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黄兰婷 著

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• 指法练习
• 音阶琶音
• 音乐入门
• 初学
• 钢琴教材

出版社： 西南交通大学出版社

ISBN：9787564351205

版次：1

商品编码：12108456

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：胶版纸

字数：191000

正文语种：中文

内容简介

　　《钢琴演奏基础》共有四章，第一章钢琴的基本知识，第二章手指基础训练与奏法，第三章综合进阶训练，第四章拓展训练曲目。本教材在重视基础教学的同时，又有广度和深度的拓展。强化理论教育和实践教学的结合，注重内容的音乐性，适用性和技术训练为辅。适合现代高职高专教育模式以及我院学前教育、音乐教育的人才培养需求。

作者简介

　　黄兰婷，女，汉族。出生于1983年10月，现就职于达州职业技术学院，任师范系学前教育专业教研室主任，钢琴课程教师。助教职称，主要研究钢琴表演与教学、歌曲伴奏、合唱指挥、奥尔夫音乐教学法。现任四川省钢琴学会会员，中国音乐家协会奥尔夫专业委员会会员，中国音乐家协会钢琴学会会员。

前言/序言

音乐理论与实践的阶梯：一部面向初学者的管弦乐配器指南 书籍名称：《管弦乐配器法入门：从乐器家族到织体构建》 书籍简介： 本书旨在为音乐学、作曲、指挥或仅仅是对管弦乐队浩瀚音响世界抱有浓厚兴趣的初学者，提供一套系统、深入且实用的管弦乐配器知识框架。我们深知，配器不仅仅是简单地将音符分配给不同的乐器，它是一门结合了声学原理、乐器特性理解、历史风格洞察以及精妙织体构建的艺术。本书将引领读者一步步揭开管弦乐队的神秘面纱，掌握将内心涌动的音乐构思转化为丰富、平衡且富有表现力的乐队音响的必备技能。 第一部分：管弦乐队的“原子”——乐器家族的深度剖析 本部分将详细介绍管弦乐队的四大核心组成部分：木管组、铜管组、打击乐组和弦乐组。我们不满足于仅仅罗列乐器名称，而是深入探讨每一种乐器的物理特性、音域限制、音色变化的可能性以及演奏技巧对音响效果的影响。 木管组的色彩画笔： 重点剖析长笛、双簧管、单簧管和巴松的家族成员及其变体（如短笛、英国管、低音单簧管）。我们将探讨如何利用它们的呼吸控制、舌奏法和特殊指法（如泛音指法）来描绘细腻的情感层次。例如，双簧管在弱奏时特有的鼻音感如何与长笛的柔美形成对比，以及单簧管在低音区（chalumeau register）所拥有的丰富木质感。 铜管组的力量与光辉： 深入研究圆号、小号、长号和大号的声学原理。我们将详细解释圆号的厚重音色是如何通过其长而锥形的管道实现的，以及小号在不同调性上的性能差异。特别关注弱奏时使用弱音器（mutes）对音色产生的戏剧性变化——从“幽灵般”的柔和到“刺耳”的尖锐。 打击乐组的节奏与质感引擎： 打击乐常被视为配器的“调味品”，但本书强调其构建音响骨架的关键作用。我们将区分有固定音高（如定音鼓、马林巴）和无固定音高（如大鼓、铙钹）的乐器，并提供具体的演奏法指导，例如如何通过改变敲击位置来改变马林巴的共鸣和清晰度。 弦乐组的基石与灵魂： 弦乐组是管弦乐配器的核心。本书将投入大量篇幅讨论小提琴（一、二声部）、中提琴、大提琴和低音提琴的演奏技法。我们将系统分析弓法（如分弓、连弓、顿弓、碎弓）如何影响音型的连贯性和力度，以及指法（如揉弦的力度和速度）如何塑造旋律的歌唱性。此外，我们还会细致区分拨弦（pizzicato）与弓奏（arco）的音响效果，并探讨特殊技巧如“苏洛弓”（sul ponticello，靠近琴码）和“中音域”（sul tasto，靠近指板）的运用。 第二部分：声学原理与乐器间的平衡——从单音到和弦的构建 配器成功与否，很大程度上取决于对声学原理的直觉性掌握。本部分将理论与实践紧密结合。 泛音列与音色感知： 解释泛音列（Harmonic Series）如何决定我们对特定乐器音色的感知。理解泛音结构，是预测不同乐器叠加后会产生何种混合音色的基础。 音域的“饱和度”与“穿透力”： 探讨不同乐器音域在听觉上的“重量感”。例如，为什么小提琴的高音区（如升D以上）能够轻易穿透厚重的铜管齐奏，而中提琴的中低音区则容易“消失”在乐队的背景中。我们将提供具体乐器在不同八度上的相对响度图表。 和声的物质化： 学习如何将抽象的和声概念转化为具体的乐器组合。我们将讲解如何利用八度分配来避免声音的浑浊，以及如何通过“音域堆叠”（Register Stacking）来创造出密度和透明度不同的和弦织体。特别探讨和弦内部各声部间的平衡，确保没有哪个乐器在和声功能上被不必要地“压制”或“凸显”。 第三部分：织体设计与配器技巧的精进 成功的配器法是动态的，它要求配器者能根据音乐的结构和情感需求灵活调整乐队的配置。 线条的清晰度与对位法： 探讨如何在多声部音乐中保持旋律线条的独立性。我们将分析如何利用乐器音色的差异性（Timbral Contrast）来区分对位声部，而不是仅仅依赖于声部的高低关系。书中包含大量案例分析，展示如何使用木管组的快速音型来“装饰”弦乐组的主题。 动态的层次管理： 配器法是控制宏观动态（如 ff 到 pp）和微观动态（乐句内部的渐强渐弱）的关键。我们将讨论如何分配“主导”声部和“伴奏”声部，并利用不同乐器组的发声机制差异（如弦乐弓的压力变化 vs. 木管的呼吸控制）来实现精确的动态过渡。 管弦乐的“对比手法”： 深入研究对比在配器中的运用，包括： 音色对比： 木管组与铜管组的交替。 技术对比： 独奏乐器（Soloistic Writing）与乐队整体的对话。 织体对比： 从密集的主音织体（Homophony）突然转入稀疏的复调（Polyphony）。 特殊效果与拓展技巧： 介绍如何有目的性地运用非传统技巧，如双簧管的“颤音”、小号的“强奏”（blaring）、弦乐的“击弦”（col legno），以及如何将它们自然地融入整体音乐语汇中，避免流于猎奇。 第四部分：历史视野下的配器风格 配器法并非一成不变的教条，它深深植根于特定的历史时期和作曲家个人风格之中。 从古典主义到浪漫主义的演变： 分析莫扎特、贝多芬时期配器法中弦乐的主导地位，以及瓦格纳、马勒时期铜管组和打击乐的急剧扩张如何服务于宏大的戏剧性表达。 二十世纪的革新： 探讨印象派（如德彪西）对音色本身的追求，以及新古典主义和序列主义对传统配器逻辑的挑战与重塑。 本书配备了丰富的乐谱实例分析（均已去除复杂的和声分析，聚焦于配器细节），旨在帮助读者将理论知识立刻转化为实际的听觉感知和创作实践。通过本书的学习，读者将能够自信地为任何音乐构思选择最合适的乐器组合，塑造出清晰、平衡且充满生命力的管弦乐音响。

评分☆☆☆☆☆

这本书拿在手里沉甸甸的，感觉内容肯定很充实。我一直认为，学习任何一门技艺，最关键的就是打好基础，而钢琴演奏更是如此。我曾经尝试过自学，但很快就发现，很多时候只是在模仿，并没有真正理解背后的原理。比如，我经常会纠结于一些乐句的表达，不知道如何才能弹出那种细腻的情感，有时候弹得生硬，有时候又太过浮夸，总是抓不住那个度。我非常希望这本书能够帮助我理解如何才能真正地“演奏”音乐，而不是仅仅“弹奏”音符。它是否能提供一些关于音乐表现力的训练方法？比如，如何通过指尖的力度变化来表达喜悦、悲伤、激昂等等情感？又比如，如何在乐句的呼吸、停顿之间找到恰当的节奏感？这些是我在练习中常常遇到的难题，也是我最渴望在这本书中找到答案的地方。我期待书中能够提供一些清晰的示范，或者是一些可以供我反复练习的素材，帮助我一步步地掌握这些高级的音乐表现技巧，让我的演奏不再只是机械的重复，而是充满生命力的艺术表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计倒是挺吸引人的，简约大气，让人一眼就能感受到音乐的宁静与力量。翻开来，首先映入眼帘的是一幅精美的钢琴插画，线条流畅，色彩柔和，一下子就把我带入了那个充满旋律的世界。我一直对钢琴有着浓厚的兴趣，但苦于没有系统的方法，总是停留在弹奏一些简单的曲子，技巧上总感觉搔不到痒处。拿到这本书，我满怀期待地想看看它是否能为我打开新的大门。我尤其关注的是书中对一些基础乐理知识的讲解，例如音程、和弦、调式等等，这些都是我一直以来感觉比较薄弱的地方。我希望书中能用通俗易懂的语言，结合实际的钢琴弹奏例子，来讲解这些概念，而不是枯燥的理论堆砌。另外，对于指法和触键的技巧，我一直觉得非常重要，好的指法能让弹奏更加流畅、富有表现力，而正确的触键则能直接影响音色的美感。如果书中能有详细的图示和练习方法，那就太好了。我真的很想找到一些能够帮助我突破瓶颈，让我的钢琴弹奏更上一层楼的指导，所以，我迫切地想知道这本书在这方面有哪些独到的见解和实用的建议。

评分☆☆☆☆☆

作为一名曾经的音乐学院学生，虽然现在已经离开了音乐行业，但我对钢琴的热爱从未减退。我一直觉得，即使是简单的练习，也应该有科学的方法来指导，而不是盲目地重复。我对于乐曲的整体把握和细节的处理上，总会有些固执己见，或者说，我在思考如何将技术和音乐性完美地结合起来。我希望这本书能够提供一些关于如何进行更深层次的音乐理解的视角。比如，它是否会涉及一些关于钢琴演奏历史和风格演变的介绍，让我能够更好地理解不同时期作曲家的创作意图？或者，是否有关于如何进行有效的练习策略的讨论，帮助我节省时间，提高练习效率？我更关心的是，这本书能否提供一些能够帮助我跳出技术陷阱，真正理解音乐本质的方法。我希望它能引发我更深层次的思考，让我能够将我的经验和书中内容相结合，找到更适合我自己的演奏路径。我期待这本书能够给我带来一些新的启发，让我能够以一种全新的方式来重新审视和练习钢琴。

评分☆☆☆☆☆

我接触钢琴的时间不算太短，也算有一些基础。我一直觉得，学习钢琴不仅仅是掌握指法和乐谱，更重要的是培养一种对音乐的感知能力。很多时候，我在练习时会遇到一些困难，比如，对某个乐句的处理总是不太满意，感觉弹出来的情感不到位，或者节奏上有些不稳。我特别希望能在这本书中找到一些关于如何提升音乐感和表现力的指导。比如，如何通过倾听来更好地理解音乐的结构和情绪？如何通过模仿来学习大师的演奏风格？书中是否会提供一些关于如何进行音乐分析的初步方法，让我能够更深入地理解一首曲子？或者，是否有关于如何发展个人音乐风格的建议？我一直认为，每个人的音乐表达都应该是独特的，我希望这本书能帮助我找到属于自己的声音。我非常期待书中能够提供一些能够启发我思考和感受音乐的方法，让我不再局限于技术的练习，而是真正地用音乐来表达自己内心的情感，让我的演奏充满个性和生命力。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐爱好者，平时也喜欢听听古典音乐。但自己真正能弹奏的曲目却不多，而且很多时候弹奏出来的效果总觉得缺少点什么。我总觉得，也许是我的基本功不够扎实，导致在处理一些复杂的乐曲时显得力不从心。我特别在意乐谱的解读，比如，一些小的表情记号，比如断奏、连奏、重音等等，它们在乐谱上看起来并不复杂，但实际弹奏起来，却能极大地影响音乐的风格和味道。我希望这本书能教会我如何准确地理解和运用这些乐谱上的符号，让我在弹奏时能够更到位地捕捉到作曲家想要表达的情绪。此外，对于音阶和琶音的练习，我也一直觉得非常重要，它们是练习手指的灵活性和独立性的基础。我希望书中能提供一些科学有效的练习方法，而不是简单地让我们一遍又一遍地重复。如果能有针对不同难度的音阶和琶音练习，并且能解释清楚每种练习的目的和效果，那对我来说将是极大的帮助。我想知道这本书在这方面是否有独特的教学理念，能帮助我有效地提升我的基本功，为我弹奏更复杂的曲目打下坚实的基础。