巴斯蒂安钢琴教程(1共4册原版引进)/有声音乐系列图书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 詹姆斯·巴斯蒂安... 编

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店铺： 博库网旗舰店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552314779

商品编码：29771652821

开本：8

出版时间：2018-05-01

基本信息

• 商品名称：巴斯蒂安钢琴教程(1共4册原版引进)/有声音乐系列图书
• 作者：(美)詹姆斯·巴斯蒂安
• 定价：128
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552314779

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-05-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：168

内容提要

《巴斯蒂安钢琴教程》是特别为初学钢琴的学生 ，能够正确学习钢琴演奏基础而设计的一套有趣的、 内容全面的钢琴教材。精心安排的学习顺序能够平衡 学生各方面的学习进度；精心设计的全彩插图能够增 强学生的学习兴趣，提高他们的学习效果。教程中所 采用的乐曲，除了原作外，还有大家熟悉和喜欢的各 国民歌、流行歌曲和改编曲等。
     詹姆斯·巴斯蒂安编著的《巴斯蒂安钢琴教程(1 共4册原版引进)》采用循序渐进的多调性教学法，让 学生在弹奏多种调性乐曲的过程中，掌握完整的键盘 知识，并且可以从中学习到各种基础的节奏类型、音 程、和弦、音阶、音乐记号和术语。主要的四本核心 教程——《基础》、《乐理》、《技巧》和《演奏》 ，是相互配合使用的，请参见目录，为学生掌握每一 阶段的音乐基本概念提供了*完整的材料。请学生们 在**次上课时准备好“课堂记录本”。
     这套教材提供了一套成功并且有效的教学方案， 同时也衷心希望本教程能将各位儿童领进丰富多彩的 音乐世界。
    

目录

坐姿
手指的编号
钢琴的键盘
低音和高音
识谱前的记谱
音乐的节奏
**进行曲
气球人
三只小猪
玛丽有只小羔羊
老麦克唐纳
音名字母表
白键
C音开始的五指位置
级进上下歌
毛毛虫爬行
拍号
特快列车
猴子玩单杠
后院钟声
骑车
太空飞行
马戏团
复习
五线谱表与谱号
记谱
音符在谱表上的移动
C音歌
手指跳进
简单重复
快告诉萝蒂姑妈
符干的方向
滑板
过山车
摇船
欢乐颂
大谱表
C手位预备练习
大声与小声
音程
盗二垒
跳跃的青蛙
快乐的万圣节
诺亚方舟
四个滑稽的小丑
布吉节奏
五个猎人
旋律音程与和声音程
印第安鼓手
休止符

好的，这是一本关于古典音乐鉴赏的图书简介，内容详实，与您提到的《巴斯蒂安钢琴教程》无涉。 --- 《聆听的艺术：古典音乐鉴赏的深度之旅》 书籍概述 《聆听的艺术：古典音乐鉴赏的深度之旅》并非一本技术性的乐理教材，也不是针对特定乐器演奏技巧的指导手册，而是一本旨在为所有古典音乐爱好者，无论是初涉此道的门槛听众，还是希望加深理解的资深乐迷，提供全面而深入的鉴赏指南。本书致力于拆解古典音乐的“神秘面纱”，通过清晰的历史脉络、生动的作曲家传记、细致的音乐作品分析以及对演奏实践的探讨，引导读者构建起一套系统而感性的音乐理解框架。 全书结构严谨，内容丰富，共分为四大核心板块，辅以丰富的历史插图、乐谱片段解析以及推荐曲目清单，确保读者在阅读过程中不仅能获得知识，更能获得直接聆听的乐趣。 第一部分：音乐的史诗——古典音乐的历史长河 本部分是全书的基石，系统梳理了西方古典音乐自中世纪萌芽至二十世纪末的演变历程。我们避免了枯燥的年代罗列，而是将历史划分为几个关键的“美学转向期”，聚焦于不同时代最具代表性的风格特征、社会背景与技术革新。 1. 中世纪与文艺复兴：信仰的低语与人文的觉醒 本章深入探讨了格里高利圣咏的单音音乐结构，以及复调音乐在奥尔加农（Organum）发展中的重要性。随后，重点分析了文艺复兴时期对人的关注如何体现在合唱音乐（如帕莱斯特里那和维多利亚的作品）中，以及世俗音乐（如牧歌）的兴起。我们详细介绍了“模仿对位”这一核心技巧如何奠定了西方和声的基础。 2. 巴洛克时期：秩序、激情与装饰 巴洛克音乐是古典音乐史上一次伟大的爆发。本章详述了“通奏低音”作为结构骨架的意义，以及“对位法”在巴赫音乐中的巅峰体现。我们细致剖析了赋格曲（Fugue）的逻辑结构，如《平均律键盘曲集》中的典范作用。同时，对歌剧这一全新体裁的诞生（以蒙特威尔第为代表）及其戏剧表现手法进行了深入解析。大协奏曲（Concerto Grosso）与独奏协奏曲（Solo Concerto）的曲式区别，也将被清晰阐明。 3. 古典主义时期：清晰、平衡与普适的美学 海顿、莫扎特和贝多芬被视为古典主义的三座丰碑。本章着重阐述了“奏鸣曲式”（Sonata Form）作为这一时期音乐结构核心的构建逻辑——呈示部、展开部与再现部的戏剧张力如何服务于主题的“对话”与“冲突解决”。此外，我们还探讨了交响曲、室内乐（尤其是弦乐四重奏）如何取代宫廷沙龙成为音乐表达的主流场域，以及古典主义对旋律清晰度和结构平衡的极致追求。 4. 浪漫主义时期：自我表达的洪流与民族色彩的渗透 浪漫主义的关键词是“情感的无限性”和“个体的英雄主义”。本章分析了对和声语言的拓展（如李斯特的和声实验）、管弦乐队规模的空前扩大，以及“主导动机”（Leitmotif）在瓦格纳歌剧中的叙事功能。同时，肖邦的钢琴诗意、舒曼的内心独白，以及德沃夏克的民族主义倾向，都将作为重要案例被展开讨论。 5. 二十世纪至今：现代性的探索与风格的分野 面对工业革命后的社会巨变，音乐开始寻求彻底的革新。本章不再试图统一风格，而是聚焦于重要流派的探索：德彪西与拉威尔的印象主义对音色和氛围的关注；斯特拉文斯基的新古典主义与原始主义的碰撞；勋伯格的十二音体系及其对传统调性的颠覆；以及极简主义音乐（如赖利）对时间感的重塑。 第二部分：音乐的解剖学——核心曲式的深度解析 本部分是技术分析的核心，但我们采用的是一种“自下而上”的讲解方式，即从听觉体验出发，反推结构原理，避免抽象的术语堆砌。 奏鸣曲式（Sonata Form）的内心剧场： 详细拆解呈示部中对比主题的性质、展开部中调性游移的紧张感，以及再现部中主题的“回归与整合”。 赋格曲（Fugue）的逻辑迷宫： 通过巴赫的实例，解析主调、应答、间插句的交织，以及如何利用对位手法在单一主题下构建宏大结构。 变奏曲（Variations）的魔术： 分析固定低音变奏（如帕萨卡利亚/恰空）与主题自由变奏（如贝多芬晚期作品）在保持统一性与实现多样性之间的平衡艺术。 交响曲与协奏曲的结构差异： 比较两者在乐章设置、乐队编制以及独奏与合奏关系处理上的核心区别。 第三部分：声音的画笔——管弦乐与键盘乐器的世界 古典音乐的魅力离不开其独特的“音色世界”。本章专门探讨了乐器学在音乐表达中的作用。 管弦乐队的演进： 从早期管弦乐队的规模到浪漫主义晚期庞大编制的建立。重点分析了不同声部（弦乐、木管、铜管、打击乐）的功能定位，以及作曲家如何巧妙地利用音色组合（配器法）来描绘画面、烘托情绪。例如，小提琴的高音区与大提琴的低吟在表达何种情感时最为有效。 键盘乐器的革命： 追溯从羽管键琴（Harpsichord）到古钢琴（Fortepiano），再到现代钢琴（Piano）的发展轨迹，重点阐述了击弦机制如何赋予了钢琴“力度变化”（Dynamics）这一前所未有的表现力，从而彻底改变了室内乐与独奏音乐的面貌。 第四部分：演绎的张力——诠释与聆听的进阶 好的音乐欣赏不仅是“听”，更是与演奏者和作曲家进行跨越时空的“对话”。 版本选择的艺术： 探讨“原典运动”对古典音乐诠释的影响。同一部作品，在不同演奏家（如卡拉扬与伯恩斯坦的贝多芬，或鲁宾斯坦与吉尔谢尔曼的肖邦）手中，为何会产生截然不同的效果？本章将分析速度、力度、揉弦等演奏细节如何影响作品的整体意蕴。 主题辨识的训练： 提供一套实用的听觉训练方法，帮助听众在复杂织体中快速捕捉和追踪核心旋律动机，即使在听陌生的作品时也能保持焦点不散。 歌剧与声乐的叙事： 聚焦于咏叹调、宣叙调的功能差异，以及合唱在戏剧结构中的作用，帮助非专业听众理解德语、意大利语歌剧中的情绪表达逻辑。 通过阅读本书，读者将不再是孤立地接收旋律的片段，而是能够理解音乐背后的结构逻辑、历史语境和情感意图，从而将每一次聆听体验，转化为一次有知识支撑的、沉浸式的艺术发现之旅。

评分☆☆☆☆☆

我最近在整理我的老式唱片收藏，突然想起需要一本能够系统梳理二十世纪早期作曲家，尤其是德彪西和拉威尔之间创作思想差异的书籍。这本书恰好填补了我书架上的这个空白。它的精彩之处在于，它没有将这两位印象派大师简单地并列，而是通过对比他们在和声色彩、织体构建以及节奏处理上的微妙差异，清晰地勾勒出了各自独特的音乐语言。书中对德彪西《牧神午后前奏曲》的配器分析简直是教科书级别的示范，作者细致入微地描述了每一种乐器在特定段落中所扮演的“颜色”角色，让人听觉神经为之一振。而且，这本书的文献引用非常扎实，它引用了大量作曲家本人的书信和同时代乐评人的尖锐评论，使得论述充满了历史的厚重感和现场感。阅读过程中，我感觉自己仿佛置身于二十世纪初巴黎的沙龙，亲耳聆听着关于音乐新思潮的辩论。对于希望深入理解印象派音乐如何从晚期浪漫主义过渡到现代主义的音乐学习者来说，这本书提供了极佳的深度和广度。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在钻研巴洛克时期清唱剧的结构和宣叙调的戏剧张力处理。这本关于十七世纪意大利歌剧发展脉络的著作，简直是为我量身定制的。它没有将重点放在我们今天熟悉的咏叹调上，而是花了大量的篇幅去解析“重述宣叙调”（Recitative Accompagnato）是如何在传统的“简单宣叙调”和抒情的“咏叹调”之间架起桥梁的。作者使用了大量的乐谱示例，并且对不同作曲家（比如蒙特威尔第和普契尼早期作品）在处理戏剧高潮时的手法进行了细致的对比分析。我尤其欣赏它在讨论“韵律”和“情感表达”时所采用的语言，极其精准而富有画面感。比如，它描述一个悲伤的宣叙调时，会用到“如同破碎的镜子，反射着不完整的情绪光芒”这样的措辞，让人瞬间就能体会到那种未完成的、压抑的戏剧张力。这本书的学术严谨性毋庸置疑，但它的文笔却充满了激情和洞察力，读起来完全不觉得枯燥乏味，反倒是越读越想去听那些被历史尘封的早期歌剧录音。对于研究声乐戏剧结构的人来说，这是一次精神的盛宴。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对“音乐系列图书”这种分类持保留态度的，总觉得要么过于浅显，要么就是堆砌晦涩的术语。然而，这本关于巴赫赋格曲结构分析的著作彻底颠覆了我的看法。它并没有采用那种学院派的僵硬分析模式，而是用一种近乎“侦探小说”的叙事方式，层层剥茧地揭示了赋格曲中“主体”与“对位声部”是如何相互追逐、渗透、直至最终融合的。书中的图示部分做得非常出色，那些清晰的线条和色彩标记，让原本抽象的对位关系变得一目了然，即便是初次接触赋格这种复杂曲式的读者，也能迅速抓住核心脉络。我尤其欣赏作者在讲解“反向”和“倒影”技巧时所使用的生动比喻，它将严谨的数学逻辑转化为可以感知的艺术语言，这才是真正的大家手笔。我已经连续好几周的晚上，都沉浸在对《平均律钢琴曲集》的重新审视之中，每一次翻阅，都有新的发现。这本书的价值，绝不仅仅在于知识的传授，更在于它激发了读者独立思考和深入探索的欲望，它让你真正学会了如何“听”音乐，而不是仅仅“听见”音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书的定位似乎更偏向于音乐史和文化研究的交叉领域，而不是纯粹的演奏技巧指南。我关注的是十九世纪中叶欧洲的音乐出版业和社会背景如何影响了奏鸣曲的创作规范。这本书在这方面做得非常到位。它详细描述了当时钢琴制造商的技术进步（比如对金属框架的改进）如何使得钢琴的音域和力度范围得以拓展，进而反过来影响了贝多芬后期作品的创作倾向。作者引用了许多当时音乐杂志上的广告和评论，这些一手资料极大地增强了论证的说服力。例如，书中有一章专门探讨了维也纳的咖啡馆文化如何催生了“家庭音乐会”这种演奏形式，以及这如何使得中等难度的室内乐作品在市民阶层中流行起来。这种将音乐创作置于具体社会情境中的考察方式，让我对古典音乐的“功能性”有了更深层次的理解。它不再是孤立的艺术品，而是与社会变迁紧密相连的产物。如果你对“音乐社会学”感兴趣，这本书绝对是拓展视野的绝佳读物，其深度远超一般的音乐史概述。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是给古典音乐爱好者挖到宝了！我最近沉迷于研究不同作曲家的创作习惯和他们那个时代的音乐风貌，尤其是那些十九世纪浪漫主义大师的作品。这本书的选材非常独到，它没有过多地纠缠于那些耳熟能详的炫技曲目，而是深入挖掘了一些相对小众但艺术价值极高的室内乐和艺术歌曲。比如，书中对舒曼未完成作品的研究简直是神来之笔，作者通过细腻的笔触，仿佛带着我们回到了作曲家创作时的心境，分析了他如何在主题和动机之间游走，那种欲言又止的张力让人回味无穷。而且，这本书的装帧设计也十分考究，纸张的质感和印刷的清晰度都达到了专业级的标准，即便是放在书架上，也是一件赏心悦目的艺术品。我特别喜欢它在讨论特定乐章结构时，会穿插引用当时的书信和日记片段，这让枯燥的音乐分析瞬间变得立体而鲜活，充满了人情味。对于想从“听众”进阶到“研究者”的同好们来说，这本书绝对是不可多得的指路明灯，它提供的视角是如此的独特和深刻，能极大地拓宽你对古典音乐世界的认知边界。我强烈推荐给所有对德奥音乐体系有深度好奇心的朋友们！