如何从古代教会调式（如多利亚调式、弗里吉亚调式）中提取其特有的音级关系，并将其应用于现代和声创作中，以摆脱大小调的束缚，获得“静态的色彩感”而非“动态的功能性”。 结语：实践——理论的最终归宿 和声研究的最终目的在于创作。本书在每一章节后均附有针对性的分析练习和作曲提示，鼓励读者将理论知识转化为可操作的音乐素材。无论是对既有风格的精确模仿与变奏，还是对全新音响的探索与构建，本书都力求成为连接理论知识与个人艺术实践的坚实桥梁。通过系统学习，读者将能够自信地驾驭从巴赫到斯特拉文斯基，乃至当代电子音乐声响设计中的复杂和声现象，形成自己独特而成熟的音乐语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面选用了那种沉稳又不失典雅的深蓝色调，配上手写体的艺术字体，仿佛一下子就将人带入了一个充满学术气息又不失灵动的世界。纸张的质感也相当出色，拿在手里沉甸甸的，翻阅时那种柔和的触感让人爱不释手。我尤其欣赏出版社在排版上下的功夫，字里行间留白得当，注释和图表的布局逻辑清晰，即便是面对一些复杂的乐理分析，也能让人保持阅读的舒适度。而且，这本书的装订方式非常坚固，无论是经常翻阅还是放在书架上展示，都能保持得体，看得出是下了血本做出来的精品。这本书的实体书本身就是一件值得收藏的艺术品，光是摆在桌面上，就感觉自己的音乐品味都提升了好几个档次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字表达风格非常独特，它既有学院派的精确和逻辑性，又巧妙地融入了一种近乎文学性的叙事节奏。作者在阐述那些艰涩的专业概念时，并没有采用那种冷冰冰的教科书式语言，而是使用了许多富有启发性的比喻和类比，使得原本抽象的听觉现象变得可视化、可感知。尤其是一些关于“色彩和声”的段落，作者的描述简直如同在画布上泼洒颜料，让人不仅在理智上理解了其构成，更在情感上体会到了其带来的听觉冲击力。这种将科学的严谨性与艺术的感性表达完美融合的能力，使得整本书的阅读体验极其流畅，即便面对高难度的章节，也不会感到枯燥乏味，反而更期待下一页将带来怎样的精彩论述。

评分☆☆☆☆☆

这本书的内容深度和广度都超出了我的预期，它不仅仅是简单地罗列和声规则，更像是带领读者进行了一场深层次的音乐思维的探索之旅。作者的论述方式非常严谨，从基础的和声进行逻辑出发，逐步深入到更复杂的复调织体和配器色彩的探讨，尤其是在处理一些模态和声与非传统调性材料时，那种洞察力和分析的穿透力，真的让人拍案叫绝。我感觉自己过去对“和声”这个概念的理解，被这本书彻底拓宽了边界，以前总觉得理论是死的教条，现在才明白，它们是构建音乐世界的强大工具。对于那些已经有一定基础，想要突破瓶颈的音乐人来说，这本书简直是打开了另一扇门，里面的案例分析细致入微，每一个音符的选择和功能都被阐释得透彻无比。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在结构布局上的匠心独运，它不像传统教材那样线性推进，而是采用了模块化和交叉引用的方式，使得读者可以根据自己的兴趣点和现有知识结构，选择最适合自己的切入点。如果你对某个特定的和声手法感兴趣，可以直接跳转到相应的章节进行深入挖掘，而书中会通过精妙的脚注和交叉引用，帮你快速定位到相关的基础知识和更深层次的探讨。这种非线性的学习路径设计，极大地提升了学习效率和自主性。它真正体现了“工具书”的价值，既能作为系统学习的蓝图，也能成为随时查阅和验证理论的权威参考，非常适合在日常的作曲或分析工作中随时翻阅，快速获取精准的理论支持。

评分☆☆☆☆☆

作为一名理论研究者，我发现这本书在引用和对比不同音乐流派和历史时期的理论观点时，表现出了极高的平衡性和客观性。它没有盲目推崇某一种流派的理论体系，而是将不同的和声学思想放在一个更宏大的音乐演变脉络中进行审视和比较。比如，它对十九世纪晚期和二十世纪初和声语言变革的分析，就极其精彩地展示了传统功能和声如何逐步瓦解，并催生出新的结构逻辑。阅读过程中，我发现自己不断地在脑海中重构过去学到的知识体系，这本书提供了一个非常好的参照框架，让原本零散的知识点串联成了一张更精密的网。这种全景式的理论梳理，对于构建扎实的学术基础至关重要。