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房思钊 编

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103030752

商品编码：29963608161

开本：16

出版时间：2006-07-01

基本信息

• 商品名称：合唱指挥的基础与实践
• 作者：编者:房思钊
• 定价：42
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103030752

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2006-07-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：4
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：201

内容提要

《合唱指挥的基础与实践》是作者房思钊从事合 唱艺术多年实践经验的结晶，其内容深入浅出、循序 渐进。用通俗易懂的语言系统地讲述了合唱指挥的理 论及方法。本书从合唱指挥的基础入手，力求使学习 者能结合自身的实践充分体会和逐步提高指挥综合能 力。本书对手势运用的科学性和艺术性、歌唱的基础 常识及灵活运用、指挥的主动意识等问题做了深刻讲 解与探究。正文后附教学参考作品31首，**适合作 为合唱指挥入门的学习教材。为方便广大读者学习， 特采用简谱记谱。
    

目录

**部分 合唱指挥及其职责
第一章 指挥的形成与任务
第一节 合唱指挥的形成与意义
第二节 合唱指挥的任务
一、合唱队的建立与组织
二、合唱队的规模
三、合唱形式的分类
第三节 声部的分配与组织
一、声部的特点及音域
二、声部人数的比例
三、声部分配的依据和原则
第四节 曲目的选择
第五节 伴奏
第六节 合唱队形与排列
第二章 合唱的声音
第一节 统一
一、唱法的统一
二、字音的统一
三、音区的统一
第二节 均衡
一、声部间的均衡关系
二、各声部的常用音区及注意事项
三、合唱与伴奏的均衡关系
第三节 和谐
一、横向方面
二、纵向方面
三、其他方面
第三章 合唱指挥**的歌唱知识
第一节 声乐基础知识
一、正确的声音概念
二、歌唱的姿势
三、歌唱的呼吸
四、气息的运用
五、共鸣
第二节 音韵常识
一、现代汉语的声、韵、调组织
二、音韵辨正
三、歌唱中常见的几个音韵学术语
第三节 关于童声合唱训练中的几个问题
第四章 排练艺术
第一节 制定发展目标和排练计划
一、科学务实地选择排练曲目
二、科学合理地进行训练
第二节 科学规划实施步骤
一、视唱合成阶段
二、加工细排阶段
第三节 排练中的艺术性
一、指挥的示范作用
二、排练过程中的艺术性
第二部分 指挥手势
第五章 指挥的点与线
第一节 敲击点
一、敲击点的方法
二、点前线
三、点后线
第二节 弹上点
一、弹上点的方法
二、下行线
三、练习注意事项
第六章 常见拍子的指挥图式
第一节 二拍子
一、指挥姿势与预备动作
……
第三部分 关于作品的处理
第四部分 合唱谱例（30首）
后记

《管弦乐配器法详解：从原理到实践的深度探索》 绪论：构建声音的宏伟蓝图 本书旨在为音乐专业学生、指挥家、作曲家以及所有对管弦乐配器艺术怀有浓厚兴趣的实践者，提供一套系统、深入且极具操作性的知识体系。管弦乐配器，如同建筑师构思宏伟结构，是将不同音色、音域和功能的乐器（木管组、铜管组、弦乐组和打击乐组）有机结合，创造出丰富、立体且富有层次感的音乐织体。本书将摒弃对基础乐理的简单复述，聚焦于如何运用这些乐器各自的特性，实现作曲家预期的艺术效果。 我们将首先剖析管弦乐队的起源与演变，理解从巴洛克时期的“小乐队”到浪漫主义时期“巨型乐队”的结构性变革，这为理解现代配器的复杂性奠定了历史基础。重点将放在十九世纪末至二十世纪初的配器大师，如理查·施特劳斯和德彪西的作品分析上，他们如何突破传统界限，定义了现代管弦乐配器的美学范式。 --- 第一部分：乐器家族的声学肖像与演奏技法 深入理解每一种乐器的物理特性、音色潜能和演奏限制，是成功配器的前提。本部分将超越教科书上的五线谱标记，探究乐器发声的深层机制。 第一章：木管组——色彩的调色盘 木管乐器以其独特的穿透力和柔和的音质，为管弦乐增添了精致的色彩变化。 长笛与短笛： 探讨长笛的泛音控制、气息的运用技巧（如“气声”的使用），以及短笛在极高音区如何精准地穿透强奏。分析它们在不同调性下的音准变化规律，特别是当乐器演奏至最高音区时，如何通过指法和气息调整来维持音色稳定。 双簧管与英国管： 重点分析双簧管的“鼻音”特性——即其略带穿刺感的音色如何适用于表达悲怆或略带讽刺的情感。英国管作为其延伸，讨论其中低音区的温暖、忧郁色彩，以及在复杂和声背景下如何保持旋律线条的清晰度。 单簧管家族： 详细对比降B调、A调单簧管的音域与音色差异。深入研究其宽广的音域跨度，从极低音的“黑管”音色到高音区的明亮音色，以及如何在连接这些不同音区时，巧妙运用半音阶过渡，避免音色突变。 大管与低音大管： 探究低音木管组如何提供和声的基石。分析大管的幽默感、笨拙感以及在低音区的深沉力量。低音大管的极端低音如何影响整个乐队的听觉感知，它在配器中更多地是作为“支撑”还是“旋律载体”。 第二章：铜管组——力量与辉煌的象征 铜管乐器是管弦乐队力量的源泉，但其表现范围从轻柔的弱音到震撼人心的强音，极具弹性。 圆号： 铜管组中最具“木管”气质的乐器。我们侧重分析圆号的“幽灵音”（Hand-stopping）技术，即如何通过手掌的开合，实现音色从开放到封闭的渐变，以及这种技术在描绘特定场景（如狩猎或远景）中的应用。探讨圆号组的平衡性，特别是四个圆号在和声进行中的相互支撑。 小号与短号： 小号的清晰、高亢音色决定了其在突出主题时的作用。分析其不同调性（C调、降B调）对演奏难度和音色的细微影响。短号（Tenor Horn）在现代配器中的地位，通常作为圆号与小号之间的音色桥梁，探讨其在织体中“嵌入”而非“突出”的配器策略。 长号与大号： 探讨长号组如何通过滑音（Glissando）创造出独特的连贯性。分析大号在低音区如何与低音提琴、低音大管共同构建稳定的低音骨架，以及在齐奏时其音量控制的难度与重要性。 第三章：弦乐组——情感的血液与织体的核心 弦乐组是管弦乐队的基石，其细腻的表情能力和无与伦比的音量潜力，使其成为配器的核心。 小提琴I与II： 深入研究双层或多层独奏的技巧（Unison vs. Doubling），以及如何通过分弓（Divisi）创造出比实际乐器数量更多的“虚拟”声部。探讨弓法的选择（如Ponticello，靠近琴码的演奏）对音色锐度的影响。 中提琴： 这一常被低估的声部，是连接高音与低音的关键。分析中提琴在中音区的“温暖”音色，它如何承载复杂的中声部和声，以及如何利用其音域避免与小提琴高音的冲突。 大提琴与低音提琴： 讨论大提琴在独奏时展现的歌唱性，以及在齐奏时作为低音旋律线的补充。低音提琴的拨弦（Pizzicato）技术及其在节奏驱动中的作用，以及如何平衡其与低音大管的音响重叠区域。 第四章：打击乐组——节奏的火花与戏剧的张力 打击乐不再仅仅是节奏的辅助，它已成为色彩和戏剧性效果的强大工具。 定音鼓（Timpani）： 重点不在于如何击打，而在于如何调音。分析如何利用定音鼓的不同调性与和声进行呼应，制造“固定音型”或“调性暗示”。研究在快速的击奏变化中，如何精准控制延音的衰减速度。 键盘打击乐器（木琴、颤音琴、钢片琴）： 探讨这些乐器如何以其清晰、非延音的音色，在快速的片段化配器中提供闪烁的效果。分析木琴在高音区对弦乐的增强作用。 钟琴与锣钹： 讨论如何利用它们的混响特性，在宏大的和弦尾声中创造出“空间感”和“神秘感”。 --- 第二部分：配器的核心原则与美学策略 本部分将理论应用于实践，探讨作曲家如何构建清晰、平衡且富有表现力的乐队织体。 第五章：音色混合与层次构建 成功的配器并非将所有乐器同时奏响，而是巧妙地进行“声部选择”和“音色融合”。 音域的重叠与隔离： 详细分析不同乐器声部的频率范围，特别是木管、铜管与弦乐在关键的C4-C5八度内的音色交叠点。提出“声部隔离原则”，即当需要清晰的旋律线条时，应将该声部放置在不受其他乐器干扰的音域。 音色融合（Blending）： 探讨如何通过“伪装”策略，使一种乐器模仿另一种乐器的音色。例如，使用弱音器的小提琴如何模仿木管的柔和感，或使用圆号模仿中提琴的温暖。重点分析“三声部原则”——即在重要旋律上，至少使用三个不同组别的乐器进行轻微的重叠，以达到饱满而不浑浊的效果。 织体的密度控制： 如何通过增加或减少声部的数量，以及改变声部的音程距离（和弦的紧密或分散），来瞬间改变音乐的整体“重量”。分析“稀疏配器”在表达空灵、孤独感时的强大作用。 第六章：动态与平衡的控制艺术 动态范围（Dynamics）是配器中最容易被误解的领域，因为“强”或“弱”是相对的，取决于组合中的乐器。 相对响度的校准： 提供一套基于经验的“相对响度表”，指导配器者理解：一个中提琴声部与一个长笛声部相比，在同等力度标记下，哪个更突出。重点分析铜管组在高音区和弦齐奏时，对整个乐队响度的瞬间提升效应。 弱奏的挑战： 探讨在极弱（pp 或 ppp）力度下，如何仅使用最敏感的乐器（如高音提琴、单簧管）来维持音乐的连贯性，避免因使用过多乐器而导致音色变“脏”。 瞬时动态（Accents）： 如何利用定音鼓或短号的切分音，在平稳的背景下制造节奏上的“钩子”，引导听众注意力。 第七章：节奏与动机的配器实现 配器不仅是音高和音色的选择，更是对节奏动机的立体化处理。 动机的传递与变化： 讨论如何将一个简单的旋律动机，在不同乐器组间进行接力传递，以展现其生命力。例如，一个短促的节奏型在木管组中可能是诙谐的，而当它被转交给大提琴拨弦时，则可能带有紧张感。 对位法与层次化节奏： 分析在复调音乐中，如何通过音域的明确划分，使多重对位旋律清晰可辨。这要求将主要旋律置于最优势音区，而将对位声部置于次要或互补音区。 --- 第三部分：特定情境下的配器技术 本书最后一部分将聚焦于实际的创作场景，提供针对性的解决方案。 第八章：室乐与管弦乐的边界 探讨如何在小型合奏（如八重奏或小型管弦乐队）中应用管弦乐配器的原则。重点分析如何用有限的乐器资源模拟出更庞大乐队的效果，例如使用钢琴或竖琴来填补和声的空隙。 第九章：特殊效果与现代技法 本章深入研究二十世纪以来发展出的非传统配器技术： 非标准演奏法（Extended Techniques）： 详细介绍弦乐的拍弓（Col legno）、木管乐器的颤音集群（Multiphonics）在配器中的应用。 电子与原声的整合： 探讨在现代音乐中，如何将合成器音色或电子处理后的乐器声与传统管弦乐队进行音色上的无缝衔接。 本书的最终目标是培养读者一种“听觉想象力”——即在看到谱面时，便能清晰地在脑海中预演出演奏出的真实音响，从而做出最精准、最富创造性的配器决策。通过对这些复杂机制的拆解与重组，读者将能够自信地驾驭管弦乐这一宏大而精妙的艺术媒介。

评分☆☆☆☆☆

这本名为《合唱指挥的基础与实践》的书，从我一个初涉音乐领域的新手角度来看，简直是打开了一扇通往合唱艺术殿堂的神秘大门。首先吸引我的是它对基础理论的深入浅出讲解。我一直以为指挥就是举手挥臂，但这本书让我明白，其中蕴含着多么深厚的音乐学、心理学乃至物理学的知识。它细致地剖析了不同声部之间的平衡、音准的校正技巧，以及如何通过面部表情和肢体语言有效地传达音乐的内涵。尤其是关于呼吸法的章节，作者用极其形象的比喻，将看似抽象的“气息控制”具体化为可以量化的训练步骤，这对于我这种缺乏科班训练的业余爱好者来说，无疑是雪中送炭。我尝试书中所述的几个小练习，立刻能感受到声音的厚度和连贯性有了显著的提升。如果说乐谱是食谱，那么这本书就是一位耐心的烹饪导师，手把手教你如何把食材（人声）变成美味的盛宴。它的结构安排非常合理，从最基础的拍子划分，到复杂的复调处理，层层递进，逻辑严密，让人在学习过程中既有踏实的成就感，又不会因为难度过高而感到气馁。这种循序渐进的设计，极大地激发了我继续钻研下去的动力。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的“实践”二字并非空泛的口号，而是体现在其对“人”的关注上。合唱指挥，归根结底是对人的管理和艺术引导。书中有一章专门讨论了如何与声乐老师进行有效沟通，以及如何处理团员之间的微妙人际关系，这部分内容在很多技术性教材中是被完全忽略的。作者非常坦诚地分享了自己早期指挥生涯中遇到的尴尬和挫折，比如如何得体地指出一位高音独唱者的跑调问题，而不是打击其积极性。这种真诚的分享，让这本书读起来更像是一位经验丰富的长者在倾心传授“江湖经验”，而非冰冷的教科书。它教会我，一个优秀的指挥，其情商的重要性不亚于其乐理知识。通过阅读这些案例，我开始反思自己过去处理团队冲突的方式，并尝试运用书中的“同理心引导法”去调整与团员的互动模式，效果是积极且令人鼓舞的。这本书真正做到了将艺术的“技”与“道”结合起来。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版也给了我极佳的阅读体验。我拿到的是精装版本，纸张的质感很好，长时间翻阅也不会让人感到疲劳。最让我惊喜的是，书中穿插了大量高质量的乐谱片段示例。这些示例不仅仅是文字描述的辅助，它们本身就是微缩的教学案例。比如在讲解“圆润过渡”技巧时，作者直接截取了某位作曲家作品中需要处理的特定小节，并用清晰的标记标注出预期的手势和声部处理方向。这种将理论与实践紧密结合的呈现方式，极大地提高了学习的效率。相比于那些只有文字堆砌的教材，这本书显然投入了巨大的心力在视觉化呈现上。对于我们这些需要将书本知识快速转化到指挥台上的人来说，这种直观性至关重要。此外，书后的附录部分对几位伟大指挥家（如卡拉扬、伯恩斯坦）的指挥风格进行了简要的对比分析，虽然篇幅不长，但足以引发读者对“个人风格形成”的深度思考，这种对标杆的引入，让整本书的视野更加开阔。

评分☆☆☆☆☆

作为一名在圈子里摸爬滚打多年的资深合唱团团长，我常常苦恼于如何将一群背景、音色各异的成员整合为一个和谐的整体。市面上很多指挥教程要么过于学院派，充斥着晦涩的术语，要么过于流于表面，只谈“感觉”。这本书的价值恰恰在于它提供了一套实用的、可操作的“工具箱”。我特别欣赏它对“排练效率最大化”的探讨。书中详细列举了几种不同类型的排练陷阱，并给出了即时有效的干预策略。例如，当出现集体性节奏混乱时，作者推荐了一种交替使用不同重音模式的训练法，这个方法我用在了我们最近排练一首难度较高的宗教合唱作品中，效果立竿见影，原本卡壳的地方竟然奇迹般地流畅起来。更不用说书中对不同历史时期作品的风格处理建议，比如巴洛克时期的清晰线条感与浪漫主义时期的音色融合度之间的权衡，这些都是在实际指挥中需要不断权衡的艺术。它不是告诉你“应该怎么做”，而是告诉你“为什么这么做可能会更好”，这种启发式的教学方式，真正培养了指挥者的独立思考能力。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的音乐鉴赏者的角度来看，这本书提升了我对合唱音乐“聆听”的层次。在未读此书前，我听合唱，关注的是宏大的和声效果和情感冲击力。读完后，我的耳朵仿佛被“升级”了。我现在能敏锐地捕捉到不同声部在某一瞬间微妙的脱节，能判断出指挥的手势是如何影响了弱音部分的清晰度，甚至是次中音部在某个长音上的气息衔接是否平滑。书中对“空间感”处理的讲解尤其让我印象深刻——如何通过指挥的手法，让声音在音乐厅内形成特定的立体投影。这使得我在聆听专业团体的录音或现场演出时，不再是被动接受者，而是主动的“解码者”。我开始理解为什么某些指挥家能让小场地的合唱团听起来像置身于巨大的教堂之中，而另一些则让大团听起来略显拥挤。这本书不仅是为指挥者准备的，它也为每一个热爱合唱艺术的听众，提供了一把深入理解这场声音建筑工程的钥匙，极大地丰富了我的艺术体验。