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上海中职业技术教育课程改革和教材建设委员会 编

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787805538297

商品编码：29867714841

丛书名： 艺术欣赏(美术中等职业技术学校教材试用本)

开本：16开

出版时间：1999-09-01

 

目录

 

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序 ／怎样欣赏美术作品
讲 魏晋南北朝以前的美术
第二讲 隋唐及五代两宋的绘画
第三讲 元代及明清美术
第四讲 现代美术、建筑艺术、民间美术
第五讲 古希腊、古罗马及中世纪美
第六讲 文艺复兴时期和十七、十八世纪美术
第七讲 十九世纪美术
第八讲 二十世纪美术

 

序 ／怎样欣赏美术作品
讲 魏晋南北朝以前的美术
第二讲 隋唐及五代两宋的绘画
第三讲 元代及明清美术
第四讲 现代美术、建筑艺术、民间美术
第五讲 古希腊、古罗马及中世纪美
第六讲 文艺复兴时期和十七、十八世纪美术
第七讲 十九世纪美术
第八讲 二十世纪美术

 

p>艺术教育是学校实施美育的重要内容和途径。艺术教育具有其他学科教育所不可替代的作用，它是潜移默化地提高学生道德水准，陶冶高尚情操，促进智力和身心健康发展的有力手段。学校艺术教育对培养21世纪建设者的创新精神与实践能力具有特殊的功能。
“艺术欣赏”是学校艺术教育的主要组成部分。它引导学生广泛接触人类的文化遗产和当代艺术成果，提高艺术欣赏水平，同时较全面地把握艺术所反映的丰富内容，比较完整、深入地认识社会现实，形成健康的艺术评价能力。
受上海市职业技术教育课程改革与教材建设委员会的委托，根据现代化职业教育的要求和中等职业学校的培养目标，我们编写了注重学生全面素质提高的中等职业学校的《艺术欣赏》教材。本套教材共分四册，即音乐、美术、舞蹈、戏剧电影电视。每册**时数为(9 9)学时，总学时为(36 36)学时。除文字教材外，还有音像的配套资料供师生教、学用。

抱歉，我无法为您提供一个完全不包含您提供的特定图书内容，但又写得非常详细（约1500字）的图书简介。 原因如下： 1. “不包含此书内容”的限制与“详细描述”的矛盾： 要写一个约1500字的“详细”图书简介，通常需要描述该书涵盖的主题、结构、核心观点或涵盖的知识领域。如果您要求简介不包含您提供的特定书名《正版艺术欣赏美术上海中等职业技术教育课程 艺术理论教材书籍 艺术欣赏(美术中等职业技术学校教材试用)》的任何内容，那么这个简介实际上需要描述另一本（或某一类）完全不相关的书籍。 2. 缺乏目标书籍的信息： 您没有提供您希望我介绍的“目标书籍”的名称、主题、作者或任何其他信息。我无法凭空捏造一本详细的、符合逻辑的1500字图书简介，同时还要确保它与您提供的教材没有任何关联。 3. 避免“AI痕迹”和“重复”的要求： 撰写一篇长篇（1500字）且完全原创、细节丰富的简介，需要明确的叙事焦点，而没有焦点，内容必然空泛或重复。 替代方案： 为了满足您对“详细”和“不包含”特定内容的请求，我需要您提供您真正希望我撰写简介的图书的详细信息。 请您提供以下信息中的任意一项或多项： 1. 您希望我介绍的图书的名称或主题是什么？ （例如：一本关于文艺复兴绘画史的专著，一本介绍当代装置艺术的画册，一本探讨建筑美学的理论书籍等。） 2. 这本图书的核心受众是谁？ 3. 这本图书的主要章节或内容侧重是什么？ --- 如果您只是希望我以一个“专业人士撰写简介的风格”来展示1500字的文本结构，我可以提供一个关于一个假设的、与艺术理论无关的领域（例如，一本关于古典音乐鉴赏的教材）的详细简介框架，以展示文笔和结构，但这仍然需要一个明确的主题来支撑字数。 【以下为示例——关于一本假设的《西方音乐史与鉴赏精要》的简介，用于展示风格和长度，请注意，这与您的原书内容完全无关】 --- 《和声的疆域：西方音乐史与鉴赏精要》图书简介 一部跨越千年，深入探索旋律、结构与时代精神的音乐编年史 本书旨在为初学者及有志于深入理解西方音乐传统的爱好者，构建一座从古老格里高利圣咏到二十世纪前卫实验的坚实桥梁。我们深知，音乐的魅力不仅在于其动听的旋律，更在于其背后复杂的历史语境、严谨的结构逻辑以及不同时代思想的投射。因此，《和声的疆域》并非简单的作曲家生平罗列，而是一部旨在解析音乐语言的演变轨迹、剖析核心作品的鉴赏指南。 第一部分：根基的奠定——从早期教会到巴洛克之光 (约400字) 旅程始于中世纪的黑暗中，我们首先探究音乐如何在教会的严格框架内发展出早期的记谱法和单音音乐（Gregorian Chant）。重点解析了奥尔加农（Organum）的出现如何预示着复调音乐的黎明。进入文艺复兴时期，本书详述了“人本主义”思潮对音乐的影响，重点剖析了合唱艺术的黄金时代。我们细致解读了文艺复兴晚期复调大师如帕莱斯特里那（Palestrina）的作品，展示了如何通过精妙的声部交织实现情感的纯粹表达。 随后，我们将步入巴洛克时代——一个充满戏剧性、对比和炫技的辉煌时期。巴洛克并非一蹴而就，本书首先厘清了歌剧（Opera）的诞生及其在佛罗伦萨的早期探索。随后，我们将核心篇幅聚焦于两位巨擘：巴赫与亨德尔。对于巴赫，我们不仅仅停留在介绍其《平均律钢琴曲集》的结构重要性，更深入分析了赋格（Fugue）这一复杂艺术形式的构建逻辑，展示了其数学般严谨的内部结构如何承载深刻的灵性表达。亨德尔的部分则着重分析了清唱剧（Oratorio）的社会功能及其宏大叙事能力。本部分通过大量乐谱片段的图解分析，使读者能够直观理解“固定低音”（Basso Continuo）这一巴洛克基石的运作方式。 第二部分：古典的理性与浪漫的激情 (约550字) 进入十八世纪中叶，音乐迎来了“古典主义”的黄金时代。这一时期，对清晰、平衡与形式的追求达到了顶峰。本书详尽阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为构建大型器乐作品的核心框架，并将其作为鉴赏海顿、莫扎特和贝多芬的关键工具。我们特别为贝多芬留出了一个独立而深入的章节，探讨他如何从古典的藩篱中挣脱，通过不懈的创新和对个人意志的表达，预示了浪漫主义的到来。我们对比分析了贝多芬中期与晚期作品中对传统结构的破坏与重建，例如《第九交响曲》中“合唱”的革命性运用。 浪漫主义的浪潮带来了情感的解放和个人主义的爆发。本部分首先界定了浪漫主义音乐的核心特征：标题音乐（Program Music）的兴起、对民族主义的表达以及对“无限”的渴望。肖邦的室内音乐、李斯特的交响诗，以及舒曼的艺术歌曲（Lied）被细致拆解。我们不仅仅是描述这些作品的“美”，而是探究它们如何利用和声的扩展、节奏的自由化以及音色的丰富来模拟文学意象或内心冲突。此外，本部分还涵盖了晚期浪漫主义的宏伟叙事，如瓦格纳的“乐剧”理论及其对“主导动机”（Leitmotif）的系统运用，解析了其如何彻底改变了音乐与戏剧的关系。 第三部分：世纪之交的探索与裂变 (约400字) 十九世纪末至二十世纪初，是西方艺术史上最为动荡和迷惘的时期之一。随着传统调性的瓦解，音乐语言面临着前所未有的危机与机遇。我们首先考察了印象派对“色彩”的追求，分析了德彪西如何利用全音阶、五声音阶来模糊音响的界限，创造出“光影斑驳”的听觉体验。 紧接着，本书转入对现代主义核心议题的讨论。第二维也纳乐派，尤其是勋伯格的“十二音技法”（Dodecaphony），被视为对传统音乐逻辑的彻底颠覆。我们以清晰的图表方式解释了十二音序列的构建规则，并探讨了这种高度理性的“无调性”尝试背后的哲学动因。随后，我们探讨了斯特拉文斯基在《春之祭》中对原始节奏的回归与对传统的猛烈冲击，这标志着音乐创作进入了一个多元化和碎片化的新纪元。 结语：开放的聆听 (约150字) 《和声的疆域》的最终目的，是培养一种“开放的聆听”能力。音乐史的发展从未停止，理解了过去复杂的“规则”与“反叛”，才能更好地欣赏当代作曲家们如何在全球化背景下继续拓展声音的边界。本书不仅提供知识的骨架，更提供了一把探索音乐世界无穷深度的钥匙。通过阅读此书，您将不再是单纯的听众，而是能够与作曲家进行跨时代对话的鉴赏家。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，我必须用“克制”和“精准”来形容，它几乎不存在任何文学性或煽情色彩，完全是教科书式的标准陈述句。每一个术语的界定都力求做到滴水不漏，似乎生怕任何一个模糊的词汇会给尚未成熟的认知带来误导。例如，在阐述“形式美”的概念时，它会罗列出古典主义、新古典主义、现代主义等对该概念的不同解读，并明确指出每个学派的核心差异点，语气是绝对客观中立的。我注意到，作者在引用艺术史家的观点时，总是非常严谨地注明出处和年份，这显示出对学术规范的尊重。但是，这种过度追求“准确无误”的写作方式，在处理那些本身就带有强烈主观色彩的艺术体验时，显得有些力不从心。艺术欣赏，本质上是一种情感的共鸣和个人审美的投射，但这本书似乎在刻意淡化这种“感觉”的部分，转而将重点放在了“知识点”的梳理上。这就好比你在读一本关于品尝美酒的书，它详细告诉你了酿造工艺和化学成分，却很少描述那种入口后味蕾上绽放的复杂感受。对于一个渴望在艺术中寻找精神慰藉的读者来说，这本书可能提供了完备的地图，但却没能点燃探索的火焰。

评分☆☆☆☆☆

这本书的辅助学习材料和编排设计，整体来看是偏向于传统的纸质学习模式的。章节末尾设置的“思考题”和“自我测试”模块，设计得相当直白，它们的问题通常是事实性的回顾或概念的定义辨析，而非开放性的、引发深度思辨的挑战。例如，它可能会问：“请列举印象派画家的三个主要特征”，而不是“你认为印象派对现代社会审美观念产生了哪些不可逆转的影响？”这种设置，无疑是为应试需求服务的，它明确地引导学生将学习目标聚焦于知识点的准确记忆和复述上。此外，全书的图例和插图的分布，虽然保证了必要的视觉支撑，但总感觉是“点缀”而非“核心”。很多时候，图例是孤立地放在旁边，需要读者费力地去对照正文中的描述，缺乏现代教材中常见的、与文字紧密融合的交互式设计。我期待看到更多引导性的注释框、关键术语的侧边栏提炼，或者图文对照的深度解析。就目前而言，它更像是一本需要读者手动去“激活”和“串联”知识点的工具书，需要读者付出更多的自我驱动力去将这些被精心分类的知识碎片，重构成一个生动、立体的艺术理解体系。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计，说实话，初见时有些朴实得让人提不起太大兴趣。它没有那种华丽的、一眼就能抓住眼球的视觉冲击力，反而更像是一本上世纪末期出版的、严谨的学术参考书。装帧的质地摸上去挺扎实的，纸张的克数也足够分量，这至少能让人感受到出版方在制作成本上是下了功夫的，不是那种敷衍了事的印刷品。内页的排版布局，我得说，虽然清晰度没得挑剔，字体大小也适中，但整体的版式设计显得略微拥挤，很多图文混排的地方留白处理得不够大气。尤其是那些需要配合文字进行解读的图像资料，虽然印刷质量尚可，但因为周围的文字堆砌得太满，总感觉视觉焦点被分散了，需要读者付出额外的专注力去区分主次信息。这本书的开篇部分，给我的感觉更像是严肃的课程大纲导读，而非一次愉快的艺术之旅的序曲，那种学院派的严谨气息扑面而来，可能会让一些对艺术抱有浪漫幻想的入门读者感到一丝压力。它更像是在说：“我们即将开始一项严肃的学习任务”，而不是“让我们一起领略美妙的艺术世界”。不过，从另一个侧面看，这种务实的风格也暗示了其内容的深度和专业性，毕竟对于职业技术教育的教材来说，准确和全面性显然比花哨的外表更重要。

评分☆☆☆☆☆

作为一本面向职业技术教育的教材，这本书在案例选择上体现出一种非常明确的侧重倾向，这让我对它的目标受众有了更清晰的认识。它似乎更倾向于介绍那些具有明确技法可供模仿和分析的作品，尤其是那些在学院派教育体系中被奉为圭臬的经典范例。在对中西方古典绘画、雕塑的分析部分，其深度和广度都无可指摘，能够帮助学生理解那些经过时间考验的“标准”范式。然而，当我试图寻找一些与当代艺术、或者更具实验性质的视觉文化相关的章节时，内容明显就稀疏下来，甚至有些年代感。我理解，职校的课程设置需要平衡理论基础和实用技能的培养，但艺术的生命力恰恰在于其不断地突破边界和挑战既有认知。如果教材对新兴媒介和非传统艺术形式的介绍过于保守或缺乏深度，学生们接触到的“艺术”图景就会被局限在一个相对狭窄的维度内。这意味着，读者在合上这本书后，可能对“如何画好一幅写实静物”了然于胸，但对于如何理解装置艺术的语境，或者数字媒体艺术的哲学基础，可能还需要去寻求其他更前沿的补充资料。

评分☆☆☆☆☆

我翻阅这本书的时候，最大的感受就是其内容的组织结构极度系统化，简直可以拿来做结构分析的范本。每一章的逻辑递进都像是精心铺设的阶梯，从最基础的艺术概念，到不同历史时期的风格演变，再到具体媒介的技法赏析，层层递进，密不透风。它似乎完全摒弃了那种跳跃性的、碎片化的知识点呈现方式，而是坚持采用一种线性的、灌输式的教学路径。举个例子，当它讨论到文艺复兴时期的透视法时，会非常详尽地追溯其理论根源，引用大量的古典文献佐证，然后再结合具体的绘画案例进行剖析，每一个步骤都毫不含糊。对于那些需要打下坚实理论基础的学生来说，这种详尽的铺陈无疑是极大的福音，因为它保证了知识点不会因为过度简化而失真。然而，这种“保姆式”的教学方法也有其副作用——它极大地削弱了阅读过程中的惊喜感和自主探索的乐趣。读起来会有一种“我正在被告知知识”的感觉，而不是“我正在发现知识”的感觉。如果读者本身缺乏对艺术的热情，光是啃下这些结构严谨的理论，恐怕会变成一项相当枯燥的任务。这本书似乎更偏向于“教你如何回答考试问题”，而不是“教你如何用艺术的眼光看待世界”。