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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806676646

商品编码：29867381991

丛书名： 乐理与视唱练耳

出版时间：2005-08-01

目录

总序
前言
第-部分 基本乐理
第-章 音
一、什么是音
二、乐音与噪音
三、音的性质
四、音名与唱名
五、音组
六、纯八度
七、标准音
八、中央C
第二章 乐音体系
一、乐音体系
二、变音记号
三、律制
第三章 记谱法
一、五线谱
二、简谱
三、乐谱中的省略记号
四、常用演奏记号
第四章 音符
一、五线谱中音符的写法
二、常用音符
三、常用音符的时值关系
四、简谱中常用音符的时值表示法
第五章 休止符
一、五线谱中常用休止符及写法
二、简谱中常用休止符及写法
第六章 附点音符与附点休止符
一、附点音附
二、附点休止符
三、简谱中的附点音符与附点休止符
四、复附点音符
第七章 节奏与节拍
一、节奏
二、节拍
三、各种拍子的音值组合法
四、延音线
五、连音符
六、切分音
……
第二部分 视唱练耳
参考书目
后记

内容推荐

本教材包括“乐理”和“视唱”两部分。
乐理部分是根据北京舞蹈学院学生的情况，在专业教材的基础上进行简化和提炼，对于部分章节在内容上做了删减，以适应非音乐专业的学生学习使用。
神唱练耳分为三个部分。一是根据音乐理论部分编配的神唱：二是编配民间舞蹈音乐视唱；三是编配芭蕾舞蹈音乐视唱。通过视唱练耳的学习，提高学生对舞蹈音乐的了解，并使学生对音乐产生兴趣，让学生把握音乐与舞蹈的内在联系，提高学生的艺术感受力。同时，作为乐理学习的辅助，它难够使音乐学习更加丰富多彩，让音乐程发挥真正的使用。

 

 

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好的，这是一份详细的图书简介，内容不涉及您提供的书名或其具体主题： --- 《古典之魂：西方音乐史纲（从古至今的艺术变迁）》 导言：聆听历史的回响 本书旨在为音乐爱好者、学生以及所有对人类艺术发展史抱有好奇心的人们，提供一部全面、深入且富有洞察力的西方音乐史导论。我们深知，音乐不仅仅是音符的组合，更是特定时代社会结构、哲学思潮、技术革新与个体情感表达的综合载体。本书将带领读者穿越近三千年的历史长河，从古希腊的调式哲学，到巴洛克的宏伟叙事，再到二十世纪的多元解构，系统梳理西方音乐是如何一步步形成、发展、演变，并最终成为我们今天所听闻的恢弘图景。 第一部分：起源与奠基（史前至中世纪早期） 本卷聚焦于西方音乐的萌芽阶段。我们首先探讨音乐在人类早期文明中的仪式和实用功能，随后将目光投向古希腊，解析毕达哥拉斯对音程数学关系的发现，以及柏拉图对音乐伦理学（Ethos）的深刻思考。这些早期的理论构建，为后世西方音乐的结构化奠定了不可动摇的哲学基础。 进入中世纪，随着基督教的兴起，音乐的重心转向礼拜仪式。我们将详细介绍格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐特征、记谱法的初步发展，以及修道院在音乐传承中的核心作用。本部分的高潮在于对早期复调音乐的考察，特别是对奥尔加农（Organum）的分析，揭示了音乐如何从单一旋律走向对位与和声的初步探索。 第二部分：从复调到理性（中世纪晚期与文艺复兴） 中世纪晚期，特别是14世纪的“新艺术”（Ars Nova），标志着节奏复杂性和织体密度的显著提升。我们将深入剖析纪尧姆·德·马肖等人的作品，理解世俗音乐在教会音乐之外的崛起。 文艺复兴时期，人文主义思潮的复苏深刻影响了音乐创作。本部分将重点分析奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里纳等人的“虔诚的艺术”。我们关注“模仿手法”（Imitation）的成熟、文字与音乐关系（Word Painting）的精妙运用，以及对清晰度和平衡感的追求。此外，对早期键盘乐器和鲁特琴音乐的介绍，将展现当时室内乐的活力。 第三部分：情感的释放与规范（巴洛克时期） 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上最具戏剧性和装饰性的阶段之一。本部分将详述歌剧（Opera）这一全新艺术形式的诞生，及其在意大利（蒙特威尔第）的早期发展。 我们深入探讨巴洛克音乐的核心特征：数字低音（Basso Continuo）的系统化、对位法的极致运用（以巴赫的赋格曲为代表），以及“情感理论”（Doctrine of Affections）如何指导作曲家在单乐章内表达强烈且单一的情感。亨德尔的清唱剧、维瓦尔第的协奏曲，共同构筑了一个充满能量与精致结构的世界。本书将专门辟出一章，分析巴赫逝世后，欧洲音乐中心向古典主义过渡的内在驱动力。 第四部分：秩序、清晰与普世性（古典主义时期） 古典主义时期是对巴洛克复杂性的反动，追求自然、平衡与清晰的结构美学。本部分核心内容包括奏鸣曲式（Sonata Form）的确立及其在交响乐、室内乐和奏鸣曲中的核心地位。 我们将细致剖析海顿如何奠定交响乐的黄金结构，莫扎特如何以无与伦比的旋律天赋将其推向高峰，以及贝多芬在继承古典传统的同时，如何通过对规模的扩展和情感深度的挖掘，预示了浪漫主义的来临。对奏鸣曲式内部逻辑的详尽拆解，是理解此阶段音乐“理性之美”的关键。 第五部分：个体经验的颂歌（浪漫主义时期） 浪漫主义是对启蒙运动理性的回归与超越，它将作曲家个人的主观情感、想象力、民间传说和文学主题提升到前所未有的高度。 本卷涵盖了从舒伯特到马勒的漫长历程。我们将探讨“抒情曲”的兴起（如肖邦的夜曲），标题音乐（Program Music）的发展（如柏辽兹的《幻想交响曲》），以及民族乐派如何将本国语言和民间元素融入宏大的交响结构中。此外，对瓦格纳“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的深入解读，以及李斯特的交响诗创作，将展示音乐如何试图吞噬其他所有艺术形式。 第六部分：边界的拓展与瓦解（1900年至今） 二十世纪是西方音乐史上最为动荡和多元的时期。技术进步（如录音技术）和两次世界大战深刻地改变了音乐的社会功能和创作方向。 本书将系统梳理印象主义（德彪西）、表现主义（勋伯格的无调性与十二音体系）的开端。随后，我们将探索斯特拉文斯基的原始主义、后浪漫主义的延续（如理查·施特劳斯），以及对民间音乐和异域音乐的借鉴。 最后，本书将聚焦于战后音乐的激进实验，包括序列主义（Serialism）、偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）、极简主义（Minimalism）的回归简朴，以及电子音乐的兴起。我们探讨了爵士乐、布鲁斯等非传统美学如何反哺主流古典音乐的创作，展示了当代音乐如何不断地叩问“什么是音乐？”这一根本问题。 结语：未来的和声 本书不仅是历史的回顾，更是对听觉体验的引导。通过理解每一种风格背后的时代精神和技术创新，读者将能够以更丰富、更具穿透力的视角，重新审视我们今天所接触到的每一部音乐作品。 ---

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大启发是关于“连接”与“应用”。在我的学习初期，乐理知识和视唱练耳的技能总是被割裂开来——我能理论上分析出一段旋律的调性，却唱不准，或者能准确视唱，但无法在和声学上解释其缘由。这本书的编排哲学似乎就是打破这种壁垒。它将乐理的概念直接嵌入到视唱的练习情境中，比如在学习某个特定调式时，配套的听写和模唱练习就是围绕该调式的功能和声展开的。这种“知行合一”的教学方式，极大地加速了我的学习进程。我不再是孤立地记忆知识点，而是开始在实践中内化理论。书中对于节奏的复杂性处理也十分到位，它教会我如何通过“划分”和“内化节拍感”来应对那些看起来令人眼花缭乱的复杂节拍，而不是机械地数拍子。这本教材真正做到了将音乐理论从“知识”转化为一种可以随时调用的“技能”，极大地提升了我作为一名音乐实践者的信心和能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐学习者的一剂强心针！我作为一个自学成才的乐理爱好者，常常因为缺乏系统性的指导而感到迷茫。市面上那些教材要么过于晦涩难懂，充满了枯燥的术语，要么就是内容零散，不成体系。直到我翻开这本《乐理与视唱练耳教材》，那种豁然开朗的感觉至今难忘。作者的编排思路极其清晰，从最基础的音高、节奏概念讲起，循序渐进地引入和声、曲式分析，每一步的过渡都衔接得非常自然。特别是对于视唱练耳的部分，书里提供的练习曲目和听辨材料种类丰富，难易程度划分合理。我特别欣赏它在理论讲解中穿插了大量实例分析，让抽象的乐理知识变得可视化、可触摸。以前我对一些复杂的调式和转调总是云里雾里，但这本书通过巧妙的图示和详尽的步骤解析，让我终于明白了其中的奥秘。这本书不仅仅是一本工具书，更像是一位耐心的一对一导师，时刻在旁边指导你，让你在学习的路上少走弯路。对于准备考级或者希望深入了解西方音乐体系的初学者来说，这绝对是案头必备的宝典。

评分☆☆☆☆☆

我们这些非科班出身，但对古典音乐怀有深厚热情的“业余发烧友”们，寻找一本能够真正“接管”我们理论知识的教材，简直是太难了。很多教材对于“自学”这种学习模式考虑不周，缺乏必要的自测机制。但这本书在这方面做得非常出色。它不仅有清晰的理论阐述，更重要的是，它提供了大量的自我评估工具。每完成一个章节的学习，都有配套的“巩固练习”，而且这些练习的难度设置非常巧妙，先易后难，让你能及时检验自己的理解程度。我尤其喜欢书中关于“和声功能”的讲解部分，它没有停留在简单地命名“主和弦、属和弦”，而是深入探讨了和声在音乐情绪表达中的具体作用，这让我听音乐的层次一下子丰富了起来。我开始能“听懂”作曲家为什么要在这个地方使用那个和弦，而不是仅仅停留在“识谱”的层面。这本书的厚度虽然可观，但内容充实而没有废话，真正做到了字字珠玑，是值得反复研读的精品。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐专业的学生，坦白地说，我们学校发的教材虽然权威，但内容更新较慢，而且排版和装帧常常让人提不起精神。相比之下，这本《乐理与视唱练耳教材》给我的感觉是充满了活力和现代气息。它在讲解传统乐理的基础上，大胆地融入了一些近现代音乐和流行音乐中的常用和声概念，这对于我们这些接触多元音乐环境的学生来说，无疑是极大的补充。比如，它对特定节奏型（如复合拍子或不规则节奏）的拆解分析，比我之前看的任何教材都要透彻和直观。另外，这本书在细节处理上也体现了专业水准，比如在讲解复杂记号时，总会附带一个“注意事项”或“常见误区”，这些小小的提示往往能帮我避免很多不必要的困惑。这本书的纸张和印刷质量也让人称赞，书写起来不洇墨，长时间阅读也不易产生视觉疲劳。它不像是一本冷冰冰的学术著作，更像是一位经验丰富的老师，用最亲切、最有效的方式把知识传递给你。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对“视唱练耳”这四个字是心生畏惧的，感觉那是天才音乐家才能掌握的技能，普通人望尘莫及。我试过好几本号称能提升耳朵敏感度的书，但大多是冷冰冰的练习题堆砌，读两页就想放弃。然而，这本教材的引入方式简直是教科书级别的“化繁为简”。它没有一上来就用那些高深的术语轰炸你，而是从最直观的听觉感知入手，比如如何区分音程的色彩，如何用身体去感受节奏的脉动。我发现，作者似乎非常懂得如何激发学习者的内在兴趣。大量的听写练习都设计成了“游戏化”的闯关模式，每完成一个小目标，都会有一种成就感。更赞的是，书里的附带资源（如果配套有音频的话，我指的是这种形式的辅助材料）质量非常高，音准纯正，速度变化灵活，完美模拟了真实的上课情境。它教会我的不仅仅是“听出”某个音高或和弦，更是培养了一种“音乐思维”，让我学会用耳朵去“思考”音乐结构。对于那些想提升自己音乐直觉和演奏准确性的音乐爱好者，这本书的实用价值是无可替代的。