合唱指挥的基础与实践 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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房思钊 编

图书标签:

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• 音乐教学
• 声乐
• 音乐表演
• 合唱

店铺： 土星图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103030752

商品编码：29963588851

开本：16

出版时间：2006-07-01

基本信息

• 商品名称：合唱指挥的基础与实践
• 作者：编者:房思钊
• 定价：42
• 出版社：人民音乐
• ISBN号：9787103030752

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2006-07-01
• 印刷时间：2017-04-01
• 版次：1
• 印次：4
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：201

内容提要

《合唱指挥的基础与实践》是作者房思钊从事合 唱艺术多年实践经验的结晶，其内容深入浅出、循序 渐进。用通俗易懂的语言系统地讲述了合唱指挥的理 论及方法。本书从合唱指挥的基础入手，力求使学习 者能结合自身的实践充分体会和逐步提高指挥综合能 力。本书对手势运用的科学性和艺术性、歌唱的基础 常识及灵活运用、指挥的主动意识等问题做了深刻讲 解与探究。正文后附教学参考作品31首，**适合作 为合唱指挥入门的学习教材。为方便广大读者学习， 特采用简谱记谱。
    

目录

**部分 合唱指挥及其职责
第一章 指挥的形成与任务
第一节 合唱指挥的形成与意义
第二节 合唱指挥的任务
一、合唱队的建立与组织
二、合唱队的规模
三、合唱形式的分类
第三节 声部的分配与组织
一、声部的特点及音域
二、声部人数的比例
三、声部分配的依据和原则
第四节 曲目的选择
第五节 伴奏
第六节 合唱队形与排列
第二章 合唱的声音
第一节 统一
一、唱法的统一
二、字音的统一
三、音区的统一
第二节 均衡
一、声部间的均衡关系
二、各声部的常用音区及注意事项
三、合唱与伴奏的均衡关系
第三节 和谐
一、横向方面
二、纵向方面
三、其他方面
第三章 合唱指挥**的歌唱知识
第一节 声乐基础知识
一、正确的声音概念
二、歌唱的姿势
三、歌唱的呼吸
四、气息的运用
五、共鸣
第二节 音韵常识
一、现代汉语的声、韵、调组织
二、音韵辨正
三、歌唱中常见的几个音韵学术语
第三节 关于童声合唱训练中的几个问题
第四章 排练艺术
第一节 制定发展目标和排练计划
一、科学务实地选择排练曲目
二、科学合理地进行训练
第二节 科学规划实施步骤
一、视唱合成阶段
二、加工细排阶段
第三节 排练中的艺术性
一、指挥的示范作用
二、排练过程中的艺术性
第二部分 指挥手势
第五章 指挥的点与线
第一节 敲击点
一、敲击点的方法
二、点前线
三、点后线
第二节 弹上点
一、弹上点的方法
二、下行线
三、练习注意事项
第六章 常见拍子的指挥图式
第一节 二拍子
一、指挥姿势与预备动作
……
第三部分 关于作品的处理
第四部分 合唱谱例（30首）
后记

音乐教育与理论深度探索 《和声学原理与应用：从巴赫到德彪西》 图书简介 本书深入剖析了西方音乐和声体系的演变与核心原理，旨在为音乐专业学生、作曲家及资深音乐爱好者提供一套系统、严谨且富有洞察力的理论框架。全书以时间为轴，以理论深度为基石，旨在揭示和声作为音乐“语法”的内在逻辑及其在不同历史时期的具体实践。 第一部分：古典和声的坚实基础 本部分聚焦于十七世纪至十九世纪初的调性音乐。我们从最基本的音程、和弦构建逻辑入手，详细阐述了三和弦、七和弦的构成、功能及其在不同调性中的转位与连接规律。重点章节包括： 功能和声的解析： 对主、属、下属和弦在功能层面的深度解读，探讨了它们的导向性与解决机制，尤其关注终止式（Cadences）的结构与情感张力。 和声连接的艺术： 不仅停留在规则的罗列，更深入探讨了声部进行中的平行八度、五度回避原则的合理性与例外，强调和声进行中的线条流动性与逻辑连贯性。 典型的和声织体分析： 以巴赫赋格与奏鸣曲式为核心案例，解构了复调织体中和声的运作方式，探讨了对位法如何服务于和声的清晰表达。 第二部分：浪漫主义的色彩与扩张 随着音乐审美向个体情感表达的倾斜，和声语言开始展现出前所未有的复杂性与情绪张力。本部分将重点研究浪漫主义作曲家如何挑战和拓展古典和声的边界： 半音化与和声的模糊性： 深入分析增三和弦、减七和弦在和声连接中的渗透作用，以及经过和弦、副属和弦如何有效地制造“色彩”和“悬念”。重点研习肖邦和李斯特作品中对主调性的微妙模糊处理。 调式色彩的回归与革新： 考察浪漫主义时期作曲家（如瓦格纳）对古代调式音阶的兴趣，以及这种兴趣如何影响了他们对和弦色彩的运用，特别是瓦格纳和声中对不协和音的长期悬置。 第三部分：印象主义与现代和声的黎明 进入二十世纪，音乐的基石——调性——开始瓦解。本部分旨在引导读者理解印象主义作曲家如何构建一种全新的听觉体验，其和声不再以功能解决为目的，而更侧重于声音自身的质感与氛围。 平行和声与非功能性运用： 细致分析德彪西和拉威尔如何大量使用平行五度、平行和弦（Planing），以及这些手法如何打破了传统和声的逻辑束缚，创造出如水波般流动的听觉画面。 调式与非传统音高组合： 深入探讨全音音阶、五声音阶在印象主义和声织体中的运用，以及如何利用这些音阶来构建出非传统的、不依赖于传统调性中心的和声色彩。 集群和声的萌芽： 简要介绍早期的和声集群概念，预示着二十世纪后半叶的音乐语言将如何进一步探索声音的密度和张力。 本书特色 本书不仅提供了详尽的理论阐述，更融入了大量的历史语境分析。每一核心概念的引入，都伴随着对相应时期音乐史背景的讨论，确保读者理解“为什么”某种和声语言会产生和“如何”在实践中被运用。每章末尾附有精心挑选的乐谱片段分析练习，要求读者不仅要“识别”和声，更要“听见”和声背后的情感意图与结构逻辑。 目标读者 音乐学院本科生、研究生，对和声理论有深入学习需求的高级音乐爱好者，以及致力于拓展自身作曲和编曲技法的音乐实践者。本书是理解西方音乐从对位到功能和声，再到色彩和声演变历程的必备工具书。 --- 《管弦乐队配器法与音色设计》 图书简介 本书是一部全面、深入的管弦乐队配器艺术的实用指南与理论宝典。它超越了简单的乐器音域和性能指标介绍，着重于探讨二十世纪以来，作曲家如何通过精妙的音色组合与织体布局，实现复杂且富有创意的音乐表达。本书旨在将配器学从一门“技术性”的知识提升为一门“艺术性”的直觉训练。 第一部分：乐器家族的“性格”与功能定位 本部分对管弦乐队的四大声部（弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组）进行了细致的、超越教科书表面的分析。 弦乐组的细微差别： 不仅介绍小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴的基本音域，更深入探讨弓法（如拆弓、触弦、泛音）对音色纯度、力度和情感表现的决定性影响。分析长笛与短笛在高音区、单簧管在低音区的“个性化”处理。 木管组的色彩融合： 强调木管乐器在独奏与合奏中的平衡问题。详细分析双簧管与英国管的音色对比，以及巴松与低音巴松在低音区如何为整体织体提供“重量”与“支撑”，并讨论不同木管乐器在快速交替演奏时的技术挑战。 铜管组的能量控制： 探讨圆号如何作为连接木管与铜管的“桥梁乐器”，以及小号、长号在不同调音管（例如长号的滑管）下的音准与音色控制。重点分析弱奏时铜管的脆弱性与强奏时的爆发力。 第二部分：配器的核心技法与织体构建 本部分是本书的实践核心，探讨如何将单独的乐器声音塑造成一个统一的整体，并赋予其特定的空间感和深度。 音域的叠加与空间感构建： 深入研究如何利用不同乐器声部的空间位置（高、中、低）来构建清晰的层次结构。例如，如何利用中提琴和圆号的混合声部来创造“朦胧”的中音区，或如何用低音提琴和低音单簧管来加固低音线条。 色彩的混合与分离： 讲解“色彩混合”的原理——即两种或多种乐器在特定音区和力度下，其声音融合得近乎无法分辨（如长笛与单簧管的高音区），以及如何通过对比（如弦乐组与铜管组的对答）来强调清晰度。 织体密度的调控： 分析配器如何控制音乐的“密度”——从稀疏、透明的独奏织体，到厚重、饱和的齐奏。重点讨论在强音区如何避免“声音泥泞”，以及在弱音区如何保持线条的独立性。 第三部分：现代配器的挑战与创新 面向二十世纪及当代音乐，本部分侧重于非常规配器技法和对传统乐器性能的拓展。 特殊演奏技法（Extended Techniques）： 详细介绍和分析如弦乐的托木巴（Col Legno）、铜管的泛音吹奏（Flutter-tonguing的极限应用）、木管的呼吸噪音（Breathing Sounds）在配器中的具体功能与记谱法。 打击乐组的色彩矩阵： 将打击乐视为一个庞大的“音色工厂”。深入研究马林巴、颤音琴等旋律性打击乐器在和声色彩中的应用，以及定音鼓、军鼓等节奏性打击乐器如何通过不同的敲击点和力度来改变音色特质，而非仅仅服务于节奏。 电子与声学乐器的融合： 探讨在当代管弦乐配器中，如何巧妙地将电子音效或合成器声部融入传统的乐器编制中，使其成为有机的一部分，而不是生硬的附加物。 本书优势 本书的理论阐述总是紧密结合具体的管弦乐作品实例（如马勒、斯特拉文斯基、德彪西等大师的配器段落），提供大量的配器“实验报告”。它不仅指导“写什么音”，更指导“如何写出那个音色”。适合所有希望从“写出能演奏的乐谱”迈向“写出具有独特听觉体验的音乐”的作曲家和配器师。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和内容呈现方式也令我颇为关注。我希望它不仅仅是一本工具书，更能激发我对合唱艺术更深层次的思考。如果书中能穿插一些关于合唱艺术史的简短回顾，或者对不同流派合唱团的特点进行对比分析，那将是非常有价值的补充阅读。我更倾向于那些能够引导我去思考“为什么这样指挥”而非仅仅“怎么做”的书籍。例如，在诠释某一特定宗教音乐或民谣作品时，指挥的哲学立场应该如何影响其在舞台上的形象和调度，这方面的讨论会让我感到受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

我希望这本书能够对我目前在合唱指挥中遇到的技术瓶颈有所帮助，特别是关于节奏的精确处理和清晰的乐句划分。我目前在处理一些节拍复杂或速度变化较快的作品时，总感觉指挥意图传达不够到位。因此，我非常期待书中能详细阐述各种手势技巧的细微差别——比如，如何区分“柔和地渐强”和“突然的强音”所需要的手臂动作幅度与速度。此外，对于如何处理乐团内部不同声部的“时间差”和“进入点”的精准控制，如果能有图解或详细的步骤指导，将会极大提升我的排练效率。我还想知道，书中是否涵盖了如何通过眼神交流来影响演唱者情绪和动态控制的心理学层面。

评分☆☆☆☆☆

作为一个刚接触合唱指挥不久的新手，我最需要的是一本结构清晰、循序渐进的入门指南，而不是那些高深的理论堆砌。我希望能从这本书中学到如何建立一套系统性的排练流程：从最初的识谱、分声部练习到最后的全场合奏与润色。如果书中能提供一些通用的“指挥家思维导图”或者“问题解决清单”，比如当合唱团出现某个固定问题时，指挥应该首先检查哪些环节，那就太实用了。我尤其关注如何将抽象的音乐概念（如“明亮感”、“温暖感”）转化为具体的身体动作和声音要求，这对我来说是目前最大的挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本关于《合唱指挥的基础与实践》的书籍，我希望能找到一些关于如何提升合唱团整体音准和和声效果的实用技巧。比如，书中是否会深入探讨不同声部之间的平衡问题，以及如何通过有效的排练方法来快速纠正常见的音准偏差？我特别关注那些能够帮助指挥者更好地理解和驾驭复杂和声织体的内容，例如如何运用不同的手势语言来精准地指示强弱变化和清晰度。如果它能提供一些针对不同风格合唱曲目（如巴洛克时期作品与近现代作品）的指挥侧重点分析，那就更棒了。我期待看到一些关于如何激发合唱团成员的音乐表现力和情感投入的策略，而不仅仅是机械的节奏把控。希望能找到一些关于如何构建一个积极、专注的排练氛围的具体案例和建议。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的实践性要求很高。我希望它能提供大量来自真实指挥案例的“前车之鉴”和“成功经验分享”。例如，作者在处理某次大型演出前，是如何安排最后几周的排练重点的？如何评估合唱团的“健康度”，判断何时应该休息，何时应该加压？除了技术层面的指导，我还想了解指挥与声乐指导（如果有的话）之间的有效沟通策略。毕竟，合唱指挥工作往往是团队协作的结果。如果能有一些关于如何利用现代技术（如录音分析、视频反馈）来辅助排练的章节，那就更具时代性了。