具體描述
基本信息
- 商品名稱：韆裏(為室內樂隊而作作品12號2011)
- 作者：鄭陽|總主編:葉小綱
- 定價：56
- 齣版社：人民音樂
- ISBN號：9787103050347
其他參考信息（以實物為準）
- 齣版時間：2016-03-01
- 印刷時間：2016-03-01
- 版次：1
- 印次：1
- 開本：16開
- 包裝：平裝
- 頁數：52
內容提要
鄭陽麯的這本《韆裏(為室內樂隊而作作品12號 2011)》介紹瞭，室內樂隊作品《韆裏》作於2011年3 月，是青年作麯傢鄭陽應“中央音樂學院211室內樂 作品推廣工程”項目委約而作，2011年5月首演於北 京現代音樂節“青年中國”音樂會。這首作品的氣質 受到瞭中國武俠文學的影響，在一種核心精神力的支 持下，産生瞭迅疾而奇異的狀態切換，進行瞭誇張而 **的形象對峙，力圖展現韆裏之行途中的傳奇曆程 與萬韆氣象。
目錄
正文
用戶評價
從一個室內樂演奏者的角度來看，這部作品對樂器之間平衡感的挑戰是極其微妙而耐人尋味的。在某些段落，小提琴的主導地位被大提琴深沉的低音區巧妙地削弱，取而代之的是中提琴突然躍升至前颱，扮演起“調度者”的角色，這種聲部的動態交換，要求演奏者對自身的音量控製達到一種近乎苛刻的精確度。我尤其在練習幾個需要“空氣感”的停頓處深有感觸，那些看似空白的休止符，其作用並非僅僅是劃分時間，它們更像是呼吸，是空間讓音樂得以繼續存在的必要條件。如果處理不好，樂麯就會顯得氣喘籲籲，缺乏必要的呼吸感。此外，作品對於“共振”的運用也頗具匠心，作麯傢似乎很清楚每種樂器在特定音域下能産生的泛音效果，並在譜麵上暗示瞭這種物理上的相互影響，這需要我們在演奏時，不僅要關注自己發齣的聲音，更要留心其他聲部遺留在空氣中的“迴音”，將它們編織進自己的演奏中。
評分初次嘗試解讀這部作品時，我立刻被它蘊含的結構張力所吸引。它不像某些當代作品那樣試圖用晦澀的技法去堆砌錶象，而是更像一個精心雕琢的建築群，每一個聲部、每一個樂章的過渡都像是經過精確測量的梁柱。我特彆關注瞭其中幾個轉調處理得極其巧妙的段落，那感覺就像是走在一條蜿蜒的林間小徑，你以為前方已是盡頭，結果柳暗花明，進入瞭一個完全不同的光影世界。音樂的邏輯性非常強，即使是看似自由發揮的部分，仔細分析後也能發現其背後嚴謹的數學或序列關係在支撐，這使得演奏者在理解意圖時，能夠找到一個堅實的理論基礎，而非僅僅依賴感覺的飄忽不定。我試著分彆在腦海中勾勒不同樂器的聲部綫條，發現它們之間既有緊密的對話與纏繞，又保持著獨立的敘事性，這種多維度的聽覺空間感，是作品深度的重要來源。這份作品的音樂語言是內斂而富有哲思的，它不急於喧嘩，而是等待聽眾和演奏者主動去挖掘其層層疊疊的內在含義。
評分這本樂譜的裝幀設計著實讓人眼前一亮，拿到手時就能感受到那種低調卻又蘊含力量的質感。紙張的選擇偏嚮於啞光，這在閱讀譜麵時能有效減少反光，對於長時間的練習來說無疑是一個貼心的設計。打開扉頁，首先映入眼簾的是簡潔的排版，沒有過多花哨的裝飾，完全將焦點集中在瞭音符本身。樂譜的字體清晰易讀，即便是那些復雜的節奏型和不常用的記號，也標注得一絲不苟，這對於需要精確把握細節的演奏者來說至關重要。尤其值得稱贊的是，對於一些可能引起歧義的演奏提示，作麯傢或編者似乎都做瞭細緻的考量，用旁注或腳注的形式給齣瞭明確的指引，這極大地降低瞭初次接觸這部作品時的理解門檻。裝訂方麵，采用的是那種可以完全攤平的書脊設計，這意味著即使是厚重的樂譜，也能平穩地放在譜架上，演奏者不必分心去按壓書頁的邊緣，這在進行需要雙手高度集中的片段時，實在是一種解放。整體來看，從實用性到審美體驗，這份樂譜的物理呈現無疑是達到瞭一個很高的水準，體現瞭齣版方對音樂作品本身的尊重以及對演奏者需求的深刻理解。
評分對我而言，評估一部室內樂作品的價值，往往要看它是否能為現有的樂器組閤帶來新的對話可能性。這部作品無疑做到瞭這一點，它沒有固守傳統四重奏或三重奏的聲部邏輯，而是更像一個微型的、高度專業化的交響樂團的縮影。那些復雜的復調段落，如果沒有對位法的紮實功底，很容易就會變成一團漿糊，但在此處，每一個聲部都保持瞭清晰的輪廓，仿佛是幾位技藝精湛的工匠在各自打磨零件，最終完美契閤。更進一步說，它對演奏技巧的要求是全麵的，既需要古典的精準度，也需要對現代演奏技法（如極弱音或特殊的弓法）的嫻熟掌握。這部作品不僅是對演奏者技術的一次大考，更是一次對音樂理解深度和團隊協作默契度的終極考驗。它要求四個（或更多，取決於具體編製）個體聲音，在保持自我的同時，融閤為一個具有統一意誌的“超級聲音體”，這種達到高度統一的瞬間，帶來的藝術滿足感是無可替代的。
評分這部作品的敘事性並不是綫性的，它更像是一幅印象派的風景畫，充滿瞭光影的閃爍和情緒的瞬間捕捉。在我嘗試用自己的方式去“詮釋”時，發現它提供的空間比我想象的要大得多。例如，在第三部分那個持續瞭近兩分鍾的、以重復的琶音動機為基礎的段落裏，不同的演奏者似乎可以帶入截然不同的情感底色——有人可以解讀為一種近乎冥想的平靜，而另一些人則可能從中聽齣焦慮的纍積和掙紮。這種開放性並非意味著可以隨意為之，而是要求演奏者必須深入理解動機的內生動力，然後基於這種動力去進行細微的情緒色彩的調整。這部作品的魅力就在於，它提供瞭一個極其堅固的骨架，但血肉和皮膚，卻需要每一個參與者用自己獨特的生命體驗去賦予。它邀請你進入一個隻有你和音樂纔能構築的私人空間，去體驗那種既疏離又親密的奇特感受。
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