春天的三种声音雨风雷 管弦乐交响乐队合奏曲谱教材教程书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552308983

商品编码：29867716601

丛书名： 雨风雷

 

 

 

《春天的三种声音：雨、风、雷》作品创作于1992年10月，曾获“黑龙杯”管弦乐作品比赛作品奖，1993年由上海交响乐团在中央电视台新年音乐会上首演。

刘健（1954-2012），湖南长沙人，教授，作曲家，中国电子音乐专业创始人之一，原武汉音乐学院作曲系主任、计算机音乐实验中心主任。中国音乐家协会会员、湖北省音协副主席、中国电子音乐学会副会长。享受国务院政府特殊津贴，湖北省“有突出贡献的中青年专家”和“德艺双馨艺术家”。

音乐理论与实践的广阔天地：一部涵盖多维视角的音乐学习指南 导言：构建扎实的音乐根基 本书旨在为所有对音乐理论与实践抱有浓厚兴趣的学习者提供一套全面、系统且深入的教程。我们深知，要真正理解音乐的精妙，必须从最基础的元素入手，并逐步扩展到复杂结构与历史背景的认知。因此，本书的编写严格遵循循序渐进的原则，确保每一位读者都能在自己的节奏下，稳固地建立起坚实的音乐知识体系。 第一部分：西方音乐基础理论的精研 本部分是构建未来音乐理解的基石。我们没有采取枯燥的术语堆砌，而是力求将抽象的理论概念，通过生动具体的实例和图示进行阐释。 和声学基础：色彩与张力的构建 和声学部分详尽解析了调性音乐的骨架。从音程、三和弦的构成与转位开始，我们深入探讨了七和弦的色彩变化及其在功能和声中的作用。教材特别辟出专章，讲解导和弦、副属和弦等进行中的关键要素，并结合巴赫、莫扎特等古典大师的作品片段进行分析。关于和声进行的逻辑，我们不仅停留在“如何做”的层面，更深挖“为何如此”的审美原因，引导学习者理解和声在营造情绪张力与解决冲突中的核心地位。此外，对调式的深入研究，包括大小调的细微差别、以及如何运用中古调式（如多利亚调式、弗里吉亚调式）来丰富作品的音响色彩，也进行了细致的阐述。 对位法与复调思维 复调音乐是西方音乐发展史上的重要里程碑。本书对对位法的讲解，从最简单的两条声部进行开始，逐步过渡到复杂的三次对位、卡农和赋格的结构。我们详细剖析了帕莱斯特里那风格的严格对位规则，并将其与巴赫《平均律钢琴曲集》中的自由对位技巧进行对比。学习者将通过大量的习题和范例，掌握如何让独立的声音线索在保持自身完整性的同时，又能与其它声部和谐共存，从而培养出真正的“多声部思维”。 曲式与结构分析 音乐作品的宏大叙事需要清晰的结构作为支撑。本章系统梳理了奏鸣曲式、回旋曲式、颂歌（ABA'）等古典时期的主要曲式。我们不仅给出结构图示，更重要的是，教会读者如何通过主题的再现、呈示部的材料发展、呈示部与再现部的处理差异等角度，去“阅读”一部复杂的交响乐或奏鸣曲。对于变奏曲的分析，则侧重于展示作曲家在限定框架内进行无限创新的技巧。 第二部分：二十世纪至今的音乐语汇拓展 面对现代音乐的多元发展，本书致力于拓宽学习者的音乐视野，使其能够自信地面对二十世纪以来的各种音乐现象。 现代和声与十二音体系 本部分摒弃了传统的功能和声框架，聚焦于非功能性和声。内容涵盖三全音和弦、增加音程的和弦扩展、以及聚散和声（Tone Cluster）的应用。同时，对勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）进行了严谨的介绍，包括音列的逆行、倒影和逆行倒影等操作方法的详细步骤，并辅以韦伯恩早期作品中的实例解析。 节奏与速度的革命 现代音乐对传统固定节拍的挑战尤为明显。我们探讨了自由节奏、复节奏（Polyrhythm）的复杂交织，以及附点、切分和非重音强调如何打破听觉的预期。针对当代音乐中常见的节奏模进（Rhythmic Motives）的运用，本书提供了实践性的分析模型。 音色与配器学的进阶视角 本章超越了传统乐器的分类介绍，转向音色（Timbre）作为独立的音乐要素进行探讨。配器学部分深入讲解了弦乐的特殊演奏技法（如大力奏、泛音、颤音的种类），木管乐器的滑音与呼吸声的利用，以及打击乐器族群的音高与非音高属性的区分。尤其强调了现代管弦乐队在色彩组合上的创新手法，例如如何通过对不同声部进行微小的力度和演奏法差异处理，来制造出“颗粒感”或“模糊”的音响效果。 第三部分：音乐史与审美鉴赏的深度对话 知识的掌握必须与历史背景相结合，才能产生真正的洞察力。 风格演变的脉络 本书采用主题式而非纯粹年代式的叙述方式，对比分析了巴洛克时期的“激情说”与古典时期的“清晰理性”之间的内在联系与区别。在浪漫主义章节，我们重点剖析了标题音乐的兴起，以及民族乐派如何将民间音乐元素融入宏大的交响框架之中。对于印象主义与表现主义，我们通过德彪西和施特劳斯的具体作品，解析了他们如何运用和声与配器来表达瞬间的感受或极端的内心冲突。 鉴赏与聆听的训练 本部分提供了一套系统的主动聆听方法。我们引导读者从宏观的结构把握（如确定作品是哪个曲式、呈示部何时结束）过渡到微观的细节捕捉（如注意第一小提琴的装饰音处理、低音部的织体变化）。针对不同体裁——如室内乐、交响诗与歌剧选段——提供了相应的鉴赏要点，帮助学习者建立起一套属于自己的、可操作的音乐品鉴标准。 结语：实践与探索的指引 本书的终极目标是激发学习者自身的创作与实践潜能。我们相信，对理论的深入理解，是通往更高层次艺术表达的必经之路。所有理论知识点均配有相应的练习指导，鼓励读者将所学知识立即应用于自己的创作或演奏实践中。这是一部致力于培养独立思考音乐家的教程，旨在提供丰富的工具箱，而非固定的模具。

评分☆☆☆☆☆

这本关于管弦乐交响乐队合奏的教材，从曲谱编排的角度来看，确实下足了功夫。它不像市面上那些只罗列基本音阶和和弦的入门教材那样枯燥乏味。相反，它似乎是围绕着“春天”这个主题，将音乐的层次感和情绪递进设计得非常巧妙。我注意到，它对不同乐器声部的平衡性有着极为细致的指导，特别是对于弦乐组与木管组在描绘“雨声”时的相互配合，那段的处理简直是教科书级别的示范。作者似乎非常懂得如何将抽象的自然现象转化为具体的演奏技法，比如在模拟“风”的流动感时，它建议使用连奏与非连奏的巧妙切换，这在传统的乐队教材中是比较少见的深入探讨。而且，书中还附带了大量关于乐队指挥在处理“雷声”时，动态范围控制的实用建议，这对于刚接触大型合奏的指挥者来说，无疑是一份及时的指引。从整体结构上看，这本书不仅仅是教你如何“演奏”曲子，更像是引导你如何“理解”作曲家在特定季节背景下，如何运用管弦乐的色彩来构建一个完整的听觉画面。对我来说，它更像是一份音乐思维的训练手册，远超出了普通曲谱的范畴。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的教程部分，有着非常强的“问题导向”思维。它似乎预设了乐队在排练过程中可能遇到的各种难题，并提前给出了解决方案。例如，当乐队在演奏“风”的高速音群时，经常会出现节奏不齐、音准不稳的问题，这本书并没有仅仅要求“加快速度”，而是提出了分段练习、分句加强的策略，并且对如何使用节拍器的不同速率来逐步实现流畅性给出了详细的步骤。对于“雷”的爆发点处理，它甚至细致到了提示指挥在何时可以稍微放松拍子以增强冲击力，这已经超越了基础乐理的范畴，进入到表演艺术的层面。这种对细节的执着，使得这本书不仅仅是学生练习的工具，更是中级乃至高级乐队在打磨特定曲目时，可以反复参考的“参考手册”。它提供的不是标准答案，而是一套完整且灵活的思考框架，让练习者能够根据自己的乐队特点进行调整，这一点非常宝贵。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我最初对这本书的期望值并不高，以为又是那种堆砌理论却缺乏实践指导的“大部头”。但翻开目录后，我立刻被其中那种充满诗意的结构所吸引住了。它将“春天”拆解成了“雨、风、雷”三个截然不同的听觉元素，并且为每一个元素都设计了一套专门的练习方法。比如在“风”的章节，书中大量使用了对位法和声部的模仿练习，这对于提升乐队内部成员之间的倾听能力至关重要。我特别欣赏作者对于“雷”的解读，它并非简单地用定音鼓的轰鸣来表现，而是巧妙地结合了铜管乐器的泛音和低音提琴的拨弦技巧，创造出一种既有力量感又不失春天回暖前那种复杂情绪的声响。这本书的教材性质也体现在其练习曲的设置上，每一段练习都紧密围绕着该自然声响的特点进行设计，要求乐队成员在演奏时必须时刻保持对音色的敏感度。它真正做到了将技术训练融入到艺术表达之中，让枯燥的技巧练习变得像是在进行一场富有想象力的音乐创作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和纸质质量也值得称赞，毕竟作为一本需要长期翻阅的教材，耐用性很重要。但更让我感到惊喜的是它对于不同乐器声部之间“对话”的处理。通常乐队教材会侧重于各个声部的独立技术，但这本书却将重点放在了声部间的“交织”与“反馈”上。在“雨”的主题部分，作者详细分析了小提琴组的高音旋律线如何与大提琴组的持续低音形成一种“水滴落下”的韵律感，这种对乐器音色对比的细腻把握，是很多指挥手册里难以找到的精髓。而且，书中对于如何平衡乐队中“明亮”的木管声与“厚重”的铜管声在描绘“雷雨”场景时的处理，给出了非常实用的“音量分配图”。这让我意识到，指挥的职责不仅仅是控制节奏，更是在于构建一个和谐的听觉空间。阅读这本书的过程，就像是跟随一位经验丰富的大师，一步步走进春天的声音世界，去捕捉那些稍纵即逝的微妙变化。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我耳目一新的是它对“动态层次”的哲学性探讨。它没有将“雨、风、雷”简单地视为音量的增减，而是将其视为一种情绪的递进：从淅沥的、充满希望的“雨”，到轻柔但持续的“风”，最后才是短暂而强大的“雷”，这三者共同构成了春天的完整叙事。在曲谱的注释中，作者对于如何通过弓法、指法甚至气息的控制，来表达这种“从微弱到强盛”的心理变化，进行了深入的剖析。尤其是在处理“风”的部分，书中强调了要让声音具有“穿透力”而非“噪音感”，这需要高超的乐器控制技巧。它甚至提供了一些非常规的练习方法，比如要求所有声部在演奏同一音符时，只关注彼此的泛音共鸣，以此来提升整体音色的统一性。这本书无疑是一部精心打磨的作品，它不仅提升了我的演奏技术，更重塑了我对“环境声音”如何在交响乐中被捕捉和再现的理解。