中国艺术歌曲选(1949-1965上下)/声乐教学曲库 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐

ISBN：9787103014653

商品编码：29961169593

开本：16

出版时间：1997-08-01

基本信息

• 商品名称：中国艺术歌曲选(1949-1965上下)/声乐教学曲库
• 作者：编者:胡钟刚|总主编:储声虹//徐朗//余笃刚
• 定价：57
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103014653

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：1997-08-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：352

好的，这是一份关于其他音乐书籍的详细简介，内容涵盖了广泛的音乐领域，旨在提供丰富、深入的阅读体验，且不涉及您提到的《中国艺术歌曲选(1949-1965上下)/声乐教学曲库》的具体内容。 --- 《二十世纪西方音乐思潮与实践》 内容提要： 本书是一部全面梳理二十世纪西方音乐发展脉络的学术专著。它不仅关注音乐风格的演变，更深入探讨了在社会、哲学、技术变迁背景下，作曲家们如何探索新的音乐语言与美学观念。全书结构严谨，论述翔实，是理解现代音乐复杂性的重要参考。 第一部分：现代主义的肇始与早期探索（约 1900-1930） 本部分首先回顾了浪漫主义晚期的余绪，重点分析了印象主义（如德彪西、拉威尔）如何通过音色、和声色彩和模糊的结构来打破传统的调性框架。随后，详细剖析了表现主义音乐（舍恩贝格、贝尔格）的诞生及其对人类内在心理冲突的深刻揭示。无调性音乐的出现被视为一次革命性的转折点，而十二音体系的建立，则标志着作曲家试图在完全失控的声响世界中寻求新的结构秩序。此外，本部分还涵盖了斯特拉文斯基“原始主义”时期的重要作品，及其对节奏和复调的颠覆性处理，以及巴托克等作曲家在民族主义与现代技法结合方面的独特贡献。 第二部分：战间期与新古典主义的回归（约 1920-1945） 在经历了第一次世界大战的巨大创伤后，音乐界出现了一股反思浪漫主义过度主观性的浪潮。新古典主义的兴起，强调清晰的结构、对位法的运用以及对巴洛克和古典时期形式的借鉴，成为主流。普罗科菲耶夫、欣德米特等作曲家如何将传统形式与新的和声语言巧妙融合，是本部分的重点议题。同时，探讨了功能和声的瓦解后，各种非传统和声语言（如全音阶、比特纳体系）的尝试，以及对音乐社会功能性的重新思考。 第三部分：战后激进主义与电子音乐的兴起（约 1945-1970） 二战后的欧洲乐坛充满了对过去一切的反思与革新动力。序列主义（Total Serialism）在达姆施塔特夏令营中得到了极大的发展，作曲家们将十二音原则扩展到节奏、力度、时值等所有音乐要素上，力求达到完全的控制与系统化。凯奇的偶然音乐（Aleatoric Music）作为对序列主义的极端回应，挑战了“作曲家意图”的核心地位，引入了不确定性与接受者的角色。同期，电子音乐的诞生，特别是具体音乐（Musique Concrète）和纯电子音乐的实验，极大地拓宽了声音的来源和制作方式，为后来的音乐创作打开了无限的可能性。 第四部分：多元化与后现代的景观（约 1970 至今） 进入后现代阶段，音乐创作呈现出空前的多元化趋势。本部分分析了极简主义（Minimalism）的复兴，其对重复、过程和非传统的听觉体验的强调（如赖利、莱赫）。明晰的复调写作、回归调性或新浪漫主义倾向的出现，是对战后激进实验的一种修正与平衡。微音音乐（Micropolyphony）和泛调性（Pan-tonality）的持续发展，以及对非西方音乐元素的吸收，共同构筑了一个开放、包容的音乐生态。此外，本书也对音乐美学与技术进步（如数字合成技术、计算机辅助创作）如何相互作用，塑造当代音乐的现状进行了深入的探讨。 适用读者： 音乐学院学生、专业音乐教师、音乐史研究人员，以及所有对二十世纪以来西方音乐发展历程抱有浓厚兴趣的听众与学习者。 --- 《管弦乐队配器法原理与实践》 内容提要： 本书是一本系统性、实用性极强的管弦乐队配器教科书。它摒弃了传统配器法过于依赖经验传授的弊端，转而采用科学、系统的视角，深入剖析各类乐器的音域、音色特性、演奏技巧，并辅以大量经典配器范例，旨在帮助学习者掌握将音乐思想转化为丰富、平衡、富有表现力的管弦乐队织体的方法。 第一部分：管弦乐团的组织与基础理论 本部分首先介绍了标准管弦乐队的编制结构，包括木管组、铜管组、打击乐组和弦乐组的构成与功能定位。重点讲解了“音色”（Timbre）的科学分析——如何区分、组合和处理不同声部的音色纯净度与混响效果。同时，详细阐述了“平衡”（Balance）的原理，包括声学原理在乐队布局中的应用，以及如何通过力度控制、高低音区安排来实现不同声部间的和谐共存，而非简单的音量叠加。 第二部分：木管组的特性与应用 详细考察了长笛、双簧管、单簧管、巴松管及其变种乐器（如短笛、英国管、低音单簧管）的物理特性与表现力。每一乐器都被赋予了详细的音域图表，并标记出其最理想的演奏区域、易于产生的技术难点（如换指、颤音、气声）以及在不同温度和湿度下的性能变化。本书特别强调了木管组内部的交织与模仿，例如如何巧妙地利用长笛与双簧管的音色差异来构建对话，或使用巴松管的低音区来支撑铜管的厚度。 第三部分：铜管组的力量与光辉 铜管乐器因其响亮、穿透力强的特性，在乐队中往往扮演着核心角色。本部分对圆号、小号、长号和大号进行了深入剖析。圆号的复杂性（特别是其在弱奏和高音区的处理）、小号的清晰度与辉煌感、长号的线性与庄严感，以及大号的深沉基础，均有详尽的论述。书中包含大量关于使用弱音器（Mutes）对音色进行改变和塑形的实例，以及如何通过推指和滑音技术来处理音程间的过渡。 第四部分：弦乐组的基石与细腻表达 弦乐组作为乐队的绝对主体，其重要性不言而喻。本书从演奏技巧的角度出发，细致区分了小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴的音域功能。配器技巧不再局限于简单的旋律分部，而是深入到弓法（如断弓、连弓、碎弓、击弦）对音色质感的影响，以及揉弦和换把对情感表达的微妙调节。书中着重分析了如何通过对弦乐组内部进行不同声部的复杂分割（Divisi），来模拟出人声合唱般丰富多变的和声织体。 第五部分：打击乐与特殊音效的整合 打击乐组的引入，极大地丰富了管弦乐的色彩和节奏维度。本书对有固定音高的打击乐器（如定音鼓、马林巴、木琴、钟琴）的精确音高控制进行了讲解。对于无固定音高的乐器（如钹、军鼓、三角铁），则侧重于其节奏功能和何时“点缀”而非“干扰”整体声响的原则。特殊效果的运用，例如钢琴、竖琴以及各种新式打击乐器的融入，被视为提升音乐戏剧张力的有效手段。 第六部分：综合配器实例分析 本部分通过分析莫扎特、贝多芬、德彪西和肖斯塔科维奇等大师的管弦乐片段，进行“倒推式”的配器分析。读者可以清晰地看到作曲家是如何根据音乐动机的需要，选择特定的乐器组合、分配声部、控制动态范围，最终构建出既符合逻辑又充满感染力的乐队效果的。 特点： 本书图文并茂，包含大量乐谱示例和录音参考（需配合配套资源），理论与实践紧密结合，是培养现代配器思维的必备工具书。 --- 《西方音乐史学：从格里高利圣咏到二十一世纪》 内容提要： 这是一部涵盖西方音乐长达一千五百年发展历程的宏大通史。它超越了传统的“风格时期”划分，强调音乐史研究方法的演变，以及不同历史阶段的社会、文化、宗教、政治环境如何塑造了音乐的创作、传播与接受模式。全书采用跨学科研究的视角，力求呈现一个立体、多维度的音乐史图景。 第一部分：中世纪音乐的宗教基础与世俗边缘（约 500-1400） 本部分从古罗马音乐的衰落讲起，深入探讨了中世纪早期以格里高利圣咏为代表的单音音乐的形成与发展，阐释了教会对音乐记谱法（纽姆谱）发展的关键作用。随后，转向早期复调音乐（如奥尔加农）的结构探索，以及巴黎圣母院乐派的创新。同时，也关注了世俗音乐，如游吟诗人（Troubadour/Trouvère）歌曲，及其在民间文化中的地位。 第二部分：文艺复兴的“人本主义”与音乐的复兴（约 1400-1600） 文艺复兴时期，音乐的焦点从服务神转向赞美人性与情感表达。本书重点介绍了佛兰德斯乐派对完美复调技艺的追求，以及其在弥撒曲和经文歌中的体现。印刷术的发明对音乐传播的革命性影响被详尽分析。此外，世俗音乐的繁荣，特别是法国香颂和意大利牧歌（Madrigal）如何通过文字与音乐的紧密结合（“文字描绘”），展现了高度的艺术性。 第三部分：巴洛克：结构、情感与宏大叙事（约 1600-1750） 巴洛克时期是音乐史上一个极具创造力的时代。本书详细阐述了“巴洛克精神”的构建，即对对比、华丽装饰和强烈情感表达的偏好。歌剧的诞生及其早期发展（如蒙特威尔第），奏鸣曲、协奏曲等器乐体裁的成熟，以及巴赫与亨德尔对对位法和和声系统的集大成，构成了本部分的核心。对“通奏低音”的实践性分析，是理解巴洛克音乐结构的关键。 第四部分：古典主义：清晰、平衡与形式的完善（约 1750-1820） 启蒙运动的理性光辉渗透到音乐中，形成了追求结构清晰、比例和谐的古典主义风格。本书着重分析了奏鸣曲式在这一时期的确立与完善，以及交响曲、弦乐四重奏的体裁发展。海顿、莫扎特和贝多芬三位大师的不同创作理念——从海顿的“结构大师”到贝多芬对个体意志和英雄主义的表达——被细致对比。 第五部分：浪漫主义的个体解放与民族色彩（约 1820-1900） 浪漫主义音乐的核心在于情感的深度挖掘和个体经验的张扬。本部分探讨了艺术歌曲（Lied）的兴盛，以及对小型独奏曲（如钢琴小品）的偏爱。管弦乐队的扩张、标题音乐（Program Music）的流行，标志着音乐开始承担更强的叙事功能。同时，深入分析了民族乐派（如俄罗斯五人组、斯美塔那）如何从民间音乐和民族史诗中汲取灵感，为本国音乐寻找独特的声音。 第六部分：现代转型与二十一世纪的广阔地平线（1900 至今） 本部分回顾了二十世纪初对传统调性的瓦解过程，以及对新技法（如印象主义、原始主义、序列主义）的探索。着重于音乐史研究方法论的转变，即如何将社会学、人类学、符号学等工具应用于音乐分析。最后，展望了当代音乐在跨文化交流、数字技术影响下的全新发展方向，强调音乐史研究的持续开放性。 特色： 本书不仅是一部风格史，更是一部思想史。通过对史料的批判性解读和对不同音乐流派的相互映照，为读者提供了一套审视音乐历史变迁的成熟框架。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，当我第一次翻开这套书的时候，我的第一反应是“内容很扎实，但可能有点沉闷”。毕竟是跨越了近二十年的选集，风格必然不会是统一的轻快明亮。但随着阅读的深入，我发现这种“沉闷”其实是一种深沉的底蕴。有些作品的曲调，初听可能觉得略显平铺直叙，但细细品味之后，会发现它们在和声处理和旋律进行上，其实蕴含着非常高超的技巧。特别是那些结构相对复杂的艺术歌曲，简直就是声乐学习者和演唱者不可多得的宝藏。这本书无疑是为那些愿意静下心来，去探索音乐“内在美”的读者准备的。它不追求即时的轰动效应，而是考验读者的耐心和对艺术的理解深度。

评分☆☆☆☆☆

我花了好几个周末的时间，才把这本选集里的曲目大致“听”了一遍，当然，这里说的“听”更多的是脑海中的想象与对文字的揣摩。这些歌词的文学性，放在今天来看，依然是顶呱呱的标杆。它们不仅仅是旋律的载体，本身就是精美的诗歌。我尤其欣赏那些对时代精神的捕捉，那种集体主义的浪漫与个体情感的交织，在那个特定的历史背景下，显得尤为动人和真挚。有些作品的叙事性非常强，读起来就像在看一部微型的史诗，充满了画面感。我尝试着去模仿歌词中的韵脚和节奏去朗读，试图感受一下作曲家和词作家当时的心境。这本书的价值，不仅仅在于保存了这些音乐作品，更在于它提供了一扇窥视那个特定年代精神世界的窗口。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我并不是科班出身的音乐工作者，我更偏向于一个历史爱好者和业余的文学爱好者，所以从纯粹的音乐理论角度去评价这本书可能有些力不从心。但我可以从一个普通读者的角度来说说我的感受：这套书的编排逻辑非常清晰，上下册的区分也很有章法，让人很容易就能找到自己感兴趣的时期或者风格的作品。我最看重的是它所承载的那份“真实感”。这些歌曲，不像后来的某些作品那样矫揉造作，它们是那个时代最真实的声音写照，无论是赞美还是抒怀，都带着一种直抵人心的真诚。每当我沉浸在这些文字和旋律的想象中时，仿佛能感受到那个年代人们对新生活的热切盼望和为之奋斗的热情。这种精神上的共鸣，是任何时髦的流行歌曲都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，拿到手里就有种沉甸甸的质感。封面那种淡雅的墨绿色，配上烫金的书名，一下子就抓住了我的注意力。我一直对那个年代的艺术歌曲抱有特殊的情感，总觉得那个时期的旋律里藏着一种既磅礴又细腻的力量。打开扉页，看到那排版清晰的目录，就忍不住开始翻阅起来。选曲的跨度也很有意思，从建国初期那种充满热情和理想主义的基调，到后来更加注重抒情和对生活细节的捕捉，这种递进感在阅读的过程中体会得非常明显。而且，这本书的纸张质量也相当不错，即使是经常翻看，也不会有那种脆弱的感觉。对于我这种喜欢收藏音乐书籍的人来说，这样的用心制作，绝对值得珍藏。能把这么有历史厚重感的作品，以如此精致的形态呈现出来，出版方绝对是下了大功夫的。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来说，这本书的尺寸和重量都非常适合放在书房的案头进行研读。我特别喜欢它在一些关键作品后附带的简短背景介绍，虽然篇幅不长，但能帮助我快速了解作品诞生的时代背景和主旨思想，这极大地丰富了我的阅读体验。它不像那些厚厚的音乐史教科书那样教条，而是以一种更贴近“艺术品鉴赏”的方式来呈现这些珍贵的声乐遗产。作为一个业余的文化活动组织者，我甚至考虑将其中一些富有时代气息的作品推荐给年轻的合唱团进行排练。这本书不仅是对历史的记录，更像是一份充满生命力的艺术遗产目录，激发着我们去聆听和传承那些已经远去的声音。