原版引进卡鲁里吉他二重奏—对话风格小品 作品第34号第二首书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 卡鲁里吉他二重奏
• 吉他二重奏
• 古典吉他
• 原版引进
• 乐谱
• 对话风格
• 小品
• 作品34号
• 第二首
• 吉他音乐

店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552305692

商品编码：29867716322

丛书名： 卡鲁里吉他二重奏

出版时间：2014-08-01

 

 

 

 

 

 

内容推荐 这是一本古典吉他二重奏曲集。这套二重奏系列共两本，本册与索尔嬉游曲。这套系列的特点是录音清晰，速度平稳，作品诠释得体，并且采用分轨录制，方便学生练习、排练，是古典吉他的卡啦OK。乐谱包括总谱与分声部乐谱，填补我社曲库一直缺少的作曲家卡鲁里。"

 

作者简介 本书指法由毛塚功一编订，1977年日本东北吉他比赛第I名，1995年成立东京吉他四重奏，录制12张个人专辑。

 

探寻音乐的无限疆域：精选古典与当代吉他作品集 （书名暂定：吉他独奏与二重奏的艺术：从巴赫的精妙到当代的回响） --- 导言：拨动指尖上的历史与未来 本书汇集了一系列跨越数百年音乐史的精选吉他作品，旨在为吉他演奏者、音乐学者以及所有热爱吉他艺术的听众，提供一个深入理解吉他这件乐器独特魅力的窗口。我们聚焦于那些在吉他曲目库中占有重要地位的独奏与二重奏作品，它们不仅展示了吉他技术的精湛与多样性，更承载了不同时代作曲家的深刻思想与情感表达。 本书收录的作品并非简单的时间线罗列，而是经过精心挑选和编排，力求在不同风格之间构建对话，展现吉他音乐如何从文艺复兴晚期的简单和弦走向浪漫主义的恢弘叙事，并最终融入二十世纪乃至二十一世纪的实验与创新之中。 --- 第一部分：古典主义与浪漫主义的黄金时代（独奏曲目精选） 本部分着重呈现十九世纪，即吉他作为独奏乐器真正确立其地位的时期所诞生的重要作品。这些作品奠定了现代吉他演奏技法的基石，充满了旋律的优美和情感的深度。 1. 费尔南多·索尔：技巧的奠基石 索尔被誉为“吉他界的贝多芬”。我们精选了他最具代表性的练习曲（Op. 35, Op. 60），这些曲目不仅是学习琶音、音阶和连奏的绝佳教材，其本身也具有极高的艺术价值。特别收录了其《D大调奏鸣曲》（Op. 15）的部分乐章分析，探讨其如何将奏鸣曲式的结构精妙地融入到吉他的织体中。 2. 马瑙罗·庞塞：墨西哥浪漫主义的辉煌 墨西哥作曲家庞塞的作品是古典吉他曲目中不可或缺的部分。本书收录并深入解析了他的《前奏曲集》（Preludios）。这些前奏曲风格多样，从巴赫式的对位到充满异域风情的旋律，展示了庞塞如何将欧洲古典传统与墨西哥本土音乐元素完美融合。我们对这些作品的和声语言进行了细致的剖析，揭示其对后世作曲家的影响。 3. 塔雷加：浪漫的诗篇与技术革新 弗朗西斯科·塔雷加被誉为现代吉他演奏艺术的开创者。本册收录了其著名的三首小品：《泪》（Lágrima）、《阿罕布拉宫的回忆》（Recuerdos de la Alhambra）以及《阿拉伯随想曲》（Capricho Árabe）。对于《阿罕布拉宫的回忆》，我们提供了详细的颤音演奏技巧指导，并探讨了塔雷加在指甲与指肉使用上的革新性思考，这些思考深刻影响了二十世纪所有的吉他大师。 --- 第二部分：二十世纪的探索与革新（现代技巧与多元风格） 随着二十世纪的到来，吉他演奏者和作曲家开始将目光投向更广阔的音乐领域，探索新的音色、和声结构与节奏模式。 1. 赫克托·维拉-罗伯斯：巴西音乐的史诗 巴西作曲家维拉-罗伯斯留下了七首著名的《前奏曲》。本书选取了其中最具代表性的几首，重点分析其独特的巴西民谣动机（如肖罗音乐的元素）与复杂的复调写作技巧。我们不仅关注旋律的优美，更深入研究他如何利用吉他的共鸣特性来模拟管弦乐队的音响效果，体现了其作品的“交响性”特征。 2. 艾尔·里奥布科夫：新古典主义与节奏的实验 本部分还收录了对二十世纪中叶一批致力于拓展吉他表现力作曲家的研究，例如对里奥布科夫的几部小型作品的风格剖析。这些作品往往具有清晰的结构，但和声语言更加现代，对演奏者的节奏精准度和对位清晰度提出了更高的要求。 --- 第三部分：二重奏的对话：平衡与共鸣（吉他二重奏精选分析） 吉他二重奏，如同一次亲密的音乐交谈，要求两位演奏者在音色、动态和节奏上达到近乎完美的同步与互补。本部分专门探讨了为两把吉他而作的杰出作品。 1. 早期二重奏的风格继承 我们回顾了早期浪漫主义时期，如马蒂尼吉（Matiegka）等作曲家为二重奏创作的作品。这些作品往往保留了清晰的主调性，强调旋律的交织与声部的平衡，是学习两位声部如何独立发展又相互依存的典范。 2. 马里奥·卡斯蒂略诺尼：当代二重奏的典范 卡斯蒂略诺尼的作品在当代吉他二重奏中占据重要地位。我们选取了他为双吉他创作的一组“风格变奏曲”。这些变奏曲跨越了从严肃对位到诙谐幽默的多种风格，是对两位演奏者在技巧和音乐理解力上双重考验的佳作。书中详述了如何处理两位演奏者之间时而并置（Unison）、时而模仿（Imitation）、时而形成复杂织体（Texture）的段落。 3. 对位与音色平衡的策略 在分析具体的二重奏乐章时，本书提供了大量的实用指导，例如：如何在保持两位演奏者独立声部清晰度的同时，营造出一种整体的、统一的共鸣感；如何通过微小的速度和动态调整，使对话的焦点自然地在两位演奏者之间转移。特别强调了在演奏复杂对位织体时，如何避免“声部混浊”的问题。 --- 结语：永恒的对话 吉他音乐是一门关于耐心、细节和声音色彩的艺术。本书所呈现的这些杰作，无论是独奏的内省，还是二重奏的交融，都体现了作曲家和演奏家对这件乐器潜能的极致探索。我们希望通过对这些经典曲目的深入解读与实践指导，能够激发新一代吉他学习者，继续在这条充满发现与美感的音乐道路上坚定前行，为吉他艺术的未来续写新的篇章。 --- 附录： 精选曲目演奏版本推荐（涵盖不同流派的权威录音）及推荐乐谱版本对比分析。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开这本书的某个章节时，那种扑面而来的“对话感”真的非常强烈，这让我立刻想起了我对古典音乐最原始的冲动——听两个独立的声部如何互相追逐、争辩、最终达成和谐。这本书的编排似乎刻意营造了一种剧场效果，某些页面的设计布局，比如两个声部的五线谱在视觉上的相互渗透和分离，就仿佛是舞台上两位演员的走位。我发现作者（或者说编者）对情感的把握极为细腻，有些乐句的处理要求演奏者必须在极短的时间内完成从“克制”到“爆发”的情感转换，这对我们的气息控制和弓弦施压的精准度提出了极高的挑战。这绝对不是那种可以边看电视边弹奏的背景音乐集合，它要求你全神贯注地去倾听那无声的“对话”，去揣摩每一个休止符背后隐藏的张力。我目前的重点放在了那些需要快速交替的快速乐章，那里的音符密度让人目眩，但一旦处理得当，那种清晰流畅的织体美感是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的乐谱集拿到手的时候，我的第一印象是它的装帧非常考究，纸张的质感也相当不错，这对于经常翻阅乐谱的演奏者来说无疑是一个加分项。虽然我还没有完全沉下心来研究里面的每一个音符，但仅仅是浏览目录和前言，就能感受到编者在选材上的独到眼光。它似乎不仅仅是一本简单的曲集，更像是一次音乐史的微型漫游。我注意到其中对特定演奏技巧的注释非常详尽，甚至标注了某些巴洛克时期演奏习惯的演变，这对于希望深入理解作品背景的演奏者来说，简直是宝藏。我特别期待尝试那些看似不起眼，但可能蕴含着复杂对位法的段落，它们往往是检验一个二重奏组合默契程度的试金石。总而言之，光从其专业的编辑和深厚的文化底蕴来看，这本书的价值就已经远远超出了其本身的售价，它提供的是一种沉浸式的学习体验，而非快餐式的指法教学。我打算先从那些标记为“练习曲性质”的作品入手，希望能借此打磨一下自己的指法精度和对位清晰度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这类引进的专业乐谱在翻译和注释上往往能体现出出版方的专业水准，而这本书在这方面表现得相当出色，几乎没有发现任何让人困惑的术语偏差。更让我感到惊喜的是，它收录了一些在主流教材中不常出现的、相对冷门但艺术价值极高的作品片段。这让我有种“淘到宝了”的满足感。我注意到其中一首作品的指法建议，明显倾向于十九世纪末期的演奏风格，这与我平日里接触的二十世纪中期主流的简洁化处理方式形成了有趣的对照。这让我开始思考，在保持作品核心精神不变的前提下，我们现代的演奏者应该如何吸收和转化这些历史遗存的演奏习惯。这不仅仅是技术层面的探讨，更深层次上是对作曲家所处时代音乐美学的一次致敬与重构。我正计划将这些“复古”的演奏方式融入到我的日常练习中，看看能否为我自己的演奏带来新的维度和深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是一场视觉盛宴，我指的是那种极简主义的优雅。所有的记号都清晰可辨，不会因为墨迹过深或过浅而影响阅读，而且最重要的——它非常“耐看”。长时间盯着谱子看，眼睛也不会感到过分疲劳。我个人比较偏爱那种在乐谱边缘留有足够空白区域的设计，这样我就可以自由地添加自己的批注、记号和指位提示，而不用担心与原有的印刷内容重叠。这本书的边距处理得恰到好处，显示出设计者对演奏者实际使用习惯的深刻理解。我已经在好几页上用铅笔圈出了那些需要特殊触键控制的音区，并用箭头标示了呼吸点。这种高度的互动性和定制化空间，让这本书从一个被动的知识载体，变成了一个主动的、陪伴我成长的音乐伙伴。

评分☆☆☆☆☆

我刚开始接触二重奏曲目时，最大的困惑是如何让两个乐器听起来像一个整体，而不是两个各自为政的独奏者在争抢注意力。这本书中的选篇，似乎就是为了解决这个核心问题而精心挑选的。其中许多小品都围绕着“模仿”与“回应”的主题展开，一个声部抛出一个动机，另一个声部立刻以不同的音色或节奏进行回应，这种一来一回的张力构建，是教科书级的示范。我正努力通过慢速练习，去体会每个音符之间的“因果关系”——哪个音是“提问”，哪个音是“回答”，哪个音是“总结”。这需要极高的听觉敏感度，要求演奏者不仅要关注自己的音准和音色，更要实时地去“聆听”同伴在做什么，并预判他下一步的意图。这本书无疑为我们提供了一个绝佳的训练场，去培养这种超越自我、关注整体的室内乐思维。